Farbwahn - Das Kunst Journal

100 Jahre Jackson Pollock

2012-01-28T11:36:00.005+01:00

Der wohl berühmteste Vertreter des Abstrakten Expressionismus Jackson Pollock wurde am 28.Januar 1912 - genau heute vor 100 Jahren - im amerikanischen Cody, Wyoming geboren und studiert von 1925-27 Kunst an der Manual Arts High School in Los Angeles. 1929 - 31 besucht er die "Art Students League" in New York. Im Jahre 1935 siedelt der Künstler nach New York. 10 Jahre später heiratet er Lee Krasner. Am 11.August 1956 starb Pollock in Springs-East Hampton, New York. Noch heute zählt er zu den bekanntesten modernen Künstlern überhaupt. Seine Werke fanden international schnell Anklang und erzielen heute auf dem Kunstmarkt Höchtpreise. Bekannt ist er vorallem für seine Action Paintings. In den 1940er Jahren entwickelt der Künstler die Dripping-Technik, bei welcher er die Farbe nicht wie herkömmliche Maler mit einem Pinsel auf die Leinwand aufträgt, er lässt sie vielmehr auf das Trägermedium tropfen, spritzen oder schüttet sie, sodass willkürliche Linien und Rhythmen entstehen - die Technik ist vollkommen neu und macht Pollock so zum Begründer einer völlig neuen Fertigungstechnik. Der Entstehungsprozess ist beim Verständnis seiner Werke richtungsweisend. Ab ca. 1950 entwickelt Pollock seinen Stil weiter, vernachlässigt das zufällige Action Painting und widmet sich kompositionellen Bildern.

Cindy Sherman

2012-01-19T11:17:00.000+01:00

Die Fotografin Cindy Sherman wird am 19.Januar 1954 in Glen Ridge in New Jersey geboren und studiert zunächst Malerei an der State University of New York in Buffalo. Erst später entdeckt sie die Fotografie. 1976 zieht die Künstlerin nach ihrem Abschluss nach New York, wo sie heute noch lebt. Nach zwei Ehen mit dem Videokünstler Michel Auder, welche beide Male mit einer Scheidung enden, ist die Fotografin heute mit dem Musiker David Byrne zusammen. Cindy Sherman wird durch ihre Selbstinszenierungen in der Fotografie bekannt. Ihre berühmteste Bilderserie ist die "Untitled Film Stills" (Standfotografien) von 1977 bis 1980. Doch nicht immer steht die Künstlerin selst Modell. 1985 bis '89 arbeitet Sherman an der sog. "Disasters"-Serie, in welcher die Fotografin Körperprothesen, verrottete Nahrungsmittel, Abfall etc. arrangiert, um schokierende Verfallserscheinungen zu zeigen. 1992 arbeitet Sherman an den "Sex Pictures", die nicht weniger schokieren. Körperprothesen, Modelle, Schaufensterpuppen zelebrieren sexuelle Praktiken. 2000 arbeitet Shermann an einem titellosen Projekt, in welchem sie sich in verschiedene Frauen unterschiedlicher Herkunft, Stellung, Rang verkleidet. 2004 inszeniert die Künstlerin ihre "Clowns". Eine Bildserie, die sich mit Maskierung beschäftigt.

Paul Cézanne

2012-01-19T00:05:00.000+01:00

Paul Cézanne wird am 19.Januar 1839 im französischen Aix-en-Provence geboren und schlägt zunächst auf Wunsch des Vater eine Bankier-Laufbahn an der rechtswissenschaftlichen Fakultät an der Universität von Aix-en-Provence, ein. Ab 1859 besucht Cézanne zusätzlich diverse Zeichenkurse an der Städtischen Zeichenschule. 1861 zieht Cézanne unter den enttäuschten Augen des Vaters nach Paris, um dort Künstler zu werden. Er belegt Kurse an der Académie Suisse und lernt dort u.a. einen seiner wichtigsten und einzigen Künstlerkollegen kennen: Camille Pissarro. Trotzdem missfällt ihm sein Leben in Paris, sodass er noch im selben Jahr nach Aix-en-Provence zurückkehrt und erneut als Bankier arbeitet. 1862 siedelt Cézanne wieder nach Paris, wo er nun auch Claude Monet kennenlernt. 1872 wird Cézannes unehelicher Sohn geboren, welchen er jedoch vor seiner Familie verheimlicht, aus Angst, die finanzielle Absicherung durch den Vater zu verlieren, welcher für Cézannes Lebensunterhalt aufkommt. Vom 15. April bis 15. Mai 1874 findet die erste Gruppenausstellung der Impressionisten um Claude Monet statt, an der auch Cézanne teilnimmt. Ab 1881 lebt er wieder in Aix-en-Provence, wo er am 28. April 1886 Hortense Fiquet heiratet. Dies geschieht jedoch weniger aus Liebe, sondern viel mehr für den gemeinsamen Sohn. 1895 eröffnet der Galerist Ambroise Vollard Cézannes erste Einzelausstellung, in welcher 50 Werke des Künstlers zu sehen sind. Nach und nach verkauft Cézanne viele seiner Bilder und bekommt mehr und mehr postives Feedback. 1902 bezieht Cézanne sein neugebautes Atelier in der Nähe von Aix, wo er im Vorjahr ein Grundstück erwirbt. Seine Frau und sein Sohn leben seit den 1890er Jahren in Paris. Seit der Jahrhundertwende verschlechtert sich Cézannes gesundheitliche Lage. Alterdepressionen spitzen sich bis zum Verfolgungswahn zu. Und trotz der zunehmenden Anerkennung auf dem Kunstmarkt, veröffentlichen noch immer böse Zungen heftige Kritiken, sodass sich Cézanne immer mehr aus der Öffentlichkeit zurückzieht. 1903 stellt Cézanne im Pariser Herbstsalon aus. Am 22.Oktober 1906 stirbt Cézanne an den Folgen einer Lungenentzündung, welche er sich durch eine Unterkühlung zuzieht, als er am 15.Oktober beim Malen im Freien in ein Unwetter gerrät. In seinem Testament schließt Cézanne seine Frau vom Erbe aus und vermacht alles seinem Sohn.

Bildersammlung: Cindy Sherman "Untitled Film Stills" (1977 - 1980)

2012-01-16T13:46:00.008+01:00

Kupferstichkabinett: Zeichenkunst in Hollands Goldenem Jahrhundert

2012-01-10T16:24:00.003+01:00

Im 17.Jahrhundert erlebt Holland eine wirtschaftliche, kulturelle und gesellschaftliche Blütezeit, die den Aufstieg des Landes zur Großmacht begünstigt. In jener Zeit entwickelte das Bürgertum einen regelrechten Hunger nach Kunst. Doch viele Künstler spezialisierten sich nicht allein auf Ölgemälde, sondern übten sich auch in der Druckgraphik oder der Zeichenkunst, zumal viele Zeichnungen als Studien für später Malereien oder mit Vorbildcharakter für Schüler dienten. Im Berliner Kupferstichkabinett, der größten Sammlung an Zeichnungen, Aquarellen, Pastellen oder Ölskizzen in Deutschland, sind noch bis zum 26.Februar 2012 111 graphische Arbeiten von namhaften Künstlern "Aus Rembrandts Zeit" - wie der Titel der Ausstellung lautet - zu sehen. In verschiedene Rupriken unterteilt sind u.a. Arbeiten von Abraham Bloemaert (1564 - 1651), Willem Buytewech (1591 - 1624), Esaias van de Velde (1587 - 1630), Jan van de Velde II (1593 - 1644), Jan van Goyen (1594 - 1656) , Adriaen van de Venne (1589 - 1662), Dirck Hals (1591 - 1656), Pieter van Laer (1599 - 1642/54), Bartholomäus Breenbergh (1598 - 1657), Nicolaes Berchem (1621/22 - 1683), Adriaen van Ostade, Jacob van Ruisdael (1628/29 - 1682) oder natürlich Rembrandt van Rijn (1606 - 1669) zu sehen - um nur einige zu nennen. Mit ihrer Lebensnähe und perfekten Naturtreue faszinieren die graphischen und zeichnerischen Arbeiten, die in edler Rahmung präsentiert werden.

Wissenswertes: Raumgestaltung im Museum + "Shaped Canvas"

2012-01-07T20:32:00.005+01:00

Was ist der wohl augenfälligste Unterschied zwischen einem Museums für zeitgenössische Kunst und einem Museum für Kunst des 19.Jahrhunderts, abgesehen von den Exponaten? Natürlich die Raumgestaltung. Während nach dem "alten" Prinzip Malereien in einem Raum mit üppiger Innenausstattung, wie kunstvoll geschmückte Wänden, Säulen, Ornamenten, womöglich sogar Stuck oder Verzierungen an den Decken (z.B. Deckenspiegel) und natürlich den prunkvollen Goldrahmen, gezeigt wurden, zeichnen sich moderne Museen durch eine schlichte Raumgestaltung aus - weiße Wände, nüchternes Licht und schlichte Rahmen (wenn überhaupt). Dieses Zurücktreten der Innenausstattung, welches überwiegend seit der zweiten Hälfte des 20.Jahrhunderts zu verzeichnen ist, forderte die Künstler zu neuen Formexperimenten. Während das klassische Bildformat von rechteckigen oder runden Bildträgern ausgeht, welche sich ordentlich und vorallem platzsparend nebeneinander reihen lassen, entdeckten die Amerikaner in den 1960er Jahren die sog. "Shaped Canvas" - geformte Leinwände. Dreiecke, Rauten, Achtecke. Großformatig. Oft mit einem Loch in der Mitte, wodurch man die Wand sehen kann. Diese neuartigen Formate brauchen gewiss viel Platz und Freiraum für sich, um richtig zu wirken. Sie lassen sich nicht willkürlich nebeneinander hängen, benötigen einen neutralen Umraum - sprich weiße Wände. Ein weniger üppiges Raumgestaltungskonzept scheint also im Hinblick auf die moderne Kunst unausweichlich und wird von den meisten Künstlern heute sogar vorausgesetzt.

Frank Stella - "Shaped Canvases", bei Leo Castelli, 1964.

Andy Warhol - Mao (1973)

2012-01-06T21:18:00.003+01:00

Andy Warhol "Mao", 1973, Siebdruck auf Acrylfarbe auf Leinwand, 448,3 x 346,1 cm, Sammlung Erich Marx (als Leihgabe im Hamburger Bahnhof Berlin)

August Macke

2012-01-03T10:51:00.001+01:00

August Robert Ludwig Macke wurde am 03.Januar 1887 im Hochsauerland geboren. Kurz nach seiner Geburt siedelte seine Familie mit ihm nach Köln, bald nach Bonn. 1904 begann Macke eine Ausbildung an der Kunstakademie Düsseldorf, welche er bereis 1906 wieder verlies. Ein Jahr später reiste Macke nach Paris, wo er den Impressionismus kennenlernte und sich fortan von jenem Malstil bzw. jener Motivwahl inspirieren lies. Zurück in Deutschland besuchte der junge Maler nun die Malkurse des Lovis Corinth, einem deutschen Impressionisten, in Berlin. Als August Macke 1909 Elisabeth Gerhardt heiratete, führte ihn die gemeinsame Hochzeitsreise mit seiner Frau erneut nach Paris, wo er dieses mal mit der Malerei der Fauves und Futuristen vertraut wurde. Diese inspierten ihn stark und beeinflussten sein künstlerisches Schaffen nachhaltig. Besonders die futuristische Kunst mit ihrem prismatischen, ineinander verschachtelten Bildelementen begeisterten den Künstler. 1910 lernte Macke Franz Marc kennen, welcher ihn ein Jahr später bat, dem neu gegründeten "Blauen Reiter" beizutreten. Zwar identifizierte sich Macke selbst kaum mit der Gesinnung oder dem abstrakten Stil der Gruppe, dennoch schloß er sich auf Bitten des Freundes Marc der Künstlergruppe an und malte auch einige abstrakte Bilder. Sein Engagement war dabei jedoch eher zurückhaltend. 1913 war Macke überdies Ausgangspunkt einer Ausstellung der Gruppe des Rheinischen Expressionismus in Bonn. Bereits im Vorjahr war Macke in der selben Gruppe an der Organisation einer Ausstellung in Köln beteiligt. Am 08.August 1914 wurde Macke zum Kriegsdienst im Ersten Weltkrieg eingezogen. Nur knapp 1,5 Monate später, am 26.September 1914 fiel der Künstler an der Westfront bei Perthes-lès-Hurlus in der Champagne.

Henri Matisse

2011-12-31T00:05:00.000+01:00

Der französische Künstler Henri Matisse wurde am 31.12.1869 in Frankreich geboren und besuchte Zeichenkurse an der École Quentin de la Cour. Um 1890 widmete er sich der Malerei. Ein Jahr später beendete er seine angefangene juristische Karriere. Anschließend besuchte er die pariser Kunstgewerbeschule. 1896 hatte Matisse während einer Reise in die Bretagne Kontakt mit impressionistischer Malerei, malte jedoch weiterhin im traditionellen Stil und stellte u.a. im Salon des Louvre aus. Erst als er 1897/98 den Maler John Peter Russell besuchte, der ihm auch die Werke van Goghs nachebrachte, begann er seinen Malstil zu ändern. Um ca. 1900 geriet der Maler zunehmend in finanzielle Krisen, da sein Einkommen zu gering war, um seiner Frau, welche er 1898 heiratete, und seinen Kinder, den Lebensunterhalt zu sichern. 1905 verbrachte Matisse einen Sommer am Mittelmeer, in Begleitung seines Malerfreundes André Derein. Beide Maler entwickelten ihren eigenen Stil, welcher später unter dem Namen Fauvismus bekannt wurde und zunehmend Anhänger fand. 1906 lernte Matisse Picasso kennen. Zwischen 1908 und 1911 führte Matisse seine eigene private Malschule, welche den Namen Académie Matisse trug. Rund 100 Schüler lernten dort. Im Jahre 1941 unterzog sich Matisse einer schweren Darmoperation, da er an Darmkrebs litt. Diese Krankheit setzte ihm arg zu, sodass er hauptsächlich im Bett malte. Matisse starb am 3. November 1954 in Nizza an einem Herzanfall.

Weihnachten, Bibel und alte Meister - Teil 5: Kindermord in Betlehem / Rubens

2011-12-30T09:00:00.002+01:00

Teil 5: Der Kindermord in Betlehem unter König Herodes. "Als Herodes nun sah, dass er von den Weisen betrogen war, wurde er sehr zornig und schickte aus und ließ alle Kinder in Bethlehem töten und in der ganzen Gegend, die zweijährigen und darunter waren, nach der Zeit, die er von den Weisen genau erkundet hatte." (Mat 2, 16)

Peter Paul Rubens, "Bethlehemitischer Kindermord", 1638, Eichenholz, 198,5 x 302,2 cm, Alte Pinakothek München

Peter Paul Rubens' Gemälde zeigt die biblische Geschichte des Kindermordes in Betlehem. Wie im Barock und für Rubens' Stil typisch wirkt das Bild auf den ersten Blick sehr überladen und unübersichtlich. Unzählige Menschen verlieren sich im Getümmel des Kampfes. Männer und Soldaten nehmen den Frauen die Kinder weg, um sie zu töten. Viele Leichen liegen schon am Boden. Doch die Mütter versuchen ihre Kinder zu verteidigen und attackieren die Männer. Kompositionell sind drei Gruppen Menschen auszumachen. In der linken Bildecke ersticht ganz am Bildrand ein Mann gerade ein Baby. Daneben greifen zwei Frauen einen weiteren Mann an. Zu ihren Füßen liegen Kinderleichen und eine trauernde Mutter (vergleiche Bildausschnitt oben). Auf der entgegengesetzten Seite befindet sich eine weitere kämpfende Menschenmasse. Soldaten reisen den wehrlosen Müttern die Kinder aus den Armen, eine Frau liegt dabei schon am Boden, auf ihr ihr Kind, welches gerade von einem Mann erstochen wird. Eine weitere Frau rauft an ebendiesem Mann. Die dritte Gruppierung befindet sich auf der Treppe des im Hintergrund emporragenden Tempels. Eine Gruppe von Soldaten stürmt den Aufgang hinab in den Bildraum, während hingegen auch Männer zu sehen sind, welche mit Kindern die Treppe hinauf laufen und im Schatten der Architektur aus dem Bildraum verschwinden. Frauen versuchen die Männer aufzuhalten, werden jedoch zurückgehalten. In der Bildmitte und zugleich dem Mittelpunkt des Geschehens sticht eine einzelne Frau hervor, welche edel gekleidet ist und mit hoch erhobenen Armen ein blutbeflecktes weißes Tuch über ihrem Kopf hält. Die Frau blickt dabei nach oben. In der linken oberen Bildecke befinden sich außerdem drei Engel, welche auf die Frau hinabblicken und Blickkontakt zu ihr aufbauen. Die Geste der Frau wirkt so wie ein Flehen, ein Appell an die Engel. Im Hintergrund erstrecken sich Landschaft und Gebäude mit hoher Tiefenwirkung. Der Himmel ist dabei in einem fröhlichen Hellblau gehalten. Die Dramatik und Grausamkeit der Geschichte zu erfassen ist Peter Paul Rubens gelungen. Wirr, im Chaos durcheinander scheint jeder gegen jeden zu kämpfen. Dabei arbeitet der barock Künstler mit großer Präzision.
Jesus, wegen welchem es überhaupt zu jenen Morden kam, blieb in der biblischen Geschichte verschont, da er, wie in Teil 4 erwähnt, gemeinsam mit seiner Mutter von Josef nach Ägypten gebracht wurde.

Jahresvorschau 2012

2011-12-29T09:00:00.002+01:00

Was erwartet uns und die Kunstwelt 2012?

Das Klimt-Jahr. 2012 steht der 150.Geburtstag des wohl berühmtesten Sohnes der Stadt Wien an; Gustav Klimts. Dies ehrt die Stadt mit Events, Packages und speziellen Sonderausstellungen der Wiener Museen. Eine Liste aller Ausstellungen findet ihr hier.
Das 1000. Weihejubiläum des Bamberger Doms.
Der 100.Geburtstag des Action Painting Künstlers Jackson Pollock am 28.Januar.
25.Todestag des Pop-Art-Giganten Andy Warhol am 22.Februar 2012

Folgende Gemälde "feiern Geburtstag":

Egon Schiele "Bildnis Wally Neuzil" und "Selbstbildnis mit Judenkirschen" - 100 Jahre
Max Pechstein "Stilleben mit Äpfeln und Porzellankanne" - 100 Jahre
Wassily Kandinsky "Improvisation 26 (Rudern)" - 100 Jahre
Andy Warhol "Campell's Suppendosen" - 50 Jahre

Jahresrückblick 2011

2011-12-28T09:00:00.003+01:00

Da sich das Jahr 2011 nun langsam dem Ende zuneigt, ist es Zeit für einen Farbwahn-Jahresrückblick. Was geschah auf dem Blog, in der Kunstwelt und überhaupt. Viel Spaß.

Januar. Nach einer längeren Pause meldete sich Farbwahn passend zum Neuen Jahr 2011 mit kreativen Beiträgen zurück. Im Museum Wiesbaden war noch bis Ende Februar die Ausstellung "Vom Blauen Reiter zum Abstrakten Expressionismus" zu sehen. Außerdem habe ich meine erste Buch-Review über einen Salvador Dalí-Band (hier) und über eine bereits 25 Jahre alte PAN-Ausgabe (hier) geschrieben. Im Kronacher Kunstverein stellte Peter Kampehl aus.

Feburar. Dieser Monat begann ebenfalls mit einer Buch-Review, nämlich jener über den Werkkatalog zu dem kronacher Bildhauer Heinrich Schreiber, welcher an meiner ehemaligen Schule entstanden ist (hier). Des Weiteren startete das Wiener Leopold Museum seine Vortragsreihe "Blickwinkel" und ich habe meine ersten Artikel bezüglich meiner Abi-Vorbereitung für Kunst geschrieben. Dazu gehörten u.a. Bildanalysen z.B. zu Gustav Klimts "Wasserschlangen" (hier) oder "Adam und Eva" (hier). Natürlich waren auch viele epochenrückblickende Beiträge zu lesen. Im Wiener Leopold Museum startete eine Ausstellung zu europäischem Jugendstil-Schmuck.
März. Über den März lässt sich rückblickend sagen, dass er wohl dem 20.Jahrhundert geweiht war. Meine Epochenzusammenfassungen bezogen sich u.a. auf Architektur des ausgehenden 19.Jahrhunderts / Anfang 20.Jahrhundert z.B. Jugendstil oder Bauhaus. Daneben spielte auch Picasso in diesem Monat eine große Rolle. Neben Buchvorstellungen gab' es auch meine ersten Bildersammlungen. Weitere Bildsammlungen beschäftigsten sich z.B. mit Degas. Des Weiteren postete ich in diesem Monat sehr viele Photographien und auch drei Künstlervorstellungen zeitgenössischer Künstler, wie z.B. Ray Caesar. Ab März war bis Juli außerdem Vermeers "Frau mit Waage" in der Alten Pinakothek München zu sehen.
April. Auch in diesem Monat gab' es sehr viele Photographien zu sehen. Zu meinen Künstlervorstellungen gehörte u.a. David LaChapelle (hier). Im Rahmen der Abi-Vorbereitung gab' es außerdem viel wissenswertes über die Darstellung des menschlichen Körpers in verschiedenen Epochen zu lesen. Außerdem ging im April mein erstes Video online; ein sprachlich nicht ganz fehlerfreier Vergleich zweier Selbstportraits van Goghs. Anlässlich des Osterfests schrieb ich einen Artikel über eine Kreuzigungsdarstellung im Bezug auf Mel Gipsons Film "Die Passion" (hier).
Mai. Der Monat Mai widmete sich auf Farbwahn der Photographie. Neben diversen Beiträgen zur Entwicklung der Photographie im Rahmen der Abitur-Vorbereitung fand auch in der Kronacher Kunstgalerie eine Ausstellung zum Camera Obscura-Fotografen Günter Derleth statt (hier), welcher zeitgleich auch im Historischen Museum in Bamberg ausstellte (hier). Ansonsten fanden im Mai meine Abiturprüfungen statt, sodass es eher ruhig auf dem Blog wurde.
Juni. Im Juni gingen zunächst viele FarbwahnTV Videos online. Eine Künstlerin, welche ich vorstellte war u.a. Charmaine Olivia (hier). Mitte Juni nahm ich am Camera Obscura-Workshop des Kronacher Kunstvereins mit dem Fotografen Günter Derleth teil (hier) und besuchte anschließend endlich wieder das schöne Wien und berichtete diesesmal z.B. über Friedensreich Hundertwasser und das ihm zu Ehren errichtete Museum (hier). Außerdem besuchte ich auch endlich einmal die Albertina (hier). Am 21.Juni war der "Tag der Architektur" und ein paar Tage später wurde bei Sotheby's ein Egon Schiele-Gemälde aus dem Bestand des Leopold Museums versteigert, welches dem Museum unglaubliche 27 Mio € (kanpp 25 Mio € netto) einbrachte (hier).
Juli. Am 02.Juli ging mein erstes Interview online. Die Fotografin Rona Keller äußerte sich über ihr Arbeiten (hier). Bereits zwei Wochen später erklärte sich auch NanaPhotography bereit mir für ein kleines Interview zur Verfügung zu stehen (hier). Außerdem habe ich einen kleinen Fotowettbewerb gewonnen. In diesem Monat fand außerdem das Straßenfestival "Bamberg zaubert" statt (hier). Aber auch das Lichterfestival "Kronach leuchtet" fand statt und veranlasste mich zu vielen Artikeln (u.a. hier). Außerdem ging im Juli nach langer Offline-Zeit auch mein Portfolio wieder online (hier).
August. Der August war mit 26 Artikeln mein bisher aktivster Monat. Viele Bildersammlungen, Bildbeschreibungen oder Biographien gingen online. Im August besuchte ich außerdem Berlin. Dabei wusste ich jedoch noch nicht, dass ich nur zwei Monate später dort leben würde. Ich besuchte u.a. die Alte Nationalgalerie (hier) und die Neue Nationalgalerie (hier). Am 22.August jährte sich des Weiteren zum 100.mal der Mona Lisa-Raub von 1911. Eine Woche später gab' es ein Interview mit der Fotografin Liz Ke (hier). Außerdem konnte sich Farbwahn über den 100.Leser und über 10.000 Besuche freuen.
September. Im September bin ich viermal nach München gefahren (leider ohne eine Ausstellung zu besuchen), da ich zunächst im Glauben war, mein Studium in der bayerischen Landeshauptstadt zu absolvieren. Erst Ende des Monats erhielt ich die frohe Botschaft, trotzdem nach Berlin zu können. Am 11.September jährte sich der Jahrestag von 09/11 zum zehnten mal. Farbwahn gedachte dem durch eine Arbeit des zeitgenössichen Künstlers Dave Beckerman (hier). Eine Woche später fand in der Kronacher Kunstgalerie die Vernissage zu Hasso von Henninges Ausstellung mit Color-Field-Paintings statt (hier). Außerdem feierte das Wiener Leopold Museum sein 10-jähriges Jubiläum (hier). Farbwahn durfte am 26.September auch schon zwei Geburtstagskerzen ausblasen.
Oktober. Im Oktober bin ich nach Berlin gezogen und habe mich sofort in die Berliner Kunstszene gestürtzt. Neben einer Vernissage im C/O Berlin (hier) oder den "Gesichter(n) der Renaissance" (hier) besuchte innerhalb kürzester Zeit noch viele andere Ausstellungen und Events. Rund 600 km entfernt feierte die Alte Pinakothek München ihr 175.Jubiläum.
November. Im November schrieb ich sehr viel über Berliner Ausstellungsinstitutionen und Ausstellungen (z.B. "Gute Aussichten" hier). Außerdem hatte Jeanne-Claude ihren zweiten Todestag (hier). Außerdem schrieb ich einiges in der Ruprik Wissenswertes.
Dezember. Mein größtes "Projekt" im Dezember war wohl die Reihe "Weihnachten, Bibel und Alte Meister". In diesem Rahmen habe ich jede Woche ein Gemälde ausgewählt, welches auf eine biblische Geschichte zur Weihnachtszeit Bezug nimmt (z.B. "Teil 1: Die Verkündigung und DaVinci" hier). Doch auch eine neue Fotoserie von mir ging online (hier). Ansonsten feierten im Dezember ausgesprochen viele Künstler Geburtstag.

Weihnachten, Bibel und alte Meister - Teil 4: Flucht nach Ägypten / Meister von Mondsee

2011-12-23T09:00:00.001+01:00

Teil 4: Die Flucht Josefs mit Maria und dem Neugeborenen nach Ägypten: "Als die Sterndeuter wieder gegangen waren, erschien dem Josef im Traum ein Engel des Herrn und sagte: Steh auf, nimm das Kind und seine Mutter, und flieh nach Ägypten; dort bleibe, bis ich dir etwas anderes auftrage; denn Herodes wird das Kind suchen, um es zu töten. Da stand Josef in der Nacht auf und floh mit dem Kind und dessen Mutter nach Ägypten. Dort blieb er bis zum Tod des Herodes. Denn es sollte sich erfüllen, was der Herr durch den Propheten gesagt hat: Aus Ägypten habe ich meinen Sohn gerufen." (Mat 2, 13 - 15).

Meister von Mondsee, "Flucht nach Ägypten", vor 1499, Malerei auf Tannenholz, 57 x 45 cm, Belvedere Wien

Dieses mittelalterliche Gemälde zeigt die biblische Szene der Flucht Josefs mit Maria und dem Jesus Kind nach Ägypten. In der Vordergrundebene befindet sich die auf einem Esel sitzende Maria mit dem Kind. Das Tier trägt die beiden nach rechts in die Bildmitte hinein. In einer zweiten, mittleren Bildebene befindet sich, direkt am rechten Bildrand, Josef, welcher ,als älterer Mann mit grauem Bart dargestellt, in halber Rückenansicht den Esel von links nach rechts aus dem Bildraum hinaus führt. Nicht nur Josefs Platzierung ganz am rechten Bildrand, sondern auch die Rücken- / bzw. Profilansicht gibt ihm eine eher untergeordnete Rolle, obwohl er in der oben genannten Bibelstelle agierender Protagonist ist. Inhaltliches Zentrum im Werk bilden die Gottesmutter und ihr Kind. Maria sieht behutsam auf ihr Kind hinab. Die Köpfe der beiden Personen sind durch einen goldenen Heiligenschein umrahmt. Marias Haube scheint durch einen Windstoß nach links geweht zu werden. Ebenso Josefs roter Umhang. Links hinter Marias Schulter befindet sich ein Baum, in welchem sich drei Engel aufhalten, die die Szene zu überwachen scheinen. Einer der Engel sieht dabei direkt auf die Gottesmutter herab. In der Hintergrundebene erstreckt sich eine wüstenähnlich, dürre Landschaft mit einem Fluß. Womöglich handelt es sich dabei schon um den ägyptischen Nil. Der Himmel über dem Gewässer ist eine goldene Fläche mit Rasterung. Die malerische Umsetzung ist ganz in mittelalterlicher Manier. Informationsvermittlung und Materialwert stehen über künstlerischer Ästhetik und individueller Handschrift des Künstlers, dessen konkreter Name auch nicht überliefert ist. Besonders der materielle Wert war im Mittelalter ausschlaggebend für die Beurteilung eines Bildes. Hier wurde sehr viel mit Gold gearbeitet. Auch Blau war zu jener Zeit eine teure Farbe.

100 Jahre "Blauer Reiter" Ausstellung

2011-12-18T00:05:00.000+01:00

Wassily Kandinsky war zunächst Vorsitzender der "Neuen Künstlervereinigung", wurde aber zunehmend für seinen immer abstrakter werdenden Stil von den anderen Mitgliedern kritisiert. Als 1911 eines seiner Werke gar von der Jury einer Ausstellung abgelehnt wurde, verlies Kandinsky die Künstlergruppe und gründete kurz darauf mit seinem Malerkollegen Franz Marc den "Blauen Reiter". Die erste Ausstellung der Gruppe begann am 18.Dezember 1911 - vor einhundert Jahren. Räumlichkeit war das Obergeschoss der Galerie Thannhauser in München, in welcher zeitgleich auch Bilder der "Neuen Künstlervereinigung" ausgestellt wurden, welche Kandinsky und Marc zuvor verließen. Bis zum 01.01.1912 war der "Blaue Reiter" in München zu sehen, anschließend ging er auf Tournee durch Deutschland. Rund 50 Werke beinhaltete die erste Ausstellung des "Blauen Reiters". Dabei standen besonders die abstrakten Bilder Kandinskys, Marcs und Delaunays im Mittelpunkt. Letzterer sorgte gerade durch seine großformatigen Arbeiten der Serie der "Eiffeltürme" und der "Städte-Bilder" für Furore.

Weihnachten, Bibel und alte Meister - Teil 3: Die Drei Könige / Meister des Schottenaltars

2011-12-17T09:00:00.004+01:00

Teil 3: Huldigung des Jesuskindes durch die Sterndeuter (Drei Könige). "Als Jesus in Betlehem in Judäa zur Zeit des Königs Herodes zur Welt gekommen war, da kamen Sterndeuter aus dem Morgenland nach Jerusalem und fragten: Wo ist der neugeborene König der Juden? Wir haben seinen Stern aufgehen sehen und sind gekommen, ihm zu huldigen. Als der König Herodes davon hörte, geriet er in Aufregung und ganz Jerusalem mit ihm. Und er liess alle Hohen Priester und Schriftgelehrten des Volkes zusammenkommen und erkundigte sich bei ihnen, wo der Messias geboren werden solle. Sie antworteten ihm: In Betlehem in Judäa, denn so steht es durch den Propheten geschrieben: Und du, Betlehem, Land Juda, bist keineswegs die geringste unter den Fürstenstädten Judas; denn aus dir wird ein Fürst hervorgehen, der mein Volk Israel weiden wird. Darauf rief Herodes die Sterndeuter heimlich zu sich und wollte von ihnen genau erfahren, wann der Stern erschienen sei. Und er schickte sie nach Betlehem mit den Worten: Geht und forscht nach dem Kind! Sobald ihr es gefunden habt, meldet es mir, damit auch ich hingehen und ihm huldigen kann. Auf das Wort des Königs hin machten sie sich auf den Weg, und siehe da: Der Stern, den sie hatten aufgehen sehen, zog vor ihnen her, bis er über dem Ort stehen blieb, wo das Kind war. Als sie den Stern sahen, überkam sie grosse Freude. Und sie gingen ins Haus hinein und sahen das Kind mit Maria, seiner Mutter; sie fielen vor ihm nieder und huldigten ihm, öffneten ihre Schatztruhen und brachten ihm Geschenke dar: Gold, Weihrauch und Myrrhe. Weil aber ein Traum sie angewiesen hatte, nicht zu Herodes zurückzukehren, zogen sie auf einem anderen Weg heim in ihr Land." (Mat 2, 1 - 12)

Meister des Schottenaltars, "Anbetung der Heiligen Drei Könige", um 1470, Öl auf Eichenholz, 86 x 80 cm, Belvedere Wien
Das mittelalterliche Gemälde zeigt in einer Dreieckskomposition die Gottesmutter mit ihrem Kind auf dem Schoß. Rechts und links zu ihren Füßen knieen zwei der Könige aus dem Morgenland. Einer davon küsst dabei den Fuß des Jesuskindes. Rechts neben der Gruppe steht der rot gekleidete Josef, welcher der Maria einen Kelch reicht. Hinter ihm befinden sich in einem Stall Ochs und Esel. Links neben der Gruppe befindet sich Melchior, der dritte König. Seine Körperhaltung wirkt angespannt, seine Gestik und Handhaltung im Zusammenhang zu seiner Mimik weist auf Abneigung hin. Hinter den Personen erstreckt sich eine Mauerruine, welche zum Teil den Blick auf eine im Hintergrund liegende Stadt (Betlehem) freigibt. Auf der Ruine sitzen Vögel. Nach rechts ist der Bildraum durch den Viehstall abgeschlossen, nach links hin ist er jedoch geöffnet. Der Himmel ist in einem Gelb- bzw. Goldton gehalten. Auch die Gewänder der drei Weisen ist mit goldenen Elementen und Ornamenten verziert. Auffallend ist des Weiteren, dass Maria die einzige Person ist, um deren Kopf ein Heiligenschein platziert ist. Nicht einmal das Jesuskind selbst ist von einer Aureole umgeben. Vielmehr sitzt es steif und unnatürlich auf dem Schoß seiner Mutter.

Das typische Weihnachten mit Baum, welches wohl jeder heute feiert, geht zwar auf heidnische Bräuche zurück, dennoch ist und bleibt Weihnachten auch ein religiöses Fest. In vielen Köpfen geht dieser Gedanke in heutiger Zeit verloren. Ohne Stellung dazu nehmen zu wollen, widmet sich meine neue Reihe grob der biblischen Weihnachtsgeschichte, um sie euch, unabhängig von Glaube oder Nicht-Glaube, näher zu bringen. Um Kritik und Vorurteile zu vermeiden, möchte ich diese Gegebenheit lediglich als Allgemeinwissen bezeichnen. Ich möchte außerdem den kunstgeschichtlichen Zusammenhang herstellen, indem ich Beispielbilder zeige, welche die entsprechende Bibelstelle behandeln.

Friedensreich Hundertwasser

2011-12-15T00:05:00.000+01:00

Friedensreich Hundertwasser wurde am 15.12.1928 als Friedrich Stowasser in Wien, als Jude, geboren. Mit sieben Jahren besuchte Hundertwasser die Montessori-Schule. Viele seiner Verwandten wurden während des NS-Regimes deportiert. Hundertwasser wechselte nach Anschluss Österreichs an Nazi-Deutschland auf die staatliche Schule Wiens. 1948/49 besuchte er für drei Monate die Akademie der bildenden Künste, welche ihm jedoch nicht zusagte. Im selben Jahr aber, nahm Stowasser den Namen "Hundertwasser" als Künstlernamen an. Zusammengesetzt wird der Name aus der Übersetzung des slawischen Wortes "sto" (hundert), welches ebenfalls erste Silbe des Nachnamens (Stowasser) ist und der zweiten, ursprünglichen Silbe; "wasser". 1949 - 1950 reiste Hundertwasser mit seinem Malerfreund Rene Brô nach Paris. 1951 besuchte Hundertwasser ein halbes Jahr lang Marokko und reiste dann weiter nach Tunesien, Sizilien und schließlich in die Steiermark. 1952/53 stellte er zum ersten mal aus, in seiner Heimatstadt Wien. 1955 folgte eine Ausstellung in Mailand, 1954 und '56 in Paris. 1960 reiste der Künstler nach Japan, wo er schleißlich auch ausgezeichnet wurde. Seinen Vornamen "Friedrich" übersetzte er im Japanischen mit "Frieden" und "Reich". So entstand der volle Künstlername "Friedensreich Hundertwasser". 1970 - 72 arbeitete der Künstler mit an einer Verfilmung über sein Leben ("Hundertwassers Regentag"). 1986 wurde das Wiener Hundertwasserhaus fertiggestellt. 2000 starb Hundertwasser am 19.Februar an Bord der Queen Elizabeth2 bei Neuseeland an Herzversagen.

Edvard Munch

2011-12-12T12:58:00.000+01:00

Der expressionistische Maler Edvard Munch wurde am 12.Dezember 1863 in Norwegen geboren. Seine Mutter, sowie seine ältere Schwester starben an Tuberkulose. Die jüngere Schwester litt unter Depressionen. Doch auch Edvard Munch selbst litt unter depressiven Störungen. Deutlich nachvollziehbar wird hierbei, wie und warum Krankheit und Tod im unmittelbaren Umfeld, auf den Maler und seine Kunst einwirkten. 1885 versuchte Munch zum ersten mal einen persönlichen Ausdruck, persönliche Gefühle in ein Werk einzubauen, sodass sein erstes expressives Gemälde entstand: "Das kranke Kind" - er nimmt darin Bezug auf den Tod seiner älteren Schwester. Auch die grobe Malweise nimmt Munchs späteren Stil schon vorweg. Ende der 1880er / Anfang 1890er Jahre erhielt der Maler ein Stipendium vom dänischen Staat, welches ihm u.a. nach Paris führte, wo er von der postimpressionistischen Strömung profitierte und auch einige entsprechende Bilder malte. In den 1890er Jahren erhielt der Künslter des Weiteren eine Einladung des Berliner Kunstvereins nach Deutschland, wo schließlich auch 55 Bilder ausgestellt wurden. Jedoch erweckte die Ausstellung sehr große Kritik, dass sie schon bald nach der Eröffnung wieder geschlossen werden musste. Munch entschloss sich dennoch, in Berlin zu bleiben, wo er sich dann mit Radierungen und Lithografie beschäftigte. und außerdem Nietzsches Schriften studierte. Erst 1896 verlies er Deutschland wieder und siedelte für zwei Jahre nach Paris, ehe er wieder nach Norwegen zurückkehrte. Zur Jahrhundertwende feierte Munch zunehmend Erfolge. Er nahm an der Secessionsausstellung in Berlin teil, oder erhielt eine Ausstellung in Prag. Doch sein Erfolg wurde stets von seiner bipolaren Störung überschattet. Am 23.Januar 1944 starb Edvard Munch in Oslo.

Weihnachten, Bibel und alte Meister - Teil 2: Geburt Jesu / Dürer

2011-12-10T09:00:00.002+01:00

Teil 2: Geburt Jesu und Anbetung. "So zog auch Josef von der Stadt Nazaret in Galiläa hinauf nach Judäa in die Stadt Davids, die Betlehem heißt; denn er war aus dem Haus und Geschlecht Davids. Er wollte sich eintragen lassen mit Maria, seiner Verlobten, die ein Kind erwartete. Als sie dort waren, kam für Maria die Zeit ihrer Niederkunft, und sie gebar ihren Sohn, den Erstgeborenen. Sie wickelte ihn in Windeln und legte ihn in eine Krippe, weil in der Herberge kein Platz für sie war. In jener Gegend lagerten Hirten auf freiem Feld und hielten Nachtwache bei ihrer Herde. Da trat der Engel des Herrn zu ihnen und der Glanz des Herrn umstrahlte sie. Sie fürchteten sich sehr, der Engel aber sagte zu ihnen: Fürchtet euch nicht, denn ich verkünde euch eine große Freude, die dem ganzen Volk zuteil werden soll: Heute ist euch in der Stadt Davids der Retter geboren; er ist der Messias, der Herr. Und das soll euch als Zeichen dienen: Ihr werdet ein Kind finden, das, in Windeln gewickelt, in einer Krippe liegt. Und plötzlich war bei dem Engel ein großes himmlisches Heer, das Gott lobte und sprach: Verherrlicht ist Gott in der Höhe / und auf Erden ist Friede / bei den Menschen seiner Gnade. Als die Engel sie verlassen hatten und in den Himmel zurückgekehrt waren, sagten die Hirten zueinander: Kommt, wir gehen nach Betlehem, um das Ereignis zu sehen, das uns der Herr verkünden ließ. So eilten sie hin und fanden Maria und Josef und das Kind, das in der Krippe lag. Als sie es sahen, erzählten sie, was ihnen über dieses Kind gesagt worden war. Und alle, die es hörten, staunten über die Worte der Hirten. Maria aber bewahrte alles, was geschehen war, in ihrem Herzen und dachte darüber nach. Die Hirten kehrten zurück, rühmten Gott und priesen ihn für das, was sie gehört und gesehen hatten; denn alles war so gewesen, wie es ihnen gesagt worden war. " (Lk 2, 4 - 20)

Albrecht Dürer, "Geburt Christi", Mittelteil des Paumgartner-Altars, nach 1503, Lindenholz, 155 x 126 cm, Alte Pinakothek München

Der Mittelteil des Paumgartner-Altars (Triptychon) von Albrecht Dürer zeigt eine eher ungewöhnliche Umsetzung der Geburtstszene Jesus'. Die Szene geht nicht auf das Lukasevangelium zurück, aus welchem der oben zu lesende Ausschnitt stammt, sondern geht auf die "Goldene Legende" (Legenda aurea) nach Jacobus de Voragine, zurück. Die Szene findet nicht in einem Stall mit Krippe statt, sondern in einem Durchgang zwischen zwei Gebäuden. Sehr groß sind die schlicht, blau (himmlisch) gekleidete Maria und der rot (materiell, irdisch) gekleidete , knieende Josef dargestellt. Josef ist dabei durch einen hölzernen Pfeiler bildräumlich von Maria und dem Kind getrennt, welches verhältnismäßig klein und unauffällig wirkt und nicht wie üblich in einer Krippe, sondern am Boden, auf dem Kleid seiner Mutter liegt. Dabei ist es von einer Schar Engel umringt, von denen es auf den ersten Blick nur schwer abzuheben ist. Auffallend ist in meinen Augen auch die Körpersprache der Mutter. Mit den verschränkten Armen, wirkt ihre Haltung eher abweisend. Hinter der Maria blicken aus einer Arkatur Ochs und Esel hervor. Der Bildraum ist nach hinten durch einen offenen Durchgang geöffnet und zeigt eine tiefenwirkende Landschaft. Von allen Seiten eilen Menschen herbei, um dem Jesuskind zu huldigen. In der linken und rechten unteren Bildecke befindet sich nach typischer Manier die Stiferfamilie, in diesem Fall die Familie Paumgartner. Die Bildszene spielt des Weiteren hauptsächlich in der unteren Bildhälfte. Die obere hingegen weist nur architektonische Elemente auf. Alles in allem wirkt die biblische Szene in Dürers Umsetzung eher unscheinbar. Das Jesuskind als Protagonist der Erzählung liegt am Boden und geht inmitten von gleichgroßenen Engeln beinahe unter. Ich wählte diese Umsetzung um zu zeigen, wie sich Künstler im Laufe der Geschichte zwar am religiösen Hintergrund orientieren, aber auch wie vielfältig ihre Umsetzungen sind.

Adolph Menzel in der Alten Nationalgalerie

2011-12-09T09:05:00.000+01:00

Da am gestrigen 08.12.2011 der realistische Künstler Adolph Menzel seinen 196 Geburtstag gefeiert hätte, habe ich nun noch nachträglich eine kleine Bildersammlung arrangiert, mit meinen persönlichen Menzel-Favoriten aus der Alten Nationalgalerie Berlin, welche einen Besuch definitiv wert ist. Unter meinen Favoriten u.a. das "Eisenwalzwerk", "Balkonzimmer" und "Flötenkonzert".

Das Eisenwalzwerk, 1875, Öl auf Leinwand, 158 x 254 cm

Das Balkonzimmer, 1845, Öl auf Pappe, 58 x 47 cm

Falke auf eine Taube stoßend, 1844, Öl auf Holz (?), 119 x 103 cm

Das Flötenkonzert Friedrich des Großen in Sanssouci, 1850–1852, Öl auf Leinwand, 142 x 205 cm

Fuß des Künstlers, 1876, Öl auf Holz, 38,5 x 33,5 cm

Adolph Menzel

2011-12-08T00:05:00.000+01:00

Der 1898 geadelte Künstler Adolph Friedrich Erdmann von Menzel wurde am 08.Dezember 1815 in Breslau geboren und zog 1830 nach Berlin, wo kurz darauf sein Vater verstarb. 1833 besuchte Menzel die Berliner Akademie der Künste, welche er jedoch nach einem halben Jahr wieder verließ, um sich autodidaktisch fortzubilden. Im Jahre 1853 wurde Menzel in der Königlichen Akademie der Künste aufgenommen, wo er später auch als Professor tätig war. Er war ein Maler, welcher schon zu Lebzeiten große Anerkennung genoß. Mit seinen realistischen Bildern erhielt er viel Zuspruch und Aufträge, was nicht zu letzt damit zu tun hat, dass sich Berlin im 19.Jahrhundert industriell und wirtschaftlich prächtig entwickelte und auch die Bevölkerung rapide anstieg, sodass es u.a. sehr viele Auftraggeber für den Künstler gab. Seine Motive fand der Maler auch häufig in der Alltagswelt. So malte er beispielsweise gerne an Baustellen, um die unmittelbar aktuellen Umstände festzuhalten. Verstorben ist Adolph Menzel am 09.Februar 1905 in Berlin, wo noch heute viele seiner Werke zu bestaunen sind.

Tomás Saraceno's CLOUD CITIES im "Hamburger Bahnhof"

2011-12-05T09:00:00.001+01:00

Tomás Saraceno wurde 1973 geboren und studierte zunächst Architektur und anschließend bildende Kunst in Buenos Aires und Frankfurt. Mit rund 20 Arbeiten ist er noch bis 15.Januar 2012 im Hamburger Bahnhof, Museum für Gegenwartskunst, in Berlin vertreten. Seine Ausstellung trägt den Titel "Cloud Cities" und beinhaltet mehrere zellenartig, große Objekte, welche, durch Drahtseile befestigt, in der Luft schweben. Die als Clouds (engl. "Wolken") bezeichneten Räumen sind nicht an die Erde gebunden und erwecken den Eindruck einer futuristischen, schwebenden Stadt. Inspirieren lies sich Tomás Saraceno dabei von Spinnennetzen, der Astrophysik und der modernen Architektur. Viele seiner Zellen werden auch mit Pflanzen kombiniert, sodass man die Arbeiten auch als "Biosphäre(n)" bezeichnet. Ausgewählte Objekte konnten sogar betreten werden. Im nachfolgenden einige Impressionen der Ausstellung.

Wassily Kandinsky

2011-12-04T01:00:00.001+01:00

Der russische Künstler Wassily Kandinsky wurde am 04.Dezember 1866 in Moskau geboren und begann erst als ca. 30-jähriger ein Studium der Malerei. Dazu siedelte er nach München und lernte beim Jugendstilkünstler Franz von Stuck. In Zeichenkursen der Künstlergruppe "Phalanx" begegnete er seiner späteren Lebensgefährtin Gabriele Münter, mit welcher er 1908/09 nach Murnau am Staffelsee siedelte, wo sich beide durch verschiedene Malerkollegen vom expressionistischen Stil beeinflussen liesen. Auch die "Neue Künstlervereinigung" wurde bald gegründet. 1910 malt der russische Künstler das erste abstrakte Gemälde, ein Aquarell. Kandinsky gilt daher als ein Wegbereiter und Begründer der vollständigen Abstraktion. Da es innerhalb der Künstlervereinigung allmählich zu Unstimmigkeiten kam und man Kandinskys abstrakten Stil abzulehnen begann, verlies er die Gruppe und gründete 1911 gemeinsam mit dem Kollegen Franz Marc den "Blauen Reiter" - 2011: Blaues Jahr, 100-jähriges Jubiläum. Im selben Jahr erschien ein gemeinsamer Almanach der Gruppe. Als dann 1914 der Erste Weltkrieg ausbrach, verloren sich die Mitglieder des Blauen Reiters. Franz Marc fiel kurz vor Kriegsende. Kandinsky kehrte zurück nach Russland, wo er bis 1922 blieb und den russischen Konstruktivismus kennenlernte. 1922 siedelte der Künstler wieder nach Deutschland, um Professor am Weimarer und Dessauer Bauhaus zu werden. 1928 erhielt er die deutsche Staatsbürgerschaft, ehe 1933 die Bauhaus-Schule von den Nationalsotialisten geschlossen und 1937 Kandinskys Werke als "entartet" bezeichnet und beschlagnahmt wurden. Daraufhin zieht es den Künstler nach Frankreich. Die französische Staatsbürgerschaft erlangte er 1939. 1944 stirbt Kandinsky am 13.Dezember in Neuilly-sur-Seine, Frankreich.

Photography: White Rabbit

2011-12-03T17:28:00.011+01:00

http://farbenfrohkreativ.tumblr.com/

Weihnachten, Bibel und alte Meister - Teil 1: Verkündigung / DaVinci

2011-12-03T09:00:00.001+01:00

Das typische Weihnachten mit Baum, welches wohl jeder heute feiert, geht zwar auf heidnische Bräuche zurück, dennoch ist und bleibt Weihnachten auch ein religiöses Fest. In vielen Köpfen geht dieser Gedanke in heutiger Zeit verloren. Ohne Stellung dazu nehmen zu wollen, widmet sich meine neue Reihe grob der biblischen Weihnachtsgeschichte, um sie euch, unabhängig von Glaube oder Nicht-Glaube, näher zu bringen. Um Kritik und Vorurteile zu vermeiden, möchte ich diese Gegebenheit lediglich als Allgemeinwissen bezeichnen. Ich möchte außerdem den kunstgeschichtlichen Zusammenhang herstellen, indem ich Beispielbilder zeige, welche die entsprechende Bibelstelle behandeln.

Teil 1: Das Fest Mariä Verkündigung wird zwar bereits im März gefeiert, dennoch meine ich diese biblische Geschichte an dieser Stelle aufzugreifen. Ich möchte Bezug auf ein Gemälde Leonardo DaVincis nehmen.
Doch zunächst zur Bibelstelle: "Im sechsten Monat wurde der Engel Gabriel von Gott in eine Stadt in Galiläa namens Nazaret zu einer Jungfrau gesandt. Sie war mit einem Mann namens Josef verlobt, der aus dem Haus David stammte. Der Name der Jungfrau war Maria. Der Engel trat bei ihr ein und sagte: Sei gegrüßt, du Begnadete, der Herr ist mit dir. Sie erschrak über die Anrede und überlegte, was dieser Gruß zu bedeuten habe. Da sagte der Engel zu ihr: Fürchte dich nicht, Maria; denn du hast bei Gott Gnade gefunden. Du wirst ein Kind empfangen, einen Sohn wirst du gebären: dem sollst du den Namen Jesus geben. Er wird groß sein und Sohn des Höchsten genannt werden. Gott, der Herr, wird ihm den Thron seines Vaters David geben. Er wird über das Haus Jakob in Ewigkeit herrschen und seine Herrschaft wird kein Ende haben." (Lk 1, 26 - 33)

Leonardo DaVinci, "Die Verkündigung", 1472 - '75, Öl auf Holz, 98 x 217 cm, Galleria degli Uffizi Florenz

DaVincis Werk zeigt die biblische Szene der Verkündigung des Engels Gabriel an die Jungfrau Maria. Die beiden Protagonisten (der Erzengel in der linken Bildhälfte und die spätere Gottesmutter in der rechten Bildhälfte) sind nicht nur nach traditionell bildkompositioneller Anordnung in strenger Raumaufteilung voneinander getrennt, sondern auch ein steinernes Tischchen, ein Lesepult, mit dekorativen Verzierungen trennt die Figuren wie eine Grenze voneinander. Der prächtig gekleidete, knieende, sehr jung wirkende Engel ist im Profil zu sehen, die Hand zum Gruß erhoben. Hinter ihm eine weiße Lilie, welche symbolisch u.a. für Jungfräulichkeit steht und so untrennbar mit der Gottemutter in Verbindung gebracht wird. Die hinter dem Lesepult sitzende, ebenfalls edel gekleidete Frau, Maria, ist, wie deutlich am Gesichtsausdruck und der Handhaltung zu erkennen, von der Anwesendheit des Engels überrascht (sie wurde wohl beim Lesen gestört). Hinter der Figur der Maria befindet sich eine Wand, sodass der ihr zukommende Raum (durch Lesepult und Wände begrenzt) im Bild begrenzt und abgeschlossen ist. Verhältnismäßig größer ist so der Raum des Engels. Hinter ebendieser Figur befindet sich lediglich eine kleine Mauer, welche aber den tiefenwirkenden Blick in die weite Hintergrundlandschaft nicht versperrt. Dieses Gemälde gehört zu DaVincis frühen Werken und entstand wohl aus den Ideen der Werkstatt von Verrocchino. Leonardo malte das Bild mit ca. 20 Jahren.

Impressionen "Schätze des Glaubens" im Bode-Museum

2011-12-02T18:09:00.003+01:00

Schon seit dem 30.September 2010 präsentiert das Bode-Museum in Berlin die Ausstellung "Schätze des Glaubens", welche Exponate der mittelalterlichen Kirchen-/Sakralkunst bis zur Spätgotik aus dem Dom-Museum Hildesheim, oder dem Berliner Kunstgewerbemuseum, zeigt. Ausgestellt sind z.B. Kelche, Monstranzen oder Reliquiare. Ein Herzstück ist dabei das Kuppelreliquiar aus dem 12.Jahrhundert aus dem Kölner Welfenschatz. Der fast gänzliche abgedunkelte Raum bietet ein mystisches Ambiente und setzt die beleuchteten, goldenen, teilweise auch grotesken Exponate gut in Szene. Diese Aufmachung hat mir wirklich sehr sehr gut gefallen. Die Ausstellung wird noch bis 30.September 2012 im Bode-Museum, ganz im Westen der Berliner Museumsinsel, zu besuchen sein und ist, wie ich finde, zweifellos einen Besuch wert. Im Folgenden einige Impressionen. Ein kurzer Exkurs zum Thema Reliquienkult befindet sich am Ende des Artikels.

Exkurs:

Unter Reliquienkult versteht man die direkte Verehrung eines Heiligen durch Anbetung einer entsprechenden Reliquie (z.B. Knochen oder andere sterbliche Überreste), welche meist in einem Reliquiar aufbewahrt wird, oder direkt in einer Skulptur oder einem Altarretabel eingearbeitet ist. Den Höhepunkt hatte der Reliquienkult im Mittelalter. Man glaubte damals durch eine Visualisierung eines Heiligen (z.B. durch skulpturale Nachahmung beim Reliquiar) dessen Gunst zu erfahren und seine Macht auf die Reliquie zu übertragen, was den Verehrenden Heil bringt bzw. bringen soll.

Georges Seurat

2011-12-02T00:05:00.000+01:00

Georges Seurat wurde am 02.Dezember 1859 in Paris geboren und zählt gemeinsam mit seinem Malerkollegen Paul Signac (hier) zu den wichtigsten Vertretern des postimpressionistischen Pointillismus. 1878 besuchte Seurat die Staatliche Hochschule der Schönen Künste Paris, welche er bereits ein Jahr später wieder verlies, da er sich, durch eine impressionistische Ausstellung beeinflusst, vom akademisch traditionellen Malstil abkehrte. Sein Interesse galt neben der Kunst auch der Physik oder der Geometrie, was seinen später explizit durchdachten Divisionismus begünstigte. Sein wohl berühmtestes Werk, der "Sonntagnachmittag auf der Insel La Grande Jatte" entstand im Jahre 1884 und weist eben diesen für Seurat typischen Stil auf. Grund- bzw. Spektralfarben werden dabei ungemischt in kleinen Tupfen sehr nah nebeneinander gesetzt, sodass ein einziger Farbteppich entsteht und sich die Farben erst bei der optischen Mischung im Auge zusammenfügen (z.B. blaue Tupfen neben gelbe Tupfen ergibt im Auge eine grüne Fläche). Weil die Farben rein verwendet und nicht gemischt wurden, erhielten sie ihre volle Leuchtkraft, sodass pointillistische Bilder sehr hell und farbintensiv sind. Am 29.März 1891 verstarb Seruat an einer Infektionskrankheit.

Impressionen der Jahresausstellung des Kronacher Kunstvereins 2011

2011-12-01T08:50:00.002+01:00

Bilder: © Andreas Behrschmidt

Die Ausstellung läuft noch bis Mitte Dezember in den Galerieräumen des Kronacher Kunstvereins.

Bilder: © Andreas Behrschmidt

Agnes Martin - Schriften, Kunstmuseum Winterthur 1992

2011-11-30T22:30:00.006+01:00

Agnes Martin wurde 1912 in Maklin, Saskatchewan, Kanada geboren und malte während ihrer Collegezeit in New York 1942 naturalistische Bilder, ehe sie 1947 - '50, von Joan Mirós Surrealismus oder Arshile Gorkys abstrakten Expressionismus beeinflusst, beginnt abstrakt zu malen. Bis zu ihrem Tod 2004 lebte die Künstlerin in New Mexico. Doch nicht nur malerisch schrieb Agnes Martin Geschichte. Mit unzähligen Notizen und Texten gab sie auch Einblick in ihre Gedankenwelt. 1992 wurde im schweizer Kunstmuseum Winterthur eine Ausstellung anlässlich des 80.Geburtstags der Künstlerin gezeigt. Das dazu erschienene Buch "Schriften - Writings" fand' vor einiger Zeit seinen Weg in meine Hände und bietet ebendiese Gedankenniederschriften der Künstlerin an.

Für Agnes Martin typisch war ihre ewige Skepsis. Nie war sie zufrieden mit ihren Arbeiten. Weder mit Bildern, noch mit Schriften. Viele Skripte vernichtete Agnes Martin, viele Bilder übermalte sie. Andere hingegen bewunderten ihre Art und Weise sich mitzuteilen und sammelten Martins Malereien, Zeichnungen und Schriften. Das Buch "Schriften" befasst sich also, wie bereits der Titel vorwegnimmt, mit Martins Texten. Sowohl in Englisch, als auch in Deutsch sind die Schriften im Buch zu lesen. Kennt jemand ihre Worte?
Die Künstlerin nimmt durch ihre Texte u.a. Stellung zu ihrer Kunstauffassung, ohne dabei Manifeste zu verfassen. Martins Bilder zeichnen sich durch Ruhe und Gleichmäßigkeit aus. Beispielsweise schreibt Agnes Martin:
Meine Formate sind quatratisch, doch die Gitter sind nie absolut quadratisch; sie sind Rechtecke, die etwas vom Quadrat abweichen und eine Art Widerspruch hervorbringen, eine Dissonanz, obwohl ich sie nicht von Anfang an beabsichtigte. Wenn ich die quadratische Fläche mit Rechtecken ausfülle, macht dies das Gewicht des Quadrats leichter und zerstört seine Macht.
Ein komplett durch ein Gitter gerastertes Quadrat. Statische Kreise und Linien. Obwohl die Künstlerin sehr emotional und expressiv ist, wirken ihre Bilder sehr ruhig. Auch die Niederschriften lassen vom angeblich unruhigen Geist der Künstlerin nichts ahnen. Auf eine gewisse Weise, ähneln ihre Texte, in meinen Augen, Meditationen.

und hier ein kurzer Aphorismus Martins:

Wir brauchen mehr und andere Flaggen.
Was ist der Wurm der Welt, der die Freude zerstört?
Jemand, der nur noch Auge ist, sieht nicht.
Zu verstehen suchen, heißt dem Mißverstehen huldigen.
Nicht wissen, aber weitergehen.
Irgend etwas ist ein Spiegel.
Es gibt zwei ewige Richtungen: herein und hinaus.

Agnes Martin, 1991
Kunstmuseum Winterthur, 1991
Gesamtherstellung: Dr. Cantz'sche Druckerei, Ostfildern-Ruit
Buchhandelausgabe, Edition Cantz
ISBN 3-89 322-375-4

Wissenswertes: Entwicklung der Tafelmalerei zum autonomen Bild

2011-11-26T10:52:00.007+01:00

Während ein Bild heute als individuelles, ästhetisches, in idealisierter Weise im Museum hängendes Einzelstück gesehn wird, welches lediglich als künstlerischer Ausdruck des Künstlers für sich selbst steht, wurde der Malerei im frühen Mittelalter eine völlig andere Funktion zu Teil, die in keinster Weise mit unserer heutigen Auffassung von "Kunstwerk" einhergeht. Erste Tafelmalereien dienten u.a. der Ausschmückung von Altären in Kirchen. Dabei sollten Malereien biblische Szenen erzählen, den lehrenden Inhalt vermitteln und der mittelalterlichen, überwiegend analphabetischen Bevölkerung die transzendente Welt anschaubar machen. In diesem Sinne war der Informationswert des Bildes auschlaggebender, als der ästhetische Gehalt. Im Laufe des 15.Jahrhunderts begann sich das Tafelbild jedoch aus dem Rahmen des Kirchenaltas zu lösen und fand als autonomes Bild immer mehr Zuspruch durch Privatpersonen des Großbürgertums, die sich nach und nach private Andachtsbilder anfertigen liesen, welche meist kleinformatig waren, sodass sie im Falle einer Reise auch transportiert werden konnten. Solche Adorationsbilder bezogen neben Heiligen, denen das Bild gewidmet war, auch den Auftraggeber mit ein. Als Folge dessen entwickelte sich später auch die Portraitmalerei. Diese Darstellung des Auftraggebers im Bild ist jedoch nicht zu verwechseln mit dem frühmittelalterlichen Stifertbild, bei welchem der Stifter verhältnismäßig nur sehr klein neben bedeutungstragenden Heiligen dargestellt wurde. Die direkte Anwesendheit privater Personen gilt im 15.Jahrhundert als signifikante Neuerung in der Malerei. Handwerkliche Perfektion in der Ausarbeitung spielte dabei auch eine große Rolle, sodass die Kunstfertigkeit des einzelnen Malers mehr und mehr gefordert wurde. Während frühe Tafelbilder eher flächig gemalt waren, spielte nun auch die Raumtiefe eine entscheidene Rolle. Außerdem war der materielle Wert der Bilder ausschlaggebend für deren Beurteilung als "gute" Kunst. Je präziser die Ausarbeitung, je größer das Format (je größer der Arbeitsaufwand) und je teurer die Malutensilien, desto "besser" wurde ein Werk zu damaliger Zeit eingestuft. Das aus äthiopischem Lapislazuli gewonnene Ultramarinblau galt dabei als wohl teuerste Farbe. Ab der Neuzeit des 16.Jahrhunderts begann man dann Werke weniger nach ihrem Materialwert und mehr nach ihrer tatsächlichen Naturnähe zu beurteilen. Im Rahmen dessen wird die Person des Künstlers in der Kunstgeschichte immer wichtiger. Als, ebenfalls mit der Wende vom 15. zum 16.Jahrhundert, die humanistische Bildungsbewegung einsetzte, kam es zur entgültigen Umwertung der Kunstfunktion des Bildes, weg vom rein religiösen Auftrag. Viele Werke wurden nun speziell an gebildete Kenner adressiert (wobei es meist keinen speziellen Auftraggeber mehr gibt, sondern ein Bild rein aus der Intuition eines Künstlers entsteht), welche bereits über den Hintergrund des Bildinhalts wussten und nicht wie im Mittelalter erst durch eine Malerei belehrt wurden. Außerdem kam es des öfteren zur Einbindung von Epigrammen in der Kunst, sodass durch einen kurzen Vers das Bild durch den Künstler kommentiert wurde. Die künstlerischen Aspekte spielen in der Entstehung eines Gemäldes eine immer wichtiger werdene Rolle, da von einer Malerei nun auch verlangt wird, dass sie einen individuellen Ausdruck bzw. ein Gefühl vermittelt. Weil Kunst von nun an hauptsächlich von Kennern gekauft wurde, war so der Grundstein zum späteren Sammlerkult und musealer Präsentation gelegt, was sich allerdings erst im 18.Jahrhundert entgültig entwickelte. Das Bild als Kunstwerk ist seitdem völlig autonom vom individuellen Künstler geschaffen, ohne vorbestimmten Verwendungszweck. Kunstliebhaber begannen verstärkt Bilder zu erwerben, sodass sich rasch ganze Sammlungen anhäuften, welche nach und nach der Öffentlichkeit zugänglich gemacht wurden. So entwickelte sich schließlich der Museumskult.

Wissenswertes: Wandmalerei - Secco und Fresko

2011-11-24T18:13:00.010+01:00

Die Wandmalerei lässt sich in zwei Techniken unterteilen. Zum einen in die überwiegend in der Zeit vor 1300 gebrauchte Secco-Technik, zum anderen in die durch Giotto aufgekommene Fresco-Technik. Wie der Name ("secco" ital. = trocken) schon sagt, wird bei der Secco-Variante die Farbe auf einen bereits getrockneten Untergrund aufgetragen. Da sich so Farbpartikel und Grund nur wenig verbinden, hat eine Seccomalerei nur wenig Dauerhaftigkeit. Ab dem 14.Jahrhundert nutzt man häufig eine Secco-Fresco-Mischtechnik, bei welcher zunächst eine Vorzeichnung auf der nassen Wand angefertigt wird und auch die einfachen Grundflächen, meist Inkarnat oder Rottönen, auf feuchtem Grund gemalt werden. Die Binnenmodellierung, also die Hell-Dunkel-Abstufungen und auch die restliche Ausarbeitung erfolgen jedoch erst auf trockener Wand in Secco-Technik. Erst durch Giotto verbreitet sich eine einheitliche Fresco-Technik, bei welcher zunächst auf den Arriccio genannten Rauputz eine sog. Sinopie (Skizze) aufgetragen wird, welche bei der schließlichen Ausmalung jedoch durch eine zweite Feinputzschicht (Intonaco) überdeckt wird. Bei der Fresco-Technik werden nur kleine Abschnitte der Wand verputzt, da man komplett auf nassem Untergrund malen muss und dieser natürlich rasch trocknet. D.h. man verputzt immer nur so viel, wie ein Maler an einem Tag bemalen kann (Tagwerk). Da die Farben mit Kalkmilch angerührt sind, verbinden sie sich beim Trocknen mit dem feuchten Putz und werden somit fester Bestandteil der Wand. Die einzige Ausnahme bilden Blautöne, denn sie werden nicht als Kalkfarben verwendet, sodass sie zwangsläufig in Secco-Technik aufgetragen werden müssen, was sich rückschließend auf die Beständigkeit auswirkt. Blaue Farbflächen sind so meist die am schlechtesten erhaltenen Bereiche eines Freskos. Im Laufe des 15.Jahrhunderts wird es üblich, keine freihand Skizzen mehr auf den Wänden anzufertigen, sondern ausgeschnittene Kartonvorlagen zu nutzen und lediglich deren Umrisslinien an der Wand nachzuzeichnen. Auf diese Wiese können auch die Schüler großer Malermeister an der Wandmalerei mitwirken. Gegen Ende des Jahrhunderts kommt es deshalb, vorallem durch Leonardo DaVinci, zur Ablehnung der Freskomalerei. DaVinci versucht sich zwar auch an der Wandmalerei, was u.a. sein berühmtest "Abendmahl" (Bild unten) beweist, nutzt jedoch seine gewöhnlichen Tempera- oder Ölfarben, was die Arbeiten natürlich kaum beständig macht und so u.a. den schlechten Zustand des "Abendmahl(s)" erklärt.

Bild: http://geschichteinchronologie.ch/

"Der Geteilte Himmel" in der Neuen Nationalgalerie

2011-11-20T17:20:00.006+01:00

Seit dem 11.11.11 zeigt die Neue Nationalgalerie Berlin den zweiten Teil ihrer Präsentation zur Kunst des 20.Jahrhunderts. Während zuvor mit dem Titel "Moderne Zeiten" (hier Artikel lesen) Arbeiten aus der ersten Jahrhunderthälfte von 1900 - 1945 gezeigt wurden, präsentiert das Museum nun Kunst aus den Jahren 1945 bis 1968. Der Titel der nun bis Anfang 2013 laufenden Dauerausstellung lautet "Der Geteilte Himmel" und spielt auf die kontrastreiche Nachkriegszeit an. Wirtschaftlich und politisch war die Zeit nach '45 sehr gegensätzlich. Zum einen sprach man vom deutschen Wirtschaftswunder, zum anderen forderte der Bau der Mauer viele Opfer. In politischer Hinsicht war jene Zeit maßgeblich durch den "Kalten Krieg" beeinflusst, was sich auch in der bildenden Kunst niederschlug. Kontrastreichste Beispiele bleiben jedoch die unterschiedlichen Kunstrichtungen des geteilten Deutschlands. Während sich im Westen die völlige Abstraktion etablierte, wurde in der DDR der sog. Sozialistische Realismus (hier Artikel lesen) vorgeschrieben, welcher stark an der Figuration festhielt.

Künstler wie Franz Radziwill ("Flandern"), Wilhelm Lachnit ("Gliederpuppe"), Heinrich Ehmsen ("Frauen in Not") oder Horst Strempel ("Atelierecke") begrüßen die Besucher mit ihren neoexpressionistisch unruhigen Gemälden. Zu einem meiner Lieblingsbilder wurde sofort Heinz Trökes "Tierlandschaft" aus dem Jahre 1946. Wie oben bereits erwähnt wurde der Kunstbegriff in der DDR vorgeschrieben (sozialistischer Realismus). Doch viele Künstler wollten lieber abstrakten Tendenzen folgen. So kam es, dass man rasch Pablo Picasso als Vorbild her nahm, da er zwar abstrahierte, aber dennoch gegenständlich blieb. Picassos "femme couchée au bouguet - liegende Frau mit Blumenstrauß" wurde deshalb mit in die Ausstellung aufgenommen. Ein Herzstück bildet außerdem auch Harald Metzkes "Austransport der sechsarmigen Göttin", welches allegorisch für den Protest gegen das Vernichten althergebrachter Kulturgüter durch das Regime stand. Direkt daneben Werner Tübkes "Lebenserinnerung des Dr. jur. Schulze III" - ein großformatiges Werk, durch welches der Künstler allmählich begann den realistischen Weg zu verlassen. Willi Sittes Bild "Amputierter Mann am Strand" ist in meinen Augen ein gelungenes und zu gleich melancholisches Beispiel zur Stimmung nach dem 2.Weltkrieg. Es zeigt einen nackten, auf Krücken gestützten, einbeinigen Mann in Rückenansicht (Identifikationsbrücke!). Vor ihm Strand, Meer und schemenhaft angedeutete Menschen, welche wohl den Tag am Strand genießen. Ein weiteres wichtiges Werk bildet die übergroße Bronze-Plastik von Fritz Cremer "O Deutschland, bleiche Mutter", sie zeigt eine sitzende Frau, welche eine Hand auf dem Schoß, die andere von sich weg in Richtung Boden hält. Im Original ist die Figur vor dem ehemaligen KZ Mauthausen bei Linz in Österreich platziert. Der Titel der Skulptur nimmt Bezug auf Bertolt Brechts Gedicht "Deutschland" (anhören: ).
Zwar wurde der Mensch nach der Nazizeit kritisch gesehen, dennoch rückte er ins Zentrum der bildenden Kunst - besonders die Person des Künstlers. Kunstschaffende wandelten ihren eigenen Körper in Kunstmaterialien um und legten somit den Grundstein für die spätere "Performance". Von der nun eher gegenständlichen Kunst fort, bietet die Neue Nationalgalerie auch Einblick in die abstrahierte Kunst, beispielsweise jener der Künstlergruppe ZERO und im Hinblick auf die Op-Art. In diesem Zusammenhang präsentiert das Museum auch Yves Kleins ultramarinblaues "IKB 49". Einen eher entspannenden Beitrag leistete Otto Piene mit seiner Lichtraum-Installation von 1981 - 1999. In einem abgedunkeltem Raum lassen Lichtspiele die Besucher zur Ruhe kommen. Im folgenden Video seht ihr einen 35-sekündigen Ausschnitt:

Ebenfalls stark abstrahiert, formal reduziert auch die größtenteils raumkonzeptualistischen Beiträge aus der New Yorker Minimal Art. Schlüsselwerk hier Al Helds "Großes A" aus dem Jahre 1962. Im nächsten Raum waren unter dem Oberbegriff "Black Paintings" einige "schwarze" Gemälde nebeneinander gehängt. Darunter Pierre Soulages "Schwarz, braun und grau", Lee Bontecou oder Roberto Matta mit "Mal de Terre". Weitere abstrahierte Werke waren z.B. Willi Baumeisters "Aru 5" von 1955 oder das epochale Schlüsselwerk und zugleich Highlight der Ausstellung "la nuvola rossa - die rote Wolke" von Renato Guttuso (Bild unten).

In Hinblick auf die Entwicklung der Kunst nach 1945 in Amerika waren u.a. Pop-Art Werke von Ronald Kitaj, Sigmar Polke ("Dublin"), Roy Lichtenstein ("femme dans un fauteuil - Frau in einem Sessel") oder Andy Warhol ("Großer Elektrischer Stuhl" und "Double Elvis") vertreten. Große Aufmerksamkeit meinerseits erhielt Errós "Geburt Hitlers" aus dem Jahre 1966 - ein wahrlich groteskes, ja sogar schon ekelhaftes Bild, wenn mir diese subjektive Bemerkung erlaubt ist. Die Ausstellung "Der geteilte Himmel" ist nun bis ca. Ende März 2013 in der Neuen Nationalgalerie in der Nähe von Kulturforum und Potsdamer Platz in Berlin zu sehen und einen Besuch wert, da sie die kunstbegrifflichen Gegensätze in der Nachkriegszeit darlegt. Zum einen wird figürliches neben abstraktes gesetzt, zum anderen werden sich deutsche Kunst und Kunst aus Übersee entgegen gesetzt.

"Gute Aussichten - Junge deutsche Fotografie" und Berliner Photographie 1921 im Museum für Fotografie

2011-11-19T15:54:00.014+01:00

"Gute Aussichten" ist eine von Josefine Raab gegründete Initiative zur Förderung junger, meist weitgehend unbekannter Fotografen. Die Auswahl der Nachwuchskünstler erfolgt über einen Wettbewerb. Insofern ist dieses Projekt vergleichbar mit "Talents" vom C/O Berlin. Seit dem 10.November 2011 zeigt das Berliner Museum für Photographie die "Gute Aussichten"-Ausstellung. Bis zum 29.Januar 2012 wird ebendiese hier in der deutschen Hauptstadt erste Station machen. Anschließend wird die Ausstellung nach momentanen Stand auch am Goethe-Institut Washington (02.02. - 29.04.12), im Fotoforum West in Innsbruck (17.02. - 17.03.12), im Haus der Photographie Hamburg (27.04 - 03.06.12), im La Chambre Strassburg (5 Tage Ende September / Anfang Oktober), im Museum für Angewandte Kunst Köln (18.08. - 14.10.12) und auf der Frankfurter Buchmesse (10. - 14.10.12.) zu sehen sein.

Betritt man den Ausstellungsraum im 2.OG des Museums für Photographie, befinden sich zur rechten Seite die Arbeiten zu "Gute Aussichten", zur linken Fotografien aus der fotografischen Sammlung der Kunstbibliothek, welche unter dem Titel "Berliner Photografie 1921" zusammengefasst sind. Erste Künstlerin von "Gute Aussichten" ist Julia Unkel mit ihrer Fotoreihe "Im Angesicht" (2011). Die Arbeiten zeigen ungeschminkt Bilder aus Schlachtereien und Schlachthöfen. Ob ein abgetrennter Rinderkopf, Schlacht- und Schneidewerkzeug, Hacken, oder mit Blut beschmierte Schürzen. Mit den Fotografien will Julia Unkel auf das aufmerksam machen, von dem viele nichts wissen - oder wissen wollen. Einen äußerst faszinierenden Beitrag liefert Sebastian Lang mit der Serie "Behaviour Scan" aus dem Jahre 2010. Zu sehen sind hier grotesk wirkende Einfamilienhäuser bei Nacht, die Vorhänge zugezogen, die Rollos herunter gelassen und nichts was irgendwie auf die Anwesenheit eines Lebewesens hinweist. Nüchterne Beleuchtung unterstreicht die Atmosphäre. Alles in Allem wirken die Fotografien wie aus Überwachungskameras. Eine Anspielung beispielsweise auf die hitzigen Debatten über Google-Street-View? Ein etwas älteres, aber trotzdem nicht vergessenes Thema bearbeitete Luise Schröder. Ihre Inkjet-Drucke behandeln die Bombadierung Dresdens am 13.02.1945. Miriam Schwedts titellose Reihe zeigt vier Photographien von steppenähnlichen oder gerodeten Landschaften, drei Nachtphotographien mit faszinierend abstrakt wirkenden Lichtschlieren, drei idyllische Waldlandschaften, zwei Aufnahmen von einem Meer und vier originelle, kleinformatige Bilder, die einen Menschen unter Wasser zeigen. Eher abstrakte Bilder zeigt die Fotografin Franziska Zacharias in der Serie "Le noir familier". Neben schwarzen Flächen, sind bunte gesetzt. In jedem Bild eine andere Farbe. Für mich sind es Räume. Sara-Lena Maierhofer beschäftigte sich mit dem Fall des Christian G., welcher in den USA unter verschiedenen Namen, mit verschiedenen Identitäten (z.B. Clark Rockefeller) unzählige Leute hintergangen und betrogen hat. Neben Fotografien sind auch Briefe und andere Dokumente, wie beispielsweise ein Schulzeugnis, zu sehen. Des Weiteren präsentiert der Künstler Johannes Post seine "Inform"-Reihe. Viele eher kleinformatige Inkjet-Drucke bilden zusammen gesetzt ein großes Kunstwerk, welches wie eine witzige Bastelanleitung verschiedene Schritte zu einer Tasche und von einer Tasche zu einem Schuh zeigt.

Die zweite Ausstellung im 2.OG behandelt die Berliner Photographie um 1921. In jenem Jahr wurde u.a. das Manifest "was wir wollen" veröffentlicht, welches eine Autonomie der Fotografie als eigenständige Kunstform fordert, und auch die erste Photo-Ausstellung wurde im Oktober 1921 gezeigt. Die momentane Ausstellung im Museum für Fotografie soll dabei als eine Art Rekonstruktion der damaligen Ausstellung fungieren und ausgewählte Arbeiten zeigen. Hierbei sind die verschiedensten Techniken vertreten: Silbergelatinepapier, Gummidruck, Öl-Umdruck, Pigmentdruck, Platindruck oder Bromöldruck. Ausgestellt sind z.B. Landschafts- oder Stadtfotografien von Lisi Jessen ("Straße in Celle"), Hugo Pielmann ("Spreewald im Winter"), Hermann Ebel ("an der Nikolaikirche in Rostock"), M. Curt Schmidt ("Aus der Mark", "Wintertag", "Jungfernbrücke Alt-Berlin"). Aber auch die Atelier- und Porträtfotografie ist vertreten. Inoffizieller Mittelpunkt ist dabei Karl Schenkers "Alfred Abel als Voltaire". Doch auch Bilder von Frieda Riss ("Maria Warhuus" (Ballerina)), Nicola Perscheid ("Max Liebermann" Bild oben) oder Alexander Binder "Tänzerin Lucie Fieselhausen" sind ausgestellt - um nur einige zu nennen. Sehr hübsch auch die Aktfotografie von Erna Lendrai-Dircksen. Nahezu alle Bilder weisen dabei die typische Weichzeichnung auf, was ihnen, in meinen Augen, eine wundervolle, wunderschöne Eigenart gibt.

2. Todestag der Jeanne-Claude

2011-11-18T00:05:00.006+01:00

Heute möchte ich anlässlich des zweiten Todestages der Verhüllungskünstlerin Jeanne-Claude eine kleine Hommage posten. Jeanne-Claude (*13.Juni 1935 Casablanca) wurde berühmt durch verschiedene Projekte in der Land-Art. Gemeinsam mit ihrem bulgarischen Ehemann Christo, den sie 1962 heiratete, verhüllte sie unzählige Gebäude, Brücken, Bäume, Zäune, ja sogar ganze Inseln, um riesige Kunstwerke inmitten der Natur zu erschaffen. Die wohl berühmteste Aktion (zumindest hier in Deutschland), war wohl die Verhüllung des Reichstags in Berlin 1995 (es brauchte 24 Jahre bis das Paar die Genehmigung dafür erhielt). Ziel der Projekte war und ist (Christo arbeitet auch jetzt nach dem Tod seiner Frau an den Projekten weiter) das Objekt zu "vereinfachen" und sozusagen auf seine Form zu reduzieren, zu abstrahieren. Über den Tod der Künstlerin mit den feuerroten Haaren am 18.November 2009 war nicht nur ihr Mann Christo, sondern die ganze Kunstwelt erschüttert. Dass die Frau aber jemals in Vergessenheit gerraten wird ist wohl ausgeschlossen. Was ich übrigens auch total süß finde ist, dass das Paar immer angegeben hat, sie wären beide am selben Tag und zur selben Zeit geboren worden - das solle verdeutlichen, dass die zwei für einander bestimmt waren.
Besonders schön finde ich persönlich auch das Projekt aus dem Jahre 1983, als Christo und Jeanne-Claude elf kleine Inseln in der Nähe von Miami mit rosa Plastikhüllen bedeckten. Die Idee ist nicht nur witzig, sondern sieht auch super schön aus! Zwei kurze Wochen war das Werk in der Natur zu bewundern - 30 Monate (!) hingegen dauerten die Vorbereitungen...

Foto: wz-newsline.de

Bildbeschreibung: Caravaggio - Amor als Sieger

2011-11-17T21:15:00.011+01:00

Das 156 x 113 cm große Ölgemälde "Amor als Sieger" von Michelangelo Merisi da Caravaggio entstand in den Jahren 1601/1602 und befindet sich im Besitz der Berliner Gemäldegalerie, welche es 1815 aus der Sammlung Giustiniani erworben hatte. Es zeigt einen geflügelten, nackten Jungen im Vordergrund, in unbequemer Pose auf einem mit einem weißen Tuch umhüllten Sitzobjekt sitzend. Ein Bein ist angewinkelt aufgelegt, das andere reicht zum Boden. In seiner rechten Hand hält der Knabe Bogenpfeile, der Kopf ist nach links gelegt. Mit einem selbstsicheren, spöttischen Grinsen blickt die Figur zum Betrachter. Am Boden liegen achtlos Objekte wie eine Laute, eine Geige, Notenblätter, ein Richtscheit, eine Ritterrüstung und ein Lorbeerzweig verstreut. Neben dem angewinkelten Bein des Jungen befinden sich außerdem ein Schwert und eine Krone. Im Hintergrund erstreckt sich eine rein braune Fläche, die den Bildraum nach hinten abschließt. Der in der linken Ecke liegende Geigenbogen fungiert als Anhebungsmotiv, welches nach rechts ins Bild verweist. Das Werk weist eine sehr harmonische Komposition auf, da statische Vertikalen und Horizontalen (beispielsweise der Körper des Knaben) durch dynamische Diagonalen (z.B. Geigenbogen) oder Bogenformen (z.B. Flügel) aufgehoben werden. Würde man die Diagonale des Geigenbogens weiterführen, so ergibt sich eine durch das Bild verlaufende Diagonale, welche durch den Jungen unterbrochen wird und später durch das Schwert wieder aufgenommen wird. Beide Objekte (Geigenbogen und Schwert) weisen gleichzeitig auf das Geschlecht der Figur. Das Standbein des Protagonisten kann außerdem als Symmetrieachse gedacht werden, welche das Bild in eine rechte und eine linke Hälfte unterteilt. Geigenbogen und Pfeile in der Hand des Knaben bilden eine Dreiecksbegrenzung. Der Bildraum weist kaum Tiefenwirkung auf, da der Raum unmittelbar hinter der Szene durch eine dunkle Wand abgeschlossen wird. Räumlichkeit lässt sich beispielsweise an Überschneidungen unter den Bildelementen festmachen. Durch präzise Hell-Dunkel-Modellierung und Schattierung erhält das Bild des Weiteren Plastizität. Bei den Lichtverhältnissen handelt es sich um kulissenhaftes, gestelltes Licht, wobei sich die Lichtquelle links außerhalb des Gemäldes befinden muss. Caravaggios Werk trägt den Namen "Amor als Sieger", was darauf hinweist, den dargestellten Jungen als Liebesgott "Amor" zu identifizieren, was jedoch auch anhand der Attribute möglich gewesen wäre (Knabengestalt, Pfeile, Flügel). Interessant ist auch der lateinische Name des Gemäldes: "Amor vincit omnia" - "Amor besiegt alles". Mit "alles" ist alles irdische gemeint - also Wissenschaft, Kunst, Herrschaft, kurz alles, wonach der Mensch strebt. Verdeutlicht wird dies durch die achtlos am Boden liegenden Gegenstände. Diese Tatsache erklärt außerdem auch, weshalb der Junge frech und spöttisch blickt. Übersetzt man den lateinischen Titel unabhänging vom Eigennamen "Amor", so ergibt sich "Liebe besiegt alles". Mit dieser Basis lässt sich das Bild als Allegorie deuten, da die Figur des Liebesgottes in diesem Fall für die überirdische Macht der Liebe steht, über die der Mensch keine Gewalt oder Kontrolle hat. Der Liebe muss sich Jeder unterordnen. Also verdeutlicht Caravaggio auch die Beschränktheit der menschlichen Existenz und nimmt damit Bezug auf Barcas Welttheater-Idee und die Vantias-Motive, was auch die Aussage unterstützt, das Werk in die Zeit des Barock einzuordnen. In jener Zeit war nicht nur eine präzise, realistische Darstellung, sondern auch der Mensch als zentrale Figur typisch - in diesem Fall eine Figur aus der antiken Sagenwelt. Außerdem weist "Amor als Sieger" auch epochal typische Lichtverhältnisse auf. Während einige Stellen enorm hell glänzen, verschwinden andere in dunklen Schattenzonen. Da das Gemälde alles in allem auch sehr theatralisch inszenierte wirkt, besonders im Bezug auf das Licht, lässt sich Caravaggios Werk auch differenzierter in den sensualistisch-naturalistischen Barock einordnen.

Claude Monet

2011-11-14T00:06:00.000+01:00

Der französische Maler Claude Monet wurde am 14.November 1840 in Paris geboren und ist heute der wohl bedeutenste Vertreter des Impressionismus. Im Jahre 1859 beginnt Monet sein Studium der Malerei an der Acedémie Suisse in Paris, wo er zunächst im traditionellen Stil zu malen beginnt, ehe er 1863 auf den Maler Edouard Manet trifft, welcher eine wegbereitende Rolle für die impressionistische Malerei einnimmt und beginnt mit eben diesem in freier Natur zu malen. 1872 ensteht Monets Schlüsselwerk "Impression Sonnenaufgang", durch welches der Impressionismus auch seinen Namen bekam. 1883 siedelte der Künstler nach Giverny, wo er bis zu seinem Tod lebte und arbeitete. 1890 erwirbt er das zuvor nur gemietete Haus dann käuflich. In Giverny ist noch heute Monet berühmter Garten zu besuchen, in welchem der Künstler allerhand exotische Pflanzen züchtete und seine weltbekannten Seerosen-Bilder anfertigte. Zeitlebens reiste der Maler auch sehr viel. Unter anderem zur Riviera oder Côte d'Azur, nach England, Spanien, Italien oder Norwegen. Ab 1908 litt Monet zunehmend an einer Augenerkrankung, welche ihn immer stärker am Malen hinderte, sodass er sie 1923 operieren lies. Zwar konnte Monet wieder malen, aber dennoch wurde er von Depressionen geplagt und zerstörte einige seiner späten Arbeiten. Am 06.Dezember 1926 starb der Maler in seinem Haus in Giverny.

Paul Signac

2011-11-11T00:05:00.000+01:00

Der Postimpressionist und Pointillist Paul Signac wurde am 11.11.1863 in der französischen Hauptstadt Paris geboren und zählte zunächst Claude Monet zu seinen frühen Vorbildern. Signac besuchte nie eine Kunstakademie oder ähnliches, sondern malte zeitlebens autodidaktisch. Im Jahre 1884 lernte der Maler Georges Seurat kennen, welcher heute ebenfalls zu den wichtigsten Vertretern des Divisionismus zählt. Gemeinsam entwickelten sie ihren pointillistischen Stil. Vom Impressionismus unterscheidet sich dieser Stil insofern, dass er genauer strukturiert ist und die Farben nicht schon auf der Palette und auch nicht auf der Leinwand gemischt werden, sondern nur einzelne Farbflecke (meist Primärfarben) in kleinen Abständen punkt- oder kommaartig nebeneinander gesetzt werden und sich erst im Auge des Betrachters eine optische Farbmischung vollzieht. Auf diese Weise bleibt die volle Leuchtkraft eines Farbtons erhalten. 1904 reiste Signac nach Venedig und schuf zahlreise Skizzen, meist von Schiffen oder Hafenanlagen, die er zurück in Frankreich ausarbeitete. Im Jahre 1911 wurde Signac außerdem als "Ritter der Ehrenlegion" ausgezeichnet, ein französischer Verdienstorden, welcher dazu diente, außerordentliche Verdienste, Tugenden oder, wie in Signacs Fall, Talente zu ehren. Weitere ähnliche Auszeichnungen erhielt der Autodidakt 1926 und 1933. Ab dem Jahre 1905 wurde Signac als offizieller Marinemaler der französischen Marine anerkannt. Gestorben ist der Maler am 15. August 1935.

Ausstellung: Taryn Simon in der Neuen Nationalgalerie Berlin

2011-11-09T19:10:00.004+01:00

Die Fotografin Taryn Simon wurde 1975 in in New York geboren und stellt vom 22.September 2011 - 01.01.2012 unter dem Ausstellungstitel "A living man declared dead and other chapters" (deutsch: "Ein lebendiger Mann für tot erklärt und andere Kapitel") in der Neuen Nationalgalerie in Berlin aus. Untergliedert in 18 Kapitel liefert die Künstlerin Portraits von Familienangehörigen, welche an schockierenden Ereignissen oder Lebensgeschichten beteiligt sind oder waren. Das bedeutet, bestimmte Phänomene, kulturelle Eigenarten oder Traditionen werden an konkreten Beispielen erläutert. Für uns Industriestaatler scheinen manche Geschichten grotesk, ungewohnt und überholt. Bei manchen Ansichten ist man sogar überrascht, dass es sie heute noch gibt. Taryn Simon beleuchtet durch diese Ausstellung gesellschaftliche und politische Unterschiedlichkeiten in aller Welt. Hauptsächlich werden dabei Fragen zur und über die Menschlichkeit gestellt.

Wie schon im Titel enthalten, behandelt eines der Kapitel ein in Indien nicht seltenes Phänomen: da Ackerland und Grundstück noch heute eine der wichtigsten Einnahmequellen für viele Bewohner einiger Regionen Indiens ist und wegen ständig wachsender Bevölkerung und allgemeiner Landknappheit ein Wettbewerb um den Boden entbrannt ist, kommt es sehr häufig zur Toderklärung mancher durch Familienmitglieder, da somit das Erbe auf die jeweils nächste Person übertragen wird. Ein anderer Abschnitt beschäftigt sich z.B. mit Mitgliedern der Zionistischen Organisation in Palästina oder der Polygamie (Duldung mehrer Ehegatten /-gattinen) in Kenia, welche sogar schon in einem Gesetzesentwurf festgehalten wurde, da sie eine legitimierte Alternative zur Untreue, in Regionen mit hoher HIV-Infizierten-Dichte, sei. Interessant ist sicher auch Kapitel IV, welches sich mit dem Körperdouble Uday Husseis (Saddam Husseis Sohn) auseinandersetzt. Andere Themen, die behandelt werden, sind beispielsweise auch die Kaninchen-Plage in Australien sei dem 19.Jahrhundert, sowie die Vorgehensweisen dagegen (z.B. Testversuche mit bestimmten Bakterienkulturen), die Tötung bosnisch-muslimischer Männer und Jungen innerhalb der UNO-Schutzzone, durch bosnisch-serbische Soldaten im Jahre 1995, was sich überdies als größter Massenmord in Euorpa nach dem zweiten Welkrieg entpuppte, die Folgeschäden an Kindern, deren Mutter während der Schwangerschaft das angeblich ungefährliche Thalidomid einnahm, welches weltweit in den 50er/6oer Jahren bei über 10.000 Kinder zu Kindertod oder körperlichen Missbildungen führte und deshalb 1961 vom Markt genommen wurde, oder aber mit einer Flugzeugentführung durch die Volksfront zur Befreiung Palästinas in den 1970er Jahren. Spannend außerdem auch das Kapitel über Hans Frank, dem Rechtsberater Adolf Hitlers und Generalgouverneur im besetzten Polen, welcher Gesetze für das Dritte Reich entwarf und u.a. an der Deportation polnischer Staatsbürger zur Zwangsarbeit nach Deutschland, der Inhaftierung polnischer Akademiker oder der Zwangsumsiedlung und Ghettoisierung, beteiligt war. Weitere schockierende Einblicke erhalten die Ausstellungsbesucher durch eine Geschichte über eine seit 1913 bis heute andauernde Blutfehde zwischen zwei brasilianischen Familien. Persönlich interessierte mich auch das Kapitel über nepalesische Mädchen, welche als angebliche Reinkarnation einer Göttin von ihren Familien genommen werden und bis zum Eintreten der Menstruation in Tempeln verehrt werden, oder die Geschichte über die Menschenjagd nach Albinos in Tansania. Wegen ihres besonderen Aussehens werden den Albino-Menschen Heil- und Zauberkräfte zugeschrieben. Deshalb sind Organe, Haut, Haare oder andere Körperteile unter Abergläubischen und Heilern sehr begehrt. Das letzte Beispiel, welches ich ansprechen möchte ist das Kapitel über die ehemalige Inhaftierung, Folterung und Tötung Homosexueller unter General Francisco Franko zwischen 1939 und 1975 in Spanien. 1979 wurden die Gesetzte gegen Homosexualität zwar in Spanien abgeschafft, doch in über 70 Ländern wird jene Eigenart noch heute bestraft, in einigen Ländern sogar mit der Todesstrafe.
Die Ausstellung gibt also teils faszinierende, teils schockierende Einblicke in politische oder gesellschaftliche Eigenarten verschiedener Kulturen und Länder. Dabei unterscheiden sich die Ansichten stark von den Standarts in fortschrittlichen Indurstrieländern. Die Ausstellung macht die Besucher aufmerksam auf das Gräuel in weniger entwickelten Staaten und sensibilisiert natürlich auch. Die Ausstellung besteht aus Portraitfotografien involvierter Personen, Briefen oder anderen Dokumenten. Zu beachten ist, dass die Ausstellung ohne ausliegendes Textmaterial nicht/kaum verständlich ist! Man muss sich bei einem Besuch also darauf vorbereiten, viel zu lesen und sehr aufmerksam zu sein.

Kunstgeschichte: Bilderkult und Bildersturm

2011-11-07T12:03:00.002+01:00

Folgendes Thema war in der vergangenen Woche Thema in einem meiner Kurse. Da ich es sehr interessant fand, möchte ich euch auch einen kleinen Einblick in die Geschichte des Bilderkult und Bilderstrums geben. Denkt man an die mittelalterliche Kunst zurück, gibt es eine zentrale Bildgattung, die wohl jedem sofot in den Sinn kommt: die Ikone. Egal ob Heiligenbilder, Heiligenstatuen, Altartafeln oder Reliquien. Die mittelalterliche Bevölkerung verehrte nahezu alles, was in Kirchen zu finden war, oder irgendeinen religiösen Bezug hatte. Doch was heute kaum jemand weiß: Im alttestamentlichen Buch Exodus 20, 4 steht geschrieben: "Du sollst dir kein Gottesbild machen und keine Darstellung von irgendetwas am Himmel droben, auf der Erde unter oder im Wasser unter der Erde". Das bedeutet, dass in der christliche Religion eigentlich ein Bildverbot herrscht. Die frühen Christen und ersten Kirchenväter befolgten dieses Gebot auch strikt. Mit ebendieser bildlosen Einstellung wollte man das Christentum außerdem von der heidnischen Antike abesetzen, da man in der polytheistischen Antike Götterbilder anfertigte, die durch Gebete, Opferungen und Rituale verehrt wurden. Noch um 300 n.Chr. beschloß man im Konzil von Elvira, dass christliche Kirchen frei von Bildern sein sollen. Doch ebenfalls im 4.Jahrhundert n.Chr. begann bereits eine langsame Annäherung an den Bilderkult, da sich unter Kaiser Konstantin I. die Religion und das Kaisertum zunhemend verbanden. Man erkannte, dass ein monotheistischer Glaube mit dem Gedanken eines einzigen zentralen Kaisers einher ging. So setzte man den einen Kaiser mit dem einen Gott im Himmel gleich und in einem Bild konnte man schließlich beide verehren. Der Grundstein für die Sakralkunst war gelegt. In der westlichen Kirche verbreitete sich der Reliquienkult. Selbst kleine Reliquienteile wurden verehrt und in bestimmten Reliquaren aufbewahrt, welche schließlich selber Reliquiencharakter erhielten. Ein Bilderkult wurde so unausweichlich. Doch natürlich gab es auch Anhänger der ursprünglichen Haltung gegenüber dem Heiligenbild. Im 8./9. Jahrhundert entbrannte so der erste Bildersturm, der unter dem Namen "byzantinischer Bilderstreit" in die Geschichte einging. Die beiden Fronten wurde als Ikonodule (Bildbefürworter) und Ikonoklasten (Bildkritiker) bezeichnet. Doch dies ist nicht der einzige Streit zu jener Debatte. Zu ikonoklastischen Taten, also Zerstörung oder Verunstaltung von Heiligenbildern, kam es in der Geschichte des öfteren. Besonders bekannt wurde auch der Ikonoklasmus der Calvinisten (Mitte 16.Jahrhundert) in Frankreich oder den Niederlande, der der böhmischen Hussisten (15.Jhd.), oder die Aktionen der Wiedertäufer. Im 12.Jahrhundert rief auch der Abt Bernhard von Clairvaux gegen den Bild- und Reliquienkult auf, da er die Meinung vertrat, dass es sich bei Ikonen um Täuschungen handelt, welche dazu dienen, die Bevölkerung einzuschüchtern und freizügiger, im Bezug auf Spenden in der Kirche, zu machen. Nichts desto trotz schien der Bilderkult und die Bildverehrung ungeahnte Ausmaße zu erreichen. Heute ist das Heiligenbild fester Bestandteil der christlichen Kirchengestaltung, auch wenn die Gestaltung von Kirchen nach dem zweiten Weltkrieg mit der Neuen Ästhetik zurück ging und obwohl das alttestamentliche Gebot nach wie vor unverfälscht in der Bibel (Ex 20, 4) zu lesen ist.

Berlin: Impressionen Alte Nationalgalerie & Kunstmarkt an der Museumsinsel

2011-11-06T15:40:00.009+01:00

An diesem wundervollen Sonntag, suchte ich die Berliner Stadtmitte auf, um den Kunst- und Nostalgiemarkt am Zeughaus / Kupfergraben und direkt bei der Museumsinsel an der Spree, zu besuchen. Ein kurzer Abstecher in die Alte Nationalgalerie, um den realistischen Werken Adolph Menzels und Gustave Courbets noch einen Besuch abzustatten, inbegriffen. Hier könnt ihr einen älteren, allgemeinen Artikel über die Alte Nationalgalerie nachlesen. Und an dieser Stelle weiter unten ein paar Fotos aus den umwerfend schönen, ja beinahe schon gemütlichen Räumlichkeiten des Museums (Bilder unten). Anschließend besuchte ich den Kunst- und Nostalgiemarkt am gegenüberliegenden Ufer der Spree. Der Markt findet jeden Samstag und Sonntag von 1o:oo - 17:oo Uhr statt. Während am Zeughaus hauptsächlich Künstler, Kunsthandwerker oder Schmuckhändler anzutreffen sind, ist der zweite Teil des Trödels, gegenüber vom Bode-Museum, überwiegend mit unzähligen antiquarischen Bücher-Ständen gespickt. Eine perfekte Anlaufstelle für Roman- und Lyrikfreunde, aber auf für Geschichtsinteressierte und besonders für jene, die Lesestoff über das historische Berlin suchen. Kunstfreunden wird u.a. gehäuft mit den unterschiedlichsten Ausstellungskatalogen aus allen möglichen Museen oder Institutionen, nicht nur innerhalb Deutschlands, gedient. Fans der bildenden Kunst sollten unbedingt den Teil am Zeughaus besuchen, denn dort präsentieren viele zeitgenössische Künstler ihre wirklich sehenswerten Arbeiten. Meine besondere Aufmerksamkeit erhielten Klaus von Gratkowski mit seiner witzigen Muhku-Idee, der Grafiker Uwe Golk und die farbenfrohen Stadtlandschaften von Armin Birkel.

Bildbeschreibung: Franz Marc - Der Turm der blauen Pferde

2011-11-05T14:46:00.006+01:00

"Der Turm der blauen Pferde" aus dem Jahre 1913 ist eines von Franz Marcs größten und wichtigsten Kunstwerken. Allerdings ist das 200 x 113 cm große Ölgemälde seit dem zweiten Weltkrieg verschollen. Eine Reproduktion ist/war in der Neuen Nationalgalerie Berlin zu sehen.

Thematisches Zentrum des Bildes bilden vier übereinander gestaffelte blaue Pferde vor einem bunten Hintergrund. Die Tiere befinden sich hauptsächlich in der rechten Bildhälfte und wenden ihre Köpfe von sich aus nach rechts, in Richtung Bildmitte. Allerdings scheinen sie sich von links nach rechts aus dem Bild hinaus zu bewegen. Den Betrachter, der aus einer leichten Froschperspektive direkt mit den beinahe lebensgroßen Tieren konfrontiert wird, nehmen die Pferde nicht wahr. Das vorderste Tier scheint eine gesonderte Rolle einzunehmen, da es sich in einer anderen Bildebene, dem Vordergrund, befindet, als diejenigem hinter ihm, die eine eigene Gruppe in der zweiten Ebene bilden. Die dritte Bildebene, die Hintergrundebene, ist eine gelbe Fläche mit einem schemenhaft angedeuteten Regenbogen, welcher die Bildszene nach links oben hin abschließt. Auf dem Körper des vorderen Pferdes sind außerdem eine Mondsichel und Sterne angedeutet. Bei der Komposition der Linien handelt es sich eher um eine dynamische Anordnung, da viele Diagonalen und bogenförmige Linien vorhanden sind. Das Bild ist flächig gehalten. Dennoch entsteht durch die Überscheidung der Ebenen, der Tiere, eine gewisse Tiefenwirkung. Die Farbperspektive dreht Marc in diesem Bild jedoch um: warme Farbtöne, wie orange, rot und gelb, befinden sich im Hintergrund, während kühle Farben, wie das Blau der Pferde, im Vordergrund verwendet werden. Eine eher abstrakte Lichtquelle ist links oben, außerhalb des Bildes, zu erahnen, da auf den Köpfen der hinteren Pferde ein scheinbarer Lichtreflex in orange angedeutet ist. Gleichzeitig bildet diese Gegebenheit einen Komplementärkontrast, da sich blau und orange im Farbkreis gegenüber liegen. Ein weiterer Komplementärkontrast findet sich in der linken unteren Bildecke, zwischen den roten und grünen Farbflächen. Außerdem wird das Bild von einem Farbe-an-sich-Kontrast dominiert. Ein Hell-Dunkel-Kontrast lässt sich besonders gut innerhalb der Konturen der Pferde verzeichnen, da hier sehr dunkle Blau- , neben helle Weiß- und Gelbtöne gesetzt werden. Bezieht man Franz Marcs persönliche Farbsymbolik mit ein, steht die Farbe Blau für das männliche und geistige Prinzip. Auch das Motiv des Pferdes kommt in Marcs Gesamtwerk häufig vor. Das Tier galt für den Künstler als dem Menschen überlegen. Da die Leinwand ein unheimliches großes Format (200 x 113 cm) aufweist, unterstreicht sie mit ihrer Größe und somit auch der Größe der gemalten Pferdeleiber, die Überhöhung des Tieres über den Menschen, welcher klein vor den mächtig aufgetürmten Pferden steht und womöglich von ihnen niedergetrampelt wird, wenn sich die Tiere aus dem Bildraum bewegen würden. Die schemenhaft angedeutete Mondsichel und die durch x-Form dargestellten Sterne könnten als ein Hinweis auf den Kosmos gesehen werden. So verbindet Marc in seinem Gemälde "Der Turm der blauen Pferde", die idealen, überhöhten Lebewesen mit dem alles beinhaltenden Kosmos. Eine Vereinigung, in welcher der Mensch keine Rolle zu spielen scheint.

Berlin: Gemäldegalerie am Kulturforum

2011-11-03T16:16:00.009+01:00

Seit den 1960er Jahren etablierte sich nach und nach das sog. Kulturforum in Berlin, direkt am Potsdamer Platz. Neben der Museumsinsel (u.a. Alte Nationalgalerie, Bode-Museum etc.) entstand so noch ein weiteres kulturelles und künstlerisches Zentrum in der deutschen Hauptstadt. Neben dem Kupferstichkabinett, dem Kunstgewerbemuseum oder der Kunstbibliothek bietet auch die 1998 gegründete Gemäldegalerie Kurzweil für alle Kunstfreunde. Die Exponate dokumentieren hier die Entwicklung der europäischen Kunst von der mittelalterlichen Tafelmalerei ab dem 13.Jahrhundert, bis hin zum Klassizismus am Ende des 18.Jahrhunderts / Anfang 19.Jahrhundert. Die Hängung ordnet die Werke in der Gemäldegalerie nach regionaler Herkunft der Künstler und nimmt dabei Bezug auf die Deutsche Malerei des 13. bis 16.Jahrhunderts, mit dem nürnberger Maler Albrecht Dürer oder dem Kronacher Lucas Cranach, die Italienische Malerei vom 13. - 15.Jahrhundert, mit Giotto oder Botticelli, die Niederländische Malerei des 14. bis 16.Jahrhunderts, welche durch Jan van Eyck oder Rogier van der Weyden (Altartafeln) repräsentiert wird, die Italienische Malerei des 16.Jahrhunderts, mit Raffael, Tizian ("Selbstportrait") oder Correggio, die Flämische Malerei im Barock mit Peter Paul Rubens, die barocke Holländische Malerei mit Jan Vermeer oder 16 Gemälden von Rembrandt, die Englische (beeindruckende Sammlung, wie in kaum einem anderen europäischen Museum), Französische und Deutsche Malerei im 18.Jahrhundert, und die Italienische, Französische und Spanische Malerei im 17./18. Jahrhundert mit Caravaggio ("Amor als Sieger"), Diego Velázques oder Nicolas Poussin. Die Sonderausstellung zeigt momentan besondere Werke der europäischen Malerei vom 13. - 18.Jahrhundert. Geöffnet ist die Berliner Gemäldegalerie am Matthäikirchplatz täglich, außer montags.
p.s am nächsten Freitag, dem 11.11.11, startet in der Neuen Nationalgalerie der zweite Teil der Ausstellung zur Kunst des 20.Jahrhunderts. Der erste Teil zeigte Werke aus der Zeit zwischen 1900 und 1945 (hier Artikel lesen). Nun werden jüngere Bilder aus der Nachkriegszeit präsentiert.

Todestag Egon Schiele - Bildersammlung.

2011-10-31T00:05:00.004+01:00

Betrachtet man das Œuvre des österreichischen Künstlers Egon Schiele scheint es keiner besseren Tag zugeben, an welchem man es sich ansieht, als Halloween. Umso ironischer meinte es wohl das Schicksal, als der Maler am 31.Oktober 1918 verstarb. Im Alter von nur 28 Jahren, an der spanischen Grippe, die damals Wien und ganz Europa heimsuchte. Nur drei Tage vorher starb seine schwangere Gattin. Da fragt man sich doch: Wie sehr leidet ein Mensch, der noch nie Glück im Leben hatte, sich in eine Frau verliebt, mit ihr ein Kind erwartet und dann stirbt das Glück, noch bevor er selbst stirbt... Seine Biographie macht mich immer sehr melancholisch - passend zu den tristen Herbsttagen. Und für alle die schon immer wissen wollten, wie es Schiele zu seinen typischen Farben gebracht hat: er hat einfach sein Wasser für die Pinsel nicht gewechselt. Um alle Werke ansehen zu können klicke unter dem Teaser auf "Ganzen Artikel ansehen". Danke

Selbstbildnis mit Judenkirschen, 1912, Öl und Deckfarben auf Holz, 32,4 x 40,2 cm, Leopold Museum Wien

Bildnis Wally Neuzil, 1912, Öl auf Holz, 32,7 x 39,8 cm, Leopold Museum Wien

Tote Stadt III, 1911, Öl auf Holz, 37,3 x 29,8 cm, Leopold Museum Wien

Veleger Edouard Kosmack, 1910, Öl auf Leinwand, 100 x 100 cm, Belvedere Wien

Sitzender Männerakt (Selbstdarstellung), 1910, Öl und Deckfarben auf Leinwand, 152,5 x 150 cm, Leopold Museum Wien

Handwand am Fluss, 1915, Öl auf Leinwand, 109,5 x 140 cm, Leopold Museum Wien

Selbstbildnis mit hochgezogener Schulter, 1912, Öl auf Holz, 42,2 x 33,9 cm, Leopold Museum Wien

Helmut Newton Stiftung: Museum für Fotografie - Private Property & Polaroids

2011-10-27T18:13:00.022+02:00

Das Museum für Fotografie der Helmut Netwon Stiftung öffnete erstmals 2004 seine Tore in der Berliner Jebensstraße und bietet seitdem allen Fotografiebegeisterten Einblick in die Arbeit des berühmten Akt- und Modefotografen Helmut Newton. Ebendieser wurde am 31.Oktober 1920 als Helmut Neustädter und Jude in Berlin geboren. 1938, mit 18 Jahren, wandert er, aufgrund der sich immer weiter zuspitzenden Judenverfolgung durch den Nationalsozialismus, nach Singapur und anschließend nach Australien, aus. Dort ändert Helmut Neustädter seinen Nachnamen zu "Newton". 1948 heiratet er June Browne, eine Schauspielerin und Fotografin (Künstlername: Alice Springs). Newton etablierte sich rasch zu einem der berühmtesten Akt- und Modefotografen, lichtete neben bildhübschen Models auch zahlreiche bekannte Persönlichkeiten, wie z.B. den jungen Karl Lagerfeld (1973) oder den Pop-Art Künstler Andy Warhol (1976), ab. Fotografiert hat der Künstler am liebsten mit Sofortbildkameras, da er es nicht leiden mochte, lange auf seine Bilder zu warten. Im Erdgeschoss des Museums für Fotografie sind so beispielsweise Kameramodelle, Objektive, Reflektoren, Stative, Rucksäcke, Requisiten (z.B. Schuhe der Models) und sonstige Gegenstände Newtons zum Fotografieren ausgestellt. Auch viele Briefe, Auszeichnungen, Kleidungsstücke oder private Fotos (z.B. Bilder von Newtons Krankenhausaufenthalt in New York, nach einem Herzinfakt) geben Einblick in das Leben des in Berlin Geborenen. Auch eine wirklichkeitsgetreue Nachbildung von Newtons Arbeitszimmer, nach einer Fotografie von Stefan Müller aus dem Jahre 2004, ist zu sehen. Im ersten Obergeschoss befindet sich (momentan) die Polaroid-Ausstellung.Zahlreiche Vergrößerungen der kleinformatigen Originale geben Einblick in die kunstvolle Arbeit Newtons. Seine Aktdarstellungen wirken meist grotesk. Dabei aber immer auch provokativ und wahnsinnig direkt. Schonungslos setzt der Fotograf seine Models in Szene. Zoomt auf ihre Brüste und betont besonders die Beine. Und die meist ohnehin schon langen, schlanken Beine der Frauen scheinen durch die faszinierende Kameraperspektive (oft Froschperspektive) geradezu ins Unendliche verlängert zu werden. Außerdem lenkt der Künstler auch durch Headless-Motive die Aufmerksamkeit auf die Beine. Die Erotik wird dabei beispielsweise durch enge Nylonstrumpfhosen als einziges Kleidungsstück betont. Des Weiteren unterstreicht ein meist extremer Hell-Dunkel-Kontrast die Ausdruckskraft zusätzlich. Auch Newtons erotische Fotografien haben einen hohen Kunstgehalt - der Künstler selbst sagt auch aus, dass er sich mit seinen Arbeiten klar von der Pornographie abheben möchte, was ihm, auch meiner Meinung nach, durchaus gelungen ist. Außerdem sagt Newton über seine erotischen Aktfotografien: "Das einzig Positive, das man über meine Fotos sagen kann: sie sind scharf" - und das sicher nicht nur im Hinblick auf die Tiefenschärfe. Mit seinem ganz eigenen Stil schaffte es der Fotograf mit seinen Bildern u.a. in die französische, amerikanische oder italienische Vogue, die Elle, Vanity Fair oder natürlich in den Playboy, in unzählige Galerien weltweit, sowie in viele Kalender. Besonders häufig fotografierte Newton auch für die Modelabel Yves Saint Laurent, Blumarine oder Thierry Mugler, um nur einige zu nennen. Viele der Polaroids für diese Firmen, Labels oder Magazine befinden sich im Museum für Fotografie. Ausgestellt sind des weiteren Newtons "Private Property" - 3 Portfolios aus schwarzem Faserkarton, welche je 15 Fotografien im Format 30x40 cm enthalten, welche zwischen 1972 und 1983 entstanden sind und die drei Hauptgenres von Newtons Fotografie zeigen: Mode, Portrait, Erotik. Gestorben ist Helmut Newton 2004 in Hollywood, LA, als er die Kontrolle über seinen Wagen verlor und gegen eine Mauer fuhr. Unzählige Zeitungsartikel aus verschiedenen Ländern, in unterschiedlichen Sprachen, bringen den Besuchern im Museum für Fotografie so selbst den tragischen Tod des Helmut Newton nahe.
p.s Bilder aus Newtons Serie "Big Nudes" befinden sich momentan auch im C/O Berlin. Hier klicken und Artikel lesen.

Roy Lichtenstein

2011-10-27T00:05:00.001+02:00

Der Pop-Art Künstler Roy Fox Lichtenstein wurde am 27.Oktober 1923 in Manhattan geboren und wurde durch seine im Comic-Stil gehaltenen Arbeiten bekannt. In seiner Schulzeit bekam er Kunst- und Zeichenunterricht. Dabei lehnte er Abstraktion und andere kontemporäre Strömungen der Zeit zunächst ab. Erst in seinem späteren Werk nahm der Künstler jene Strömungen wieder auf. Ab 1940 studierte Lichtenstein an der School of Fine Arts der Ohio State University. Hier lernte der junge Künstler den expressionistischen Stil kennen, welcher Lichtensteins Schaffen nachhaltig beeinflusste. Zwischen 1943 und '45 leistete der Amerikaner Militärdienst und fertigte in jener Zeit viele Zeichnungen an. Im Folgejahr schloss Lichtenstein sein Studium an der Ohio State Univeristy ab. Ein Jahr später beendete der Maler auch seine Master. Seine ersten Einzelausstellungen fanden 1949/50 in Cleveland und New York statt. In den 1950er Jahren kennzeichnete sich seine Kunst durch die Verfremdung von Alltagsgegenständen. 1956 wiesen Lichtensteins Arbeiten Züge der Pop-Art auf und der Künstler begann mit seinem Stil zu experimentieren. Zu Beginn der 1960er Jahre begann Lichtenstein so im Comic-Stil zu arbeiten, was ihm seine ersten Erfolge einbrachte. Bereits 1962 waren alle neuen Bilder Lichtensteins verkauft. Außerdem legte der Künstler auch Augenmerk auf die Plastik. So entstanden im Laufe seiner Schaffenszeit unzählige Skulpturen in Anlehnung an dem comichaften Stil. Auch widmete sich Lichtenstein wieder der Abstraktion, indem er z.B. dicke, schwarze Konturen verwendet, oder Flächen rastert. Von diesem Stil wendet sich der Künstler in den 80er Jahren jedoch wieder ab. Gestorben ist Roy Lichtenstein am 29.September 1997 in Manhattan.

Pablo Picasso

2011-10-25T00:05:00.000+02:00

Pablo Ruiz Picasso wurde am 25.Oktober 1881 im spanischen Málaga geboren und begann 1895, im Alter von nur 14 Jahren, ein Studium an der Kunstakademie in Barcelona. 1896 stellte er sein erstes Ölgemälde ("Die Erstkommunion") aus. Im Folgejahr studierte der junge Picasso zwischenzeitlich in Madrid, wo ihm die Lehrmethoden jedoch nicht zu sagten. Ab dem 24.Juni 1901 wurden Picassos Werke, mit Hilfe des Kunsthändlers Ambroise Vollard, in einer Galerie in Paris gezeigt. 1901 wird außerdem als Beginn Picassos sog. "Blaue(r) Periode" gesehen. Eine frühe Schaffensphase des Künstlers, bei welcher vorallem Blau- und Ockertöne die Bilder dominieren, welche melancholische Motive/Personen zeigen. 1904 siedelt der Spanier nach Paris über und beginnt mit seiner "Rosa Periode". Die Farbpalette wurde aufgehellt und statt dunklen Blautönen benutzt der Maler nun zarte Rosa- oder Orangetöne. Außerdem wendet sich Picasso von seinen traurigen Motiven ab und stellt bevorzugt Artisten, Gaukler, Harlekins oder andere Figuren aus dem Zirkus dar. Im Jahre 1907 malte der Künstler sein wohl berühmtestes Gemälde "Les Demoiselles d'avignon". Das Gemälde zählt zu den ersten kubistischen Bildern überhaupt und fand seine Inspiration in einem Bordell in Barcelona. Picasso war bekannt dafür nichts zu verharmlosen oder zu verstecken. D.h. seine Motive fand der Künstler im Alltag der Städte, meist unter gesellschaftlichen Randgruppen. 1937 ensteht ein weiteres bekanntes Werk: "Guernica". Gestorben ist der Spanier am 8.April 1973 bei Cannes in Frankreich.

Bode-Museum & die "Gesichter der Renaissance"

2011-10-24T22:11:00.014+02:00

Nach sage und schreibe sechs Stunden Wartezeit traten wir heute den Gang in die zur Zeit wohl beliebteste Ausstellung überhaupt ein: Die "Gesichter der Renaissance" Sonderausstellung mit 150 beeindruckenden Werken der italienischen Portraitkunst aus dem 15.Jahrhundert. Herzstück dabei DaVincis "Dame mit dem Hermelin" aus dem Czartoryski-Museum in Krakau, Polen. Allein dieses zu damaliger Zeit revolutionäre Gemälde des Universalgenies war die lange Wartedauer wert. Bedauerlicherweise ist das Gemälde nur noch bis zum 31.Oktober 2011 im Berliner Bode-Museum zu bewundern. Alle anderen Werke werden bis zum 20.November bleiben.
Der Kurator der erfolgreichen Sonderausstellung, Stefan Weppelmann, organisierte unzählige Werke u.a. aus New York, Mailand, Neapel, Florenz oder direkt aus der Berliner Gemäldegalerie. Diese besagte Ausstellung ist übrigens die erste ihrer Art, da es vorher noch nie geschah, dass so viele Portraits aus der Renaissance-Zeit aufeinander trafen, nebeneinander hingen, verglichen und ihre Entwicklung nachvollzogen werden konnte. Gegliedert war die übrigens auch optisch repräsentativ aufgemachte Ausstellung nach der regionalen Herkunft der Konterfeis. Grob gesagt u.a. mit den Oberbegriffen "Florenz", "Venedig", "italienische Höfe". Beeindruckend waren neben der "Dame mit dem Hermelin" auch die gut vertretenen Portraits Botticellis. Besonders eindrucksvoll dabei die beiden Abbildungen der "Simonetta Vespucci" (Bilder links und rechts)- bei denen vereinzelte Kunsthistoriker ja bezweifeln, dass es sich auf beiden Bildern jeweils um die selbe Person handelt - ich schließe mich dieser Überlegung übrigens an. Weitere faszinierende Renaissance-Maler in der Ausstellung waren z.B. Antonio del Pollaiolo, Andrea del Castagno, Davide Ghirlandaio, Lorenzo di Credi, Filippino Lippi, Lorenzo Costa, Giovanni Ambrogio de Predis, Andrea d'Assisi, Vinenzo Foppa oder Jacometto Veneziano. Äußerst interessant waren auch die Skizzen und Zeichnungen, welche ebenso virtuos ausgearbeitet wurden, wie die Malereien und auch die unzähligen Büsten und Medaillen waren ein wahres i-Tüpfelchen und komplettierten das Gesamtbild einer Ausstellung einer vielfältigen Epoche: der Renaissance. Die Dauerausstellung des Bode-Museums zeigt übrigens Säulen, Altäre, Plastiken und sonstige Schätze aus der Zeit der Gotik. Architektonisch ist das Bode-Museum, ganz im Westen der Berliner Museumsinsel, direkt am Spree-Ufer, auch sehr eindrucksvoll.

Berlin: Festival of Lights

2011-10-23T21:04:00.004+02:00

Jedes Jahr an zwölf Tagen im Oktober findet in der deutschen Hauptstadt eines der größten Illuminationsfeste der Welt statt: Das Festival of Lights. Vom 12. - 23.Oktober waren in diesem Jahr schon zum siebten mal unzählige Gebäude und Sehenswürdigkeiten der Stadt kunstvoll beleuchtet und inszeniert. Ob bunt leuchtende Bänke am Ku'damm, Lichtshows an Brandenburger Tor, KaDeWe oder dem Dom, ulkige Gesichter am Potsdamer Platz oder beinahe schon gruselige Zeitwächter - die Künstler und Lichtdesigner haben dem Milionenpublikum mehr als genug geboten. Sich alles anzusehen ist beinahe unmöglich. Veranstaltet wird das Event von der Agentur Zander & Partner Event-Marketing GmbH. Natürlich gibt es auch einen Fotowettbewerb, der mit ausgezeichneten Preisen versehen ist. Ich bezweifle zwar, dass eines meiner Bilder einen Riesen wert ist, aber dabei sein ist alles. Drei Bilder darf jeder Fotograf einsenden - also drückt mir die Daumen. Meine komplette Bildstrecke könnt ihr hier bei flickr ansehen:

DaVincis »Dame mit dem Hermelin« im Bode-Museum

2011-10-22T21:51:00.007+02:00

Berlins Anziehungsmagnet für Kunstfreunde und Touristen von überall ist seit dem 25.August 2011 die Ausstellung "Gesichter der Renaissance" im Bode-Museum auf der Museumsinsel. Herzstück ist dabei das durch zwölf Milimeter Panzerglas geschützte "Porträt der Cecilia Gallerani", auch "Dame mit dem Hermelin" genannt, vom wohl bedeutensten Renaissance-Maler überhaupt; Leonardo Da Vinci.

Das Ölgemälde ist 55 x 40,5 cm groß, entstand in den Jahren 1489 und 1490 und wurde auf Nussbaumholz gemalt. Es ist außerdem Teil des Kunstschatzes des Czartoryski-Museums in Krakau, dem ältesten Museum in Polen. Und dahin wird es nach dem 31.Oktober 2011 auch wieder übergeben. Dort wird es dann für die nächsten zehn Jahre bleiben. Doch was machte dieses Portrait so berühmt und zugleich bedeutend für die Kunstgeschichte? Da Vinci revolutionierte mit diesem Werk auf gewisse Weise die Portraitkunst. Die "Dame mit dem Hermelin" ist das erste Konterfei überhaupt, bei welchem die abgebildete Person keinen Blickkontakt zum Betrachter aufnimmt (Abgesehen von Profildarstellungen). Die portraitierte Cecilia Gallerani blickt vermutlich zu ihrem Geliebten, dem Herzog von Mailand, hinüber - einer sich nicht im Bildraum befindenden Person, die so aber dennoch passiv die Bildszene bestimmt, in anderen Worten die Protagonistin vom Publikum distanziert und ablenkt.

Am Montag werde ich mich in die Höhle des Löwen wagen und die von Stefan Weppelmann kuratierte Ausstellung "Gesichter der Renaissance" im Bode-Museum besuchen und einzig und allein wegen diesem Bild eine womöglich stundenlange Wartezeit in Kauf nehmen.

Anton Romako

2011-10-20T11:06:00.004+02:00

Der österreichische Maler Anton Romako wurde am 20.Oktober 1832 in Atzgersdorf, dem heutigen Liesing (23.Wiener Gemeindebezirk), geboren und zählt zu den Künstlern der sog. Ringstraßenepoche (Ringstraße = eine historische Straße in Wien, welche den Historismus präsentiert). Er studierte zunächst an der Akademie der bildenden Künste Wien und später in München, Venedig, Rom und London. Der Grund, weshalb Romako in seiner Heimat keine Anerkennung genoß, war, weil die österreichische Hauptstadt stark auf die Kunst Hans Makarts geprägt war (Historienmalerei) und Romako sich so mit seinem vorimpressionistischen Stil nicht durchsetzen konnte. Romako ist z.B. bekannt für seine Landschaftsbilder, welche im Stil der "Schule von Barbizon" gehalten sind, d.h. eine Abkehr von der akademischen Kunst (Widerspruch zu Makart) bedeuten und später auch die Impressionisten beeinflussten. Da man Romako in Wien also das Talent zum Malen absprach, reiste er u.a. nach Ungarn, Italien oder Frankreich. Bekannt ist der Künstler auch für seine Portraits, welche sich durch eine rasche, gerade zu nervöse Pinselführung auszeichnen und keine klaren Konturen aufweisen. Die wohl bekannteste Bildreihe des österreichischen Künstlers ist wohl die "Seeschlacht bei Lissa" im dritten italienischen Unabhängigkeitskrieg. Die österreichische Flotte feierte hier einen Sieg über die Italiener, wobei jedoch Österreich den Krieg in seiner Gesamtheit verlor.

175 Jahre Alte Pinakothek München

2011-10-18T20:33:00.005+02:00

Leicht verspätet, aber trotzdem herzlich gratuliert Farbwahn der Alten Pinakothek in München zum 175.Jubiläum. 1836 wurde das Gebäude der Alten Pinakothek nach Leo von Klenze unter König Ludwig I. eröffnet. Im zweiten Weltkrieg wurde das Haus größten Teils zerstört, 1957 wurde es wieder aufgebaut. Nun feiert die Alte Pinakothek ihren 175.Geburtstag und präsentiert deshalb einige ganz besondere Ausstellungen und Werke. In diesem schon sehr alten Post habe ich z.B. erwähnt, dass Vermeers "Frau mit Waage" nach München kommt. Außerdem stellte die Pinakothek unter "Cranach in Bayern" zahlreiche Malereien des in Kronach geborenen Lucas Cranach d.Ä.. Im Oktober begeistern nun die Kunstwerke Raffaels. Bis 15.01.12 werden des Weiteren "Schätze aus dem Depot" gezeigt - Meisterwerke aus dem Bestand der Alten Pinakothek, welche nur selten gezeigt werden. Hier geht's zum Jubiläums-Flyer der Alten Pinakothek.

Noch bis 31.10.: Hokusai im Martin-Gropius-Bau Berlin.

2011-10-13T19:26:00.017+02:00

Die Hokusai-Retrospektive-Ausstellung im Martin-Gropius-Bau Berlin wurde zwar bis zum 31.Oktober verlängert, doch ich wollte sie trotzdem noch so schnell wie möglich besuchen. Spontan bin ich heute Nachmittag also zum Potsdamer Platz gefahren. Und ich kann diese Ausstellung japanischer Drucke vom Künstler Hokusai ebenso empfehlen, wie die Dalí-Ausstellung. Da die beiden Häuser auch ziemlich nah beieinander liegen, lässt sich das gut kombinieren.Katsushika Hokusai wurde vermutlich 1760 in Edo (heute Bezirk Sumida in Tokio) geboren und zählt heute mit seinen typisch japanischen Druckgraphiken zu den bedeutensten Künstlern des sog. "Ukiyo-e". Die 440 Exponate stammen direkt aus Japan, (viele) haben das Land noch nie vorher verlassen und befinden sich größten Teils in Privatbesitz. Drei unumstrittene Gründe die Gelegenheit zu nutzen und den berliner Martin-Gropius-Bau aufzusuchen. Außerdem handelt es sich bei "Hokusai. Retrospektive" um den allerersten Rückblick auf das Lebenswerk eines japanischen Künstlers in Deutschland. Geordnet und gegliedert sind die Werke nach den verschiedenen Schaffensphasen Hokusais, in welchen der Künstler seine Arbeiten jeweils mit einem anderen Künstlernamen signierte (insgesamt gab er sich in seinem Leben 30 verschiedene Namen). Somit ist ein übersichtlicher Nachvollzug seiner künstlerischen Entwicklung selbst für Laien möglich. Höhepunkt der Ausstellung waren gewiss die "36 Ansichten des Berges Fuji", zu welchen auch Hokusais berühmtester Mehrfarbendruck "Die große Welle vor der Küste bei Kanagawa" (oben) gehört. Ausgestellt war u.a. auch "Hokusai-manga" - ein Zeichenhandbuch für Hokusais Zeichenlehrlinge. Ansonsten zeichnet sich Hokusais Werk z.B. durch viele Portraits damaliger Theaterschauspieler, Gottheiten und Geister, Landschafts-, Tier- oder Plfanzendarstellungen, aus. Die Drucke des japanischen Künstlers sind zunächst sehr ungewohnt für das an westliche Kunst gewöhnte Auge, doch mit der Zeit entdeckt man, mit welch außergewöhnlicher Virtuosität doch Hokusai arbeitete, als er seine präzise gearbeiteten Farbholzschnitte oder Drucke anfertigte. Es ist für mich beinahe unvorstellbar, mit welch geduldiger und vorallem ruhiger Hand der Künstler die vielen kleinen Linien gesetzt hat, die die Graphiken so unheimlich genau machen. Für japanische Kunst waren zunächst Vogelperspektive und Flächigkeit typisch. Als gegen Ende des 18.Jahrhunderts jedoch Europäer, meist Holländer, nach Asien kamen, lehrten sie den dortigen Künstlern die Zentralperspektive, sowie die Schattierung durch Hell-Dunkel-Abstufung. Auch dieser Einfluss findet Niederschlag im Schaffen Hokusais.
Alles in Allem ist die Ausstellung wahnsinnig interessant, da man eine völlig neue Seite der Kunstgeschichte kennenlernt, die von der europäischen weit entfernt liegt. Außerdem zeigt die Ausstellung nicht nur die Werke Hokusais, sondern liefert bei jedem einzelnen Bild und wenn auch noch so klein und unscheinbar, einen äußerst informativen Text, welcher sowohl Entstehungshintergrund, als auch Motiv und die damit verbundene japanische Kultur/Tradition erklärt. Bei Landschaftsdarstellungen sind sogar genaue Lage und geographische Besonderheiten angemerkt. Somit erhält man nicht nur einen Einblick in die asiatische Kunst, sondern auch in die Kultur, die Völkerkunde, sowie in die Geographie Japans. Die Ausstellung läuft noch bis Ende Oktober und sollte, wenn denn die Möglichkeit bestünde, auf jeden Fall besucht werden.

DalíBerlin - Die Ausstellung am Postdamer Platz

2011-10-11T15:22:00.009+02:00

Heute besuchte ich DalíBerlin direkt am Potsdamer Platz. Die Ausstellung, welche seit 2009, anlässlich des 20.Todestags Dalís und dem 20.Jahrestag des Mauerfalls, als Dauerausstellung angelegt wurde, beinhaltet rund 450 Exponate aus dem graphischen Œuvre des spanischen Surrealisten Salvador Dalí. Salvador Dalí wurde am 11.Mai 1904 in Figueras geboren und wurde nach seinem 9 Monate und 10 Tage vorher verstorbenen Bruder benannt: Salvador. Auf Grund dieser Tatsache fühlte sich der Künstler zeitlebens als Fälschung. Sein künstlerisches Talent wurde von Beginn an gefördert und schon als Kind durfte sich Dalí auf dem elterlichen Dachboden ein Malstudio einrichten. Bereits mit 13 Jahren organisierte der Spanier 1917 eine Ausstellung im Hause seiner Eltern und bereits im Folgejahr nahm Dalí an einer Gruppenausstellung lokaler Künstler im örtlichen Stadttheater teil. 1922 waren 8 seiner Bilder in Barcelona ausgestellt und drei Jahre später, 1925, erhielt der junge Maler seine erste Einzelausstellung in der Galerie Dalmau Barcelona. Seine Werke wurden gefeiert und selbst Pablo Picasso, welchen Dalí in Paris besucht, lobte die Arbeiten. Hört man heute den Namen "Salvador Dalí", so denkt man instinktiv an seine virtuos, mit altmeisterlicher Päzesion gemalten surrealistischen Bilder, welche ihn weltweit berühmt machten. Doch Dalís Gesamtwerk besteht nicht nur aus ebendiesen Gemälden, sondern fasziniert auch durch den breitgefächerten Fundus an graphischen Arbeiten, welche in Punkto Virtuosität den Ölgemälden des Surrealisten in nichts nachstehen. 450 ausgewählte Blätter sind seit 2009 in der Dauerausstellung DalíBerlin am Potsdamer Platz in Berlin zugänglich. Betritt man die Ausstellungsräume, entdeckt man zunächst die Druckwerkzeuge Dalís. Im ersten Raum begeisterte mich vorallem die Bildserie "Le Tricorne - Der Dreispitz" aus dem Jahre 1959.

Die Serie umfasst 20 Xylographien ohne speziellen Einzeltitel und verbildlicht die gleichnamige Novelle von Pedro de Alarcons. Kennzeichnent für diese Bilder sind präzise dargestellte Schmetterlinge, die metaphorisch für Schönheit und Verwandlung stehen. Ansonsten zeichnen sich die Xylographien durch extreme Farbigkeit aus. Auch die 1970 entstandene Reihe "Tristan und Isolde", welche aus 21 Farbkaltnadelnradierungen besteht, zeugt von Dalís Genie bei der freien Linienführung. Die Farbgebung war hierbei sehr dezent und nur auf wenige Flächen begrenzt. Die 21 Kaltnadelratierungen mit Roulette zum Thema "Faust, Walpurgisnacht" (1968/69) hingegen wiesen keine Farbigkeit auf und kennzeichneten sich durch makabere Körperformen und Konturen. Am besten gefielen mir "L'Illuisioniste - Der Zauberer", "Reitende Hexen", "Tête de veau - Bocksteufel" und "Femme au cochon - Frau mit Schwein". Im ersten Raum des OG waren zunächst drei faszinierende Mixed-Media Graphiken zur "Apokalypse (Offenbarung) des Hl. Johannes" aus dem Jahre 1961 zu sehen. Hier ist besonders die Entstehung interessant: Dalí erhielt den Auftrag der Visualisierung des Offenbarungs-Textes und stellte drei Bilder fertig. Für die ersten beiden Bilder bastelte der Künstler eine mit Nägeln gefüllte Bombe, welche er auf Kupferblatten explodieren lies. Dalí erzeugte so ein Happening. Die Nägel drückten sich die Kupferblatten und so konnte der Spanier Kupfersrichabzüge davon machen. Das dritte Bild entstand durch traditionelle Kaltnadelradierung. Im OG begeisterte mich besonders Dalís 1970 entstandene Bildserie zur Oper "Carmen". 24 farbenfrohe Lithographien verbildchen die Geschichte von Carmen, Don José und Escamillo. Die Bilder weisen eine enorme Farbintensität auf und faszinieren durch den Gegensatz von perspektivisch korrekter, sowie präziser Raumdarstellung und den nur schemenhaft, abstrakt angedeuteten Personen. Aus dieser Reihe gefielen mir besonders "Platz in Sevilla", "Harfenspielerin", "Lillas Pastias Taverne", "Don Josés Blumengesang", "Lied des Stierkämpfers", "Carmen singt Zigeunerlieder", die wunderschöne in Grüntönen gehaltene "Gebirgsszene" (links), "Treffen der Schmuggler", das beinahe expressive "Die Karten sagen Carmens Tod voraus" und "Escamillos Ehrung". Das Werk "Die Habanera" (rechts) war mein persönliches Highlight. Nicht nur in der Carmen-Reihe, sondern in der kompletten Ausstellung. Unheimlich tolle Farbverläufe, intensive Farben und eine nur schmenhafte Personenumrisse machen die Lithographie für mich besonders. Einen großen Teil der Ausstellung nahm auch Dalís Serie zu "Die göttliche Komödie" ein. Bestehen aus 100 Xylographien erzählen die Werke aus dem Jahre 1960 die gleichnamige Geschichte nach dem Italiener Dante Alighieri. Wunderschön fand ich persönlich auch die Reihe "Alice im Wunderland" aus dem Jahre 1969. Sie besteht aus einer Radierung und 12 Heliogravuren mit Holzschnitten. Das verrückte "Wunderland", in welches die Protagonistin "Alice" in Charles Lutwidge Liddells Geschichte gelangt, ist eine beliebte Inspirationsquelle für Surrealisten. Dalí fertigte die 13 Illustrationen für die '69 erschienene Buchausgabe von Lewis Carroll in New York an. Kennzeichnend für diese Bildreihe ist wieder die Farbenfröhlichkeit und die interessanten Farbverläufe. Zentrales Motiv bzw. Remarque ist der Holzschnitt eine seilspringende "Alice", welcher in allen Bildern vorkommt. Ein weiterer Höhepunkt waren auch die ausgewählten Skulpturen Dalís. Ausgestellt waren "Lilith", "Der surrealistische Engel", die Brozefigur "Venus von Milo mit Schubladen", der "Minotaurus" oder der "Christ de san Juan de la cruz" aus Sterling Silber.
Alles in Allem ist die DalíBerlin Ausstellung eine gute Möglichkeit, den Surrealisten par excellence Salvador Dalí von einer anderen Seite kennenzulernen. Zwar ist die surrealistische, verrückte Note der paranoisch-kritischen Methode auch in den Graphiken deutlich zu erkennen, aber dennoch bildet das graphische Œuvre eine interessante Abwechslung zu Dalís Gemälden.

http://www.daliberlin.de

C/O Berlin: Talents25 Vernissage "In Broad Day" mit Mirko Martin & Melanie Martin

2011-10-09T17:47:00.014+02:00

Am vergangenen Freitag, 07.Oktober 2011 besuchte ich die Talents25-Vernissage im C/O Berlin. Seit 2006 fördert das C/O Berlin, Museum für Gegenwartskunst, mit "Talents" junge Fotografen und Kunstkritiker. Und das vier mal im Jahr. Wie auch Museumspräsident Matthias Hader bei der Vernissage sagte, handelt es sich bei "Talents" um einen Dialog zwischen Kunst und Kunsthistorik. Ausstellender Fotograf war dieses mal Mirko Martin, welcher 1976 in Sigmaringen geboren wurde und durch Stipendien die Möglichkeit bekam, nach Los Angeles zu reisen (2008), wo er vorwiegend an Filmsets fotografierte. Dabei tauchen immer wieder Absurditäten oder zusammenhangslose, unerklärliche Situation in den Bildern auf, wenn man nicht weiß, dass die Fotos zufällig an Filmkulissen entstanden sind. Es kommen dann Fragen auf, wie: "was soll das?" - "wie ist das passiert?" - "warum ist das so?". Der Betrachter sucht vergeblich nach Entstehungshinweisen, denn in Martins Bildern gibt es keinerlei Informationen, wie z.B. ein fotografiertes Auto auf dem Dach gelandet ist, oder warum ein verletzter Mann auf der Straße von Passanten nicht beachtet wird. Außerdem zielt es der Künstler auf den sog. "Erinnerungseffekt" ab, welcher entsteht, wenn man die fotografierten Szenen irgendwann in einem Film wieder sieht, oder umgekehrt. Der Fotograf möchte des weiteren auf die Omnipräsenz der Massenmedien hinweisen, da heutzutage alles und überall dokumentiert wird.

Eröffnet wurde die Vernissage durch Melanie Martin, welche 1980 geboren wurde und Kunst-/Medienwissenschaften studierte. Bereits in ihrem Studium und auch während eines Volontariats verfasste sie Katalogbeiträge und ähnliches. Durch ein Interview, sowie gute Zusammenarbeit mit dem ausstellenden Fotografen Mirko Martin, hatte sie genug Informationen gesammelt, um sowohl professionell, als auch gut verständlich in die Ausstellung einzuführen. Die Ausstellung trägt den Namen "In Broad Day" - zu deutsch: "am hellichten Tag", "auf offener Straße". Die Bilder stammen aus der Fotoreihe "L.A Crash". Zunächst erläuterte die Kunsthistorikerin Melanie Martin kurz die Geschichte der Filmindustrie in LA. Anschließend sprach sie den "Erinnerungseffekt" der Exponate an, welcher bezwecken soll, dass der Betrachter aktiv die gesehene Fotografie mit seinem Bildgedächtnis abgleicht und hinterfragt. Melanie Martin erwähnte auch, dass Mirko Martin nicht die Reichen und Schönen von Los Angeles dokumentiert, sondern vielmehr den Rand der Gesellschaft.
Bilder: http://www.mirkomartin.com

Berlin: Tacheles Kunsthaus

2011-10-08T16:01:00.002+02:00

Das Tacheles Kunsthaus ist eine denkmalgeschützte Ruine in Berlin-Mitte. In ca. 30 Räumen arbeiten moderne, alternative Künstler an ihren Werken und stellen aus. Typisch für das Haus ist die Protestmalerei. Die Idee von "Tacheles" geht zurück in die DDR, als es verboten war (offene) Kritik am System zu äußern. Auch die Kunstformen waren unter anderem vorgegeben (Sozialistischer Realismus, Artikel hier). Künstler verschlüsselten daher ihren Tadel in Bildern. Irgendwann war das einigen Kunstschaffenden jedoch genug und sie begannen direkt ihre Meinungen zu vertreten und damit an die Öffentlichkeit zu gehen. Der Name "Tacheles" kommt übrigens aus dem Jiddischen und bedeutet so viel wie: Klartext reden. Des Weiteren ist Tacheles auch ein Symbol der Wiedervereinigung Deutschlands und vorallem Berlins, weil die Künstler aktiv gegen die DDR vorgingen. 1990 vereinten sich auch Künstler aus ost und west, um den Abriss des Gebäudes zu verhindern, denn schon mehrmals sollte das Haus in der Oranienburgerstraße verschwinden. Doch immer wieder konnte der Bau gerettet werden. Nun steht Tacheles vor einer erneuten Krise: Im Rahmen der Berliner Klüngelwirtschaft 2011 droht der Niedergang des Hauses (z.B. durch Zwangsversteigerung der Flächen).

Bereits im Mai 2011 fanden Demonstrationen statt. Und nun nur schonmal vorne weg: Ich möchte hier nicht Partei ergreifen, finde es aber dennoch wichtig das Kunst- und Kulturhaus Tacheles zu erhalten, da es eine einzigartige Möglichkeit für alternative Künstler ist, in Kontakt mit der Öffentlichkeit zu treten, da es für viele anderweitig nicht oder nur schwer möglich ist. Der Kunstgeschmack ist eigen, aber das muss und darf nichts schlechtes heißen. Berlin hat eine einzigartige Geschichte und ich finde das Tacheles Kunsthaus repräsentiert diese (auch durch die denkmalgeschütze Ruine im echten "Berlin-Style"). Das Haus ist somit ein "Stück Berlin" und es gibt nichts vergleichbares. Außerdem zieht es täglich Massen an Besuchern an. Eine Schließung des Tacheles würde ein Loch in die Kunst- und Kulturgeschichte Berlins reißen. Das sollte trotz allem bedacht werden, auch wenn die Kunstgeschmäcker auseinander gehen. Sollte jemand das Tacheles unterstützen wollen, dann einfach hier klicken und den roten Text lesen. Aber ich will keinen zwingen.

Wer sonst noch seine Meinung los werden will, der kann das gerne durch die Kommentarfunktion tun.

C/O Berlin: Bilder vom Terror

2011-10-07T21:17:00.010+02:00

Heute besuchte ich die Fotografie-Ausstellung im C/O Berlin mit dem Thema: "Unheimlich vertraut - Bilder vom Terror". Die Ausstellung zeigt bekannte Fotografien von Terroranschlägen, Autounfällen oder anderen Katastrophen, die sich in die Köpfe der Menschen eingebrannt haben. Verschiedene Künstler und Künstlergruppen haben sich mit dem Thema auseinandergesetzt.

Malte Wandel z.B. beschäftigt sich mit einem sehr nachhaltigem Ergeinis: er zeigt Bilder von der Geiselnahme der israelischen Olympiamannschaft durch "schwarzer September" bei den Olympischen Spielen in München 1972. Auch Mikael Mikael beschäftigte sich in seiner Reihe "Show you are not afraid" mit einem unvergesslichem Geschehnis: dem 11.September 2001. Mit Plakaten zitiert er den Satz des ehemaligen New Yorker Bürgermeister Rudolph W. Giuliani, welcher nach 9/11 sagte: "Show you are not afraid. Go to restaurants. Go shopping". The Atlas Group / Walid Raad zeigen Bilder, die keine Opfer direkt darstellen, sondern nur das Handeln bzw. die Reaktion von Polizei, Militär oder Politikern. Die Fotografin Natalie Czech steuert ihren Beitrag durch "Daily Mirrors" und dem Bild "Keep out" bei. Eine Fotografie, die viele polizeiliche Absperrbänder zeigt, die beinahe schon zum Alltag in Großstädten gehören. Ein völlig anderer Beitrag kam von Helmut Newton, welcher in seiner "Big Nudes" Serie (1980) Fotografien von sehr selbstbewusst wirkenden, nackten Frauen präsentiert. Ursprünglich sollte die Bildstrecke den Namen "Meine Terroristinnen" tragen, als Anlehnung an die RAF, doch die Fotografien sorgten ohnehin schon für Aufruhr, besonders in feministischen Kreisen. Dennis Adams beschäftigte sich in "Patricia Hearst A-Z" mit dem Leben der Patricia Hearst, die als "Tania" Mitglied der linksradikalen Symbionese Liberation Army war. In 26 verschiedenen Pressebildern, jedes mit einem Buchstaben versehen, wird das Leben der Frau reflektiert. Ein interessanter Beitrag war auch jener von Thomas Ruff, mit dem Titel "Anderes Portrait". Von 1994 bis '95 entpersonalisierte der Künstler ein Portrait. Sprich: er erschuf eine Komposition aus mehreren Bildern und lies so zwei verschiedene Portraits einer Person entstehen. Das geschah in Anlehnung an die Erstellung von Phantombildern, bei welcher ebenfalls aus unterschiedlichen Einzelteilen komponiert wird. Die Bildreihe "here is new york - a democracy of photographs" aus dem Jahre 2001 besteht aus unzähligen Einzelbildern, die eindringlich die Geschehnisse am 11.September 2001 in Manhattan dokumentieren. Die Ausstellung wurde direkt nach 9/11 von Alice Rose George, Gilles Peress, Michael Shulan und Charles Traub zusammengestellt, um Geld für die Opfer zu sammeln. Originell war auch die Idee von Coco Kühn aus Berlin: mit dem Titel "Stacks" entstanden 2002 vier Bilder, die jeweils gestapelte Berliner Zeitungen darstellen, die in den vier Folgetagen nach 9/11 gedruckt wurden. Auf jedem Foto sind zwei Stapel zu sehen, die die Twin Towers symbolisieren sollen. Auch das ikonografische Schlagbild des 11.Septembers ist im C/O ausgestellt: die Fotografie von Thomas Hoepker "Blick von Williamsburg auf Manhattan" - es ist jenes bekannte Bild, welches eine Gruppe scheinbar entspannter Menschen in einem Park zeigt, während im Hintergrund die schwarzen Wolken des World Trade Center empor steigen. Interessant, aber zugleich irrwitzig fand ich "Boobytraps" (2008) von Simon Menner. Die Reihe zeigte Illustrationen aus Handbüchern der US-Armee und beschreibt die Konstruktion von Sprengfallen in Alltagsobjekten wie einem Bett, einer Tabakpfeife oder sogar einer Tafel Schokolade. Interessant waren auch die beiden Bilder von Thomas Ruff mit dem Titel "jpeg". Der Künstler war am 11.September 2001 selbst in NY anwesend und fotografierte die Geschehnisse. Allerdings stellten sich seine Aufnahmen als unbrauchbar heraus. Er versuchte seine Aufnahmen wiederherzustellen und war im Internet unterwegs, wo er viele entsprechende Fotos fand. Leider waren die aber alle so kleinformatig, dass sie bei Vergrößerung sehr verpixelt wurden. Doch genau das ist das ausmachende Gestaltungsmittel. Die Verpixelung abstrahiert das Bild. Den mit Abstand schockierensten Beitrag leistete Thomas Hirschhorn mit seinem "Incommensurable Banner" aus dem Jahre 2007. Auf einem riesigen Banner zeigt der Künstler schreckliche Fotos von verletzten, deformierten und zerstückelten Körpern, Leichen. Abgetrennte Körperteile wie Arme, Beine, ja sogar Köpfe. Hirschhorn will damit zeigen, dass die Medien Ereignisse verschönern und nur die "harmlosen" Dinge zeigen. Clément Chéroux beschäftigt sich in "Déjà-vu 9/11" mit einer Fotografie von Thomas Frankling: ein Amerikaner hisst über Ground Zero die amerikanische Flagge. Dies geschah in Anlehnung an eine Fotografie die am 23.Feburar 1945 von Joe Rosenthal entstand und sechs Marines zeigt, die auf einer kleinen Insel namens Iwojima ebenfalls die amerikanische Flagge hissten und somit ihren Triumph über Japan und Rache für "Pearl Harbour" feierten. Einen Höhepunkt bildeten die Exponate der Fotografin Anja Niedringhaus, welche 1965 in Westfalen geboren wurde und unter dem Kürzel "AP" (Associated Press) in Zeitungen Fotos von Leid, Elend, Tragödie, Erschöpfung und Verzweiflung aus Krisengebieten wie z.B. Irak oder Afghanistan veröffentlicht. 40 bewegende schwarz-weiß Fotografieren sind ausgestellt und zeigen schonungslos die Zustände in Brandherden. Drei Pigmentdrucke aus der Sammlung bewegten mich besonders stark. Zum einen das Bild "Wüste in Kuwait. Dezember 2002", auf welchem eine versammelte Menge Soldaten zu sehen ist, welche um einen knallrot gekleideten Weihnachtsmann stehen. Das Bild habe ich mir als Postkarte gekauft, wie ihr sehen könnt. Das zweite Bild "Yaftal e sofla. Afghanistan September 2009" zeigte einen melancholischen Soldaten, welcher ganz allein auf einer großen Wiese sitzt, mit einem leeren, traurigen Blick und ein paar brennenden Kerzen neben sich. Nummer drei "Fallduschka. Irak Februar 2005" rührte mich zu Tränen: eine muslimische Mutter stand mit ihrem Kind in einem zerstörten Dorf/Stadt. Neben ihnen ein Soldat. Am linken Bildrand ein auf Holz aufgespiester Puppenkopf, welcher an die burtalen Zustände der französischen Revolution erinnert. Die Fotografin ist hautnah in den Krisengebieten dabei, setzt sich unheimlichen Gefahren aus, schafft durch ihre Kamera aber dennoch Distanz. Ab 2012 wird eben diese Sammlung von Anja Niedringhaus in der Deutsche(n) Börse Eschborn bei Frankfurt zu sehen sein. Am besten hat mir jedoch die Videoinstallation von Robert Boyd aus dem Jahre 2002 gefallen - wenn man in diesem Zusammenhang überhaupt von dem Wort "Gefallen" Gebrauch machen darf... denn eigentlich war es schrecklich. Die Videoinstallation "Xanado" ist ein ironischer Kommentar. Der Raum war wie eine Disko aufgebaut. Das heißt: abgedunkelt, mit einer großen Diskokugel und bunten Lichtern versehen. Außerdem läuft stimmungsvolle Partymusik. Den grotesken Gegensatz bilden die Videos, die an vier großen Leinwänden laufen, denn sie zeigen Szenen von Terroranschlägen, Explosionen, Unfällen, Leid und Elend. Die Bilder sind auf die Musik abgestimmt und wirkt wie ein Musikvideo. Doch was man sieht schockiert: weinende, verletzte Menschen. Die rauchenden Twin Towers, oder was von ihnen übrig war. Einen Atompilz. Zerstörte Häuser oder Autos. Es hat mich emotional sehr bewegt.
Das waren jetzt nur einige Künstler, die ausstellen. Insgesamt sind es um die 30. Ich persönlich kann die Ausstellung nur empfehlen. Sie läuft noch bis zum 04.12.2011 im C/O Berlin, Oranienburgerstraße 35. Doch denkt daran: es wird euch schockieren, traurig stimmen, zu Tränen rühren. Also bereitet euch darauf vor, denn besonders im Obergeschoss werdet ihr Bilder sehen, die euch womöglich nicht mehr schlafen lassen...
p.s demnächst kommt auch der Artikel über die heutige "Talents25" Vernissage im C/O, mit Mirko und Melanie Martin, die weder verwandt, noch verschwägert oder verheiratet sind, sondern einfach nur den selben Nachnamen haben.

Bildersammlung: Romero Brittos Neo-Pop-Art

2011-10-06T00:05:00.001+02:00

Farbwahn gratuliert dem brasilianischen Neo-Pop-Art Künstler Romero Britto (hier Artikel über ihn lesen) zu seinem 48.Geburtstag. Aus diesem Anlass gibt es heute eine kleiner Bildersammlung seiner (für mich) schönsten Werke. Um alle Bilder ansehen zu können, klicke nach dem Teaser auf "ganzen Artikel ansehen". Danke http://www.britto.com/

Bildersammlung: Annie Leibovitz - Disney Dream Portrait Series

2011-10-05T10:05:00.003+02:00

Am 02.Oktober 2011 feierte die amerikanische Fotografin Annie Leibovitz ihren 62.Geburtstag. Aus diesem Anlass habe ich nun nachträglich eine Bildersammlung zusammengestellt. Annie Leibovitz wurde 1949 in Waterbury, Connecticut geboren und studierte ab 1967 Malerei und Fotografie in San Francisco. Zwischen 1973 und 1981 arbeitete die Fotografin für den Rolling Stone. In den 70er Jahren litt die Künstlerin außerdem unter Kokainsucht. Als sie den Rolling Stone 1981 verließ, fotografierte sie für Vanity Fair. Heute zählt sie zu den bestbezahltesten Fotografen überhaupt. Einer ihrer bekanntesten Schnappschüssen ist z.B. eine Aktfotografie der schwangeren Demi Moore (zum Bild, klick hier). Doch ich möchte heute auf eine ganz andere Bildserie hinaus: Annie Leibovitz' "Disney Dream Portrait Series". Einer märchenhaften Fotosammlung an unterschiedlichen, inszenierten Szenen aus verschiedenen Disney-Filmen, wie Cinderella, Schneewittchen oder Arielle. Um alle Bilder ansehen zu können, klicke nach dem Teaser auf "Ganzen Artikel ansehen". Danke
ÜBRIGENS: Vom 24.11. - 13.01.2012 stellt Annie Leibovitz unter dem Motto "Famous People" im Jörg Maaß Kunsthandel Berlin-Charlottenburg aus. Vernissage ist am 23.November. hier mehr lesen.

Bilder: Google Search "Annie Leibovitz Disney", 04.Oktober 2011

Interview: NanaPhotography über die Ausstellung "YOUNG ARTS" im Jugendforum Mozarthof, Klagenfurt

2011-10-04T11:00:00.004+02:00

Wer Farbwahn über Facebook verfolgt (klick hier), hat wohl mitbekommen, dass die Fotografin Ilse Kamer (NanaPhotography), mit welcher ich bereits ein Interview geführt habe (hier nachlesen), bei der "Langen Nacht der Museen" in Klagenfurt im Jugendforum Mozarthof unter dem Motto "Young Arts" ausgestellt hat. Über die Ausstellung, wie alles gelaufen ist und wie sich die Nachwuchskünstlerin dabei gefühlt hat, könnt ihr jetzt in einem weiteren Interview nachlesen. Vielen Dank an dieser Stelle an NanaPhotography und viel Spaß beim Lesen.

Wie kam es zu der Ausstellung?

Ich hatte letztes Jahr schon bei der „Lange Nacht der Museen“ mitgemacht. Diese Veranstaltung findet einmal im Jahr in ganz Österreich statt und wird vom ORF organisiert. An diesem Abend öffnen Museen und andere Kunstorte ihre Tore von 18 bis 1 Uhr nachts, um den Durst von Kunstliebhabern zu stillen. Wie auch letztes Jahr durfte ich mich mit meinen Bildern an einer Ausstellung beteiligen. Diese fanden beide Jahre im Jungendforum Mozarthof unter dem Motto "YOUNG ARTS" statt.

Wie viele Bilder waren ausgestellt? Hast Du sie selbst ausgesucht?
Dieses Jahr waren es insgesamt 10 Bilder (letztes Jahr 11) und ich durfte mir alle Bilder selbst aussuchen, sowie auch die Größe.

Ist alles so gelaufen, wie Du es Dir vorgestellt hast oder gab es Pannen?
Es war wieder alles ganz toll organisiert, so dass ich mich wirklich nur darum kümmern musste meine Bilder auszuwählen und sie zu drucken. Natürlich habe ich mich bei den Aufbauarbeiten beteiligt, um das tolle Team im Mozarthof etwas zu unterstützen.

Du stellst gemeinsam mit einem anderen Fotografen (René Pirker, Bild unten) aus. Inwiefern ähneln bzw.unterscheiden sich eure Arbeiten.
Ich habe René vorher nicht wirklich gekannt - nur über Facebook. Für mich ist es schwer mich mit anderen Fotografen zu vergleichen, da jeder seine eigene Handschrift trägt. Aber die größten Unterschiede liegen in der Wahl der Motive. Ich kann nicht wirklich sagen was uns verbindet oder unterscheidet. Aber eines ist sicher; die Fotografie haben wir beide im Blut und tun dies für unser Leben gern.

Hast Du Feedback bekommen? Wie ist es ausgefallen?
Ja habe ich und es ist wirklich toll ausgefallen, was mich sehr gefreut hat. Es ist immer toll mit den Menschen in Kontakt zu treten, die sich mit meinen Bildern auseinander setzten. Meistens beobachte ich sie zuerst und warte auf erste Reaktionen. Ich finde es auch immer toll, wenn man sich für die Arbeit, die hinter dem Bild steck, interessiert. Das heißt von der Idee bis zum fertigen Bild. Ich freue mich auch, wenn mich Leute nach Tipps und Tricks fragen, denn das zeigt mir, dass ich etwas richtig mache und meine Bilder die Leute zum Nachdenken anregen.

Sind auch noch weitere Ausstellungen in Planung?
Im Moment ist keine weitere Ausstellung in Planung, aber ich würde mich freuen, wenn es noch weitere Ausstellungen geben würde.

Versuche das Gefühl zu beschreiben, das Du hattest, als Du zum ersten Mal in den fertigen Ausstellungsraum gegangen bist.
Dieses Gefühl ist unbeschreiblich. Es ist nämlich etwas ganz anderes sein Bild direkt auf Papier in einem Rahmen zu sehen, als auf dem Computerbildschirm. Es macht einen Stolz und auch neugierig auf die Reaktionen der Betrachter, denn Geschmäcker sind nun mal verschieden. So kann es auch passieren, dass meine Kunst nicht jedem gefällt. Mit meiner Fotografie möchte ich kleine Welten erschaffen. Ich möchte die Menschen inspirieren, begeistern und sie dazu bringen sich genauer mit meinen Bildern auseinanderzusetzen, um sich vielleicht selbst darin wiederzufinden. Und so bin ich sehr dankbar dafür, dass ich die Chance hatte meine Sicht der Welt einem großen Publikum zu zeigen.

Bilder: hier gibt's die ganze Bilderstrecke von Roland Pössenbacher©.
NanaPhotography: Website Facebook Blog flickr

Kunst in der ehemaligen DDR - Sozialistischer Realismus

2011-10-03T16:33:00.006+02:00

Der sozialistische Realismus war die offizielle Kunstrichtung in den Ostblockländern und somit auch in der ehemaligen DDR nach dem zweiten Weltkrieg und wurde durch die UdSSR verbreitet. Die Richtung kennzeichnete sich durch eine übertriebene Wirklichkeitsnähe und beliebte Motive waren Szenen aus dem Arbeitsleben oder dem Alltag. Abstraktion und Fantasie waren tabu. Man spricht u.a. von einer "Abkehr von der Freiheit der Kunst". Außerdem wollte sich die ehemalige Sowjetunion klar von der "westlichen" Kunst abgrenzen (Formalismusstreit). Während sich zu Beginn des 20.Jahrhunderts und bis in die 20er/30er Jahre ein moderner, teils abstrakter Kunstbegriff durchsetzte (Expressionismus, DADA, Surrealismus, Konstruktivismus etc.), riefen später vorallem Politiker gegen die Moderne auf (schon Hitler lehnte die moderne Kunst ab und bezeichnete sie als "Entartet"). So kam es, dass man sich dem Realismus zuwenden musste, da er offiziell vorgeschrieben wurde. Es entstanden so zum Beispiel heroische Bilder, meist von Politikern aus dem Zeitgeschehen. Ab den 70er Jahren des 20.Jahrhunderts begannen die Künstler jedoch, den Sozialistischen Realismus kritisch zu sehen, zumal die pauschale Einteilung der Kunstwerke nach "richtig" und "falsch" an die NS-Zeit erinnerte, in der man die Kunst ebenfalls einteilte.

FarbwahnTV: Vernissage Hasso von Henninges

2011-09-30T00:05:00.001+02:00

Und nachträglich noch bewegte Bilder zur Vernissage von Hasso von Henninges, die am 18.September in Kronach stattgefunden hat (hier gibt's den Artikel dazu). Hier geht's zum FarbwahnTV Channel.

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FarbwahnTV: Neue Nationalgalerie Berlin

2011-09-29T11:49:00.002+02:00

Mit dezenter Verzögerung gibt's jetzt auch noch das Video zur Sammlung der Neuen Nationalgalerie Berlin (hier Artikel dazu lesen, hier Bildersammlung ansehen). Die Neue Nationalgalerie beherbergt Kunst der ersten Hälfte des 20.Jahrhunderts, vom Expressionismus über Surrealismus bis hin zum Konstruktivismus und Konkreter Kunst. Hier geht's zum FarbwahnTV Channel.

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10 Jahre Leopold Museum

2011-09-27T23:05:00.004+02:00

Wie ich mittlerweile schon sehr oft erwähnt habe, feiert das Leopold Museum in Wien momentan seinen zehnten Geburtstag. Zur Geburtstagsparty letzten Donnerstag, 22.September 2011, konnte ich leider nicht persönlich erscheinen, was ich wirklich bedauere. Aber natürlich habe ich mich auf dem Laufenden gehalten, was so alles abgegangen ist. Soeben habe ich auch ein paar Materialien rund um den Geburtstag zusammen gesucht.

Bildquelle: Leopold Museum Facebook Page
Ich muss ganz ehrlich sagen; ich bin schon von den Videos und Fotos mehr als begeistert. Die Lichttapete schaut unheimlich toll aus & es ist einfach unglaublich, was sich das Leopold Museum anlässlich des Jubiläums alles hat einfallen lassen.

Hier geht's zum youtube Channel des Leopold Museum.

Ich hoffe sehr, dass ich es bis spätestens Ende Januar 2012 noch einmal in die österreichische Hauptstadt schaffe, um wenigstens ein bisschen vom Jubiäum mit zu erleben und natürlich die Egon Schiele Ausstellung "Melancholie und Provokation" zu besuchen.

Hier geht's zum youtube Channel des Leopold Museum.

Hier geht's zum youtube Channel des Leopold Museum.

Was ich des Weiteren außerordentlich finde, ist die gute Präsenz des Leopold Museums - vorallem im Internet. Sowohl bei Facebook, als auch bei youtube oder schlichtweg auf der eigenen Homepage (hier) hält das Haus die Fans auf dem Laufenden. Und das wie kein anderes Museum, das ich bis jetzt kenne. Hut ab!

Happy Birthday Farbwahn - Seit 2 Jahren wahnsinnig

2011-09-26T00:05:00.003+02:00

Ein Grund zum feiern: Farbwahn gibt's jetzt seit genau zwei Jahren. Am 26.September 2009 meldete ich den Blog bei Blogger an, ehe ich im Juli letzen Jahres nach Blogspot umgezogen bin. Für alle die diesen Blog nicht schon seit Anfang an verfolgen und nicht so genau wissen, wie die Idee überhaupt entstanden ist: Der Gedanke über künstlerische Themen zu schreiben schwebte mir eigentlich schon lange vor. Den festen Entschluss fasste ich, als ich mir an jenem besagten Tag, dem 26.September 2009, einem Samstag, die Haare rosa bzw. pink färbte. Meine Mutter kommentierte das nur so: "Jetzt ist bei dir endgültig der Farbwahn ausgebrochen" - und so entstand der Name und nur wenige Stunden später der Blog.

Der Weg hierher und zu qualitativ halbwegs guten Artikeln war lang und zugegeben auch schwer. Wenn ich meine allererste Zeilen heute lese, muss ich schmunzeln (zum Glück sind sie mit dem alten Blog verschwunden...). Ich habe damals ca. einmal pro Woche etwas geschrieben. Meistens ein paar kurze Sätze über (vorwiegend) zeitgenössische Künstler, die ich z.B. aus Myspace kannte (jaaa, damals war Myspace noch in). Wenn man bedenkt, dass ich nun beinahe tagtäglich kreuzundquer durch die Kunstgeschichte irre, kann man sagen, dass ich mich ziemlich gesteigert hab. Ich glaube ehrlich gesagt auch, dass ich ohne diesen Blog nie so viel gelernt hätte. Es hat mich irgendwie motiviert erst über Kunst zu lesen und mein Wissen anschließend hier zu teilen. Und es motiviert mich auch jetzt noch. Wenn man über etwas schreibt, behält man das ja bekanntlich länger im Kopf - das stimmt. Und es macht irre Spaß! Jetzt freue ich mich auf ein neues Jahr mit euch & Farbwahn und natürlich auf mein langersehntes Studium der Kunstgeschichte in Berlin. Danke.

Ateliertage des BBK Oberfranken / Andrea Partheymüller-Gerber

2011-09-24T23:12:00.005+02:00

Ich weiß nicht, wie das geschehen konnte, doch ich habe die Ateliertage des BBK Oberfranken (Berufsverband Bildender Künstler) verschlafen. Zum 14. mal öffneten Ateliers in ganz Oberfranken (Bamberg, Hallstadt, Kronach, Mainleus, Pressek, Bayreuth, Igensdorf/Oberrüsselbach und Mistelgau) ihre Türen, um Kunstinteressierten unter dem Motto "Ein Blick hinter die Kulissen der bildenden Kunst" einen Einblick in das Arbeiten der Künstler zu gewähren. Teilnehmende Künstler sind Heidrun Schimmel, Peter Schoppel, Norbert Beck, Christiane Toewe, Adelbert Heil, Rosa Brunner, Judith Siedersberger, Susanne Braun, Matthias Börner, Gurdrun Besslein-Bauer, George Farmer, Waltraud Scheidel, Harald Burger, Günther Wolfrum, Gudrun Schüler, Brigitte Böhler, Margit Rehner, Bernd Romankiewitz, Friedemann Gottschald, Peter Coler, Kerstin Kassel, Robert Siebenhaar und last not least Andrea Partheymüller-Gerber, eine meiner ehemaligen Kunstlehrerinnen. Besonders ihr Atelier im idyllischen Kronach hätte mich schwer interessiert. Die Malerin achtet besonders auf den Lichtfluss in Räumen oder in der Natur, sprich auf Licht und Schatten. Durch dieses Lichtspiel entstehen viele verschiedene Farben, die die Künstlerin sichtbar machen will. Seit 2003 benutzt Andrea Partheymüller-Gerber auch selbsthergestellte Pflanzenfarben (Selbstherstellung seit 2008). Da sich die Malerin sehr für Heilkräuter interessiert, glaubt sie auch, dass Bilder, welche mit Pflanzenfarbe gemalt wurden, eine heilende Wirkung auf den Betrachter haben. Ein äußerst faszinierender Gedanke, wie ich finde. Zwar sind die teilnehmenden Ateliers auch morgen noch für Besucher zugänglich, doch ich habe leider zu viel anderes zu erledigen. Für mehr Information über die Malerin Andrea Partheymüller-Gerber einfach hier klicken.
Quelle: Tageszeitung "Fränkischer Tag", Beitrag von Carmen Dotterweich

Berlin: Kunst- u. Antiquitätenmesse / Wien: 10 Jahre Leopold-Museum

2011-09-21T14:52:00.010+02:00

Mein erster Pflichttermin in Berlin (ich gehe doch nicht nach München): vom 17. - 20.November 2011 findet in der Großen Orangerie im Schloss Charlottenburg am Spandauer Damm die jährliche Kunst- und Antiquitätenmesse statt. Präsentiert werden u.a Bilder, Geschirr, Möbel und andere Kunstgegenstände. Als Studentin der Kunstgeschichte darf ich mir das natürlich nicht entgehen lassen. Ich bin ein großer Fan von Antiquitäten und sammle selbst alles, was zuhause bei Oma, Opa und anderen Verwandten anfällt.

Ich habe vor einiger Zeit außerdem schon einmal erwähnt, dass das Leopold Museum in Wien dieses Jahr seinen zehnten Geburtstag feiert (an dieser Stelle wirklich meinen herzlichsten Glückwunsch!). Und dieser Tag ist genau heute, am 21.September. Anlässlich des Jubiläums präsentierte das Haus jeden Samstag einen kostenlosen Vortrag für alle Museumsbesucher. Jetzt setzt das Leopold Museum noch einen drauf: morgen wird die offizielle Jubiläumsausstellung eröffnet: "Egon Schiele - Melancholie und Provokation". Die Sonderausstellung wird bis zum 30.Januar 2011 zu sehen sein und klingt wahnsinnig spannend. Im Mittelpunkt wird Schieles Frühwerk um 1910 stehen. Nach der offiziellen Eröffnung findet ab 21 Uhr die "10 Jahres Party" statt, zu der jeder (auf Anmeldung) eingeladen ist. Ich hoffe natürlich, dass ich es in diesem Jahr noch einmal nach Wien schaffen werde, um mir diese vielversprechende Ausstellung anzusehen. Vielleicht zur Weihnachtszeit. Ab 04.November beginnt auch eine weitere Ausstellung über die Zeichnungen und Grafiken von Hermann Nitsch. Für die Raumgestaltung im Museum hatte man eine sog. Lichttapete von Fritz Fitze installiert. Das Leopold Museum lässt es eben so richtig krachen. Klick hier für mehr Information.

Hier geht's zum youtube Channel des Leopold Museum.

Vernissage: Hasso von Henninges

2011-09-19T10:30:00.009+02:00

Gestern Abend besuchte ich die Vernissage zur Ausstellung von Hasso von Henninges, unter dem Motto: "einmal nur etwas Stille und nicht zu grelles Licht" in den Galerieräumen des Kronacher Kunstvereins. Eingeführt wurde von Dr.Marina von Assel aus dem Kunstmuseum Bayreuth, an deren Vortrag ich mich im Nachfolgenden orientiere. Geboren wurde Hasso von Henninges 1943 in Berlin, seit 1974 lebt er in Nürnberg. Verheiratet ist er mit der SPDlerin Renate Schmidt.

Zu Beginn seines künstlerischen Schaffens verwendete von Henninges ausschließlich Schwarz und Weiß - also hell und dunkel, im übertragenen Sinn gut und böse. Er liebte hohe Hell-Dunkel-Kontraste, was an expressionistische Holzschnitte erinnert, die ebenfalls mit Unfarben Spannung erzeugten. Irgendwann fügte der Künstler Rot hinzu, welche als Assoziation für Wärme, Blut, also Leben und Bewegung, steht. Dann addierte von Henninges noch Grau, um die Rückführung zum Ursprung zu verdeutlichen, da Grau bekanntlich die Summe aller Farben ist. Erst auf Lanzarote entdeckte der Künstler die Erdfarben, die heute seine Werke ausmachen. Die Pigmente werden beispielsweise aus Erde, Gestein oder Mineralien gewonnen und sind teilweise mehrere millionen Jahre alt. Die Farben sind also nicht chemisch erzeugt, sondern sind rein natürlich, was ihre beruhigende, harmonische Wirkung unterstreicht. Nun bemüht sich der Künstler, Farbharmonien zu erzeugen, die sich positiv auf den Betrachter auswirken, ihn z.B. beruhigen und ähnlich einem Ton (Farbklang) in den Raum hinein klingen. Durch diese Wirkung teilt ein Bild im übertragenen Sinn Stimmungen oder Gefühle mit, man kann fast sagen, es wird dem Publikum zum Gegenüber, dem es sich mitteilt. Hasso von Henninges sagt über sein Schaffen selbst, dass er der Farbe Form geben möchte, sie dabei aber nicht in eine feste Form zwängen will. Er will die Farbe unabhängig von einem Gegenstand verwenden und reduziert seine Werke daher auf das Wesentliche: die Farbe. Es gibt keine formale Ablenkung. Für von Henninges ist die Malerei außerdem ein Handwerk. Er stellt seine Farben sozusagen selbst her, indem er die Pigmente mit einem Bindemittel auf raues Papier etc. aufträgt. Für diese Arbeit hat er die verschiedensten Techniken. Ausstellungen des Künstlers sind meist Rauminstallationen und sehr sparsam. D.h er geht sparsam mit den Exponaten um, sparsam mit der Form und sparsam mit der Farbvariation. (Dr.Marina von Assel)

Die Ausstellung ist wirklich klasse. Ich glaube, es ist sehr schwer sich das vorzustellen, aber die Bilder haben eine enorme Wirkung. Bei kontemporärer Kunst lässt sich bekanntlich immer üben den Kunstgehalt streiten, aber diese Bilder erfüllten ihre Aufgabe und strahlten "einmal nur etwas Ruhe" aus - daher zweifle ich keineswegs daran, dass es wirklich geniale Kunst ist. In der Vernissage zu sitzen glich einer Medidation. Es ist schwer zu beschreiben. Außerdem passt sowohl die ruhige Stimmung, als auch die Farbigkeit sehr gut zur Jahreszeit: Herbst.

P.s wenn ich Ausstellungen, Museen oder Vernissagen besuche und ihr dabei sein wollt, folgt Farbwahn bei Twitter (klick hier). Ihr werdet nichts mehr verpassen und immer sofort die neusten Infos und Bilder sehen, noch bevor sie auf dem Blog erscheinen.
Weitere Links: http://www.hassovonhenninges.de/ || http://kunstverein-kronach.de.tl/

Bildersammlung: Sonja Sekula

2011-09-17T11:21:00.014+02:00

Die 1918 geborene Sonja Sekula zählt zu den Künstlern der Nachkriegszeit und lebte und arbeitete abwechselnd in Zürich und New York. Sie fand nie einen konkreten Platz in der Kunstgeschichte, da ihre Werke kaum eingeordnet werden können. Sekula gehörte zu dem Kreis um John Cage und wurde auch von den Surrealisten anerkannt. Ihre Freunde sagten über die Künstler, dass sie oft desorientiert oder wirr war und völlig zusammenshanglose Ideen hatte. Das war wohl der Grund, weshalb sie bei den Surrealisten gerne gesehen wurde. Wie bereits erwähnt gehörte Sekula keiner konkreten Stilrichtung an. Während einige ihrer Werke als genail bezeichnet wurden, fragte man sich bei anderen, ob man sie überhaupt als "Kunst" bezeichnen konnte. Einige Bilder sind geometrisch und strukturiert aufgebaut, sodass sie an den Konstruktivismus erinnern, andere zeigen wie im Wahn entstandene, wirre Linien, wieder andere erinnern an die abtrakte Kunst von Kandinsky. Meist malte sie auf kleinem Format. Die Frau war sehr vielfältig und ein Paradoxon. Mal war sie übertrieben fröhlich und optimistisch, mal war sie zu tiefst traurig. Mal hatte sie Heim-, mal hatte sie Fernweh. Und in manchen Lebenssituationen, fürchteten ihre Freunde um ihre Gesundheit. Viele Werke sind unbetitelt und befinden sich in Privatbesitz. Daher hoffe ich, dass es keine Komplikationen auf Grund der Bildern gibt. Um alle Bilder ansehen zu können, klicke nach dem Teaser auf "Ganzen Artikel ansehen". Danke

Ohne Titel, 1958

Ohne Titel, 1962

Ohne Titel, 1962

Ohne Titel, 1961

Le présence de l'illuminíe, 1945

Private Totem, 1947

The Sun Room, 1948

L'arrivée des dieux, 1949

Poem for You, 1951

Quelle: Dieter Schwarz - Sonja Sekula, Stamperia Valdonega, Verona, 1996, ISBN: 3-906664-10-4

Katalog: Sonja Sekula

2011-09-15T12:31:00.008+02:00

Gestern ist in den Tiefen unseres Bücherschranks ein Katalog über die Künstlerin Sonja Sekula (1918 - 1963) aufgetaucht, welchesr 1996 anlässliche einer Ausstellung im Kunstmuseum Winterthur in der Schweiz, herausgegeben wurde. Dem Buch waren Broschüren und Infoblätter über Künstlerin & Ausstellung beigelegt. Bei dem Band handelt es sich um die erste Biographie überhaupt, die über die schweizer Künstlerin der Nachkriegszeit niedergeschrieben wurde. Anhand von Briefen, Interviews etc. wurde das Leben der Sonja Sekula rekonstruiert und vom Autor Dieter Schwarz geschrieben. Die Künstlerin pendelte ihre Leben lang zwischen Zürich und New York hinundher, d.h. sie wurde sowohl von der europäischen Kunst (welche nach dem Zweiten Weltkrieg zwar stockte und sich nur langsam weiterentwickelte), als auch von der amerikanischen beeinflusst, was ihr einen festen Platz in der Kunstgeschichte verwehrte. Ihr Name taucht u.a. im Zusammenhang mit Künstlern wie Frida Kahlo, Max Ernst, Marcel Duchamp oder Jackson Pollock auf. Auch war sie mit André Breton gut befreundet. Ihre Kunst ist beeinflusst von Strömungen wie dem abstrakten Expressionismus oder dem Surrealismus. Dennoch liegt Sekulas Hauptaugenmerk auf der Linie. Das Buch ist auf deutsch geschrieben und beinhaltet auch eine englische Übersetzung, da die selbe Ausstellung auch in New York zu sehen war.
Weitere Einblicke:

Dieter Schwarz - Sonja Sekula, Stamperia Valdonega, Verona, 1996, ISBN: 3-906664-10-4

Gemälde: Wassily Kandinsky - Improvisation 19

2011-09-14T11:53:00.010+02:00

Wassily Kandinsky's Ölgemälde "Improvisation 19" aus dem Jahre 1910 misst 120 x 141,5 cm und befindet sich in der Städtischen Galerie im Lenbachhaus, München.

Auf Kandinskys Werk sind erst auf dem zweiten Blick zwei schemenhafte Personengruppen vor einem farbenfrohen Hintergrund zu erkennen. Während die nur durch Konturen dargestellten Menschen in der linken Bildhälfte von "hinten nach vorn" in das Bild laufen, bewegen sich die Personen in der rechten Bildhälfte vom Bildraum weg. Die Farben sind gegenstandslos, nicht auf Flächen begrenzt und gehen so über die Konturen hinaus. Während sich rechts im Bild vorwiegend kühles, nüchternes Blau (in Kandinskys Farbensprache für das Spirituelle stehend) befindet, dominieren am linken Rand warme Farben wie Gelb oder Rot. Ich interpretiere diese Farbwahl völlig unabhängig von Anderen so: warme, heitere Töne, welche Fröhlichkeit ausdrücken, stürmen ähnlich einem Kriegszug in das kühle Bild und vertreiben das nüchterne Blau. Ich sehe das als Anspielung auf den damals bevorstehenden Ersten Weltkrieg, welcher von den expressionistischen Künstlern als "Reinigung" erwartet wurde, die die traditionellen Formen wegwäscht und den Weg für eine völlige neue Kunstform ebnet. Das Rot und das Gelb könnte also auch für Impulsivität stehen. Die Expressionisten sind bekanntlich sehr radikal gewesen. (auch wenn Kandinsky lange nicht so kriegsbegeistert war, wie andere Zeitgenossen wie z.B. Marc) Ebenso, wie die neue moderne Malweise Einzug in die Kunst hält, so tritt auch die linke Personengruppe in den Bildraum ein und vertreibt die Anderen. Erwähnenswert ist an dieser Stelle auch, dass Kandinsky der erste Künstler überhaupt war, der ein völlig gegenstandsloses, abstraktes Bild malte (1914). Das Werk trägt den Titel "Improvisation 19" - als Improvisationen bezeichnete Kandinsky Bilder, die abstrakt und spontan sind (improvisiert), aber eine metaphorische Aussage enthalten (hier ähnlichen Artikel lesen). Für mich ist diese Aussage die Verdrängung des Althergebrachten.

München: Lange Nacht der Museen am 15.Oktober 2011

2011-09-12T22:15:00.012+02:00

Am 15.Oktober 2011 findet in München zum 13.mal "Die lange Nacht der Museen" statt. Von 19 - 2 Uhr sind über 90 Institutionen und Museen geöffnet. Das Ticket kostet einmalig 15€ (ab 14 Jahre) und beinhaltet Eintritt in alle teilnehmenden Häuser und auch den Fahrpreis für den MVG-Shuttlebus, der von Station zu Station fährt. Folgende Museen machen u.a mit (klicke auf den Namen, um zur jeweiligen Website zu gelangen): die Staatliche Antikensammlung, die Glyptothek, der Kunstbau des Lenbachhaus', die Pinakotheken, das Museum Brandhorst, das Museum Villa Stuck, die Sammlung Schack, das bayerische Nationalmuseum oder das Haus der Kunst. Detailierte Info zu der Veranstaltung findet ihr nach dem Klick hier.
p.s ab Oktober gibts nach dem Klick hier eine App zur Museumsnacht.
p.p.s Hier gibt's ein kleines Video über die Alte Pinakothek München

Dave Beckerman und das World Trade Center

2011-09-11T14:36:00.005+02:00

Anlässliche des 10.Jahrestags der Anschläge auf das World Trade Center in Manhattan, möchte ich euch dieses Werk vom Photographen Dave Beckerman zeigen, in welchem er seine eigenen Erfahrungen jenen Tages verarbeitete. Ich für meinen Teil liebe die Stimmung in diesem Bild. Zwar stehen die Twin Towers noch, da das Gemälde nach einem über 20 Jahre alten schwarz-weiß Negativ entstanden ist, doch die bedrohliche Atmosphäre lässt die bevorstehende Katastrophe erahnen. Ich möchte nicht viele Worte verlieren, sondern nur, dass ihr das Bild auf euch wirken lasst.

Quelle: klick hier // http://www.beckermanphoto.com/

Ausstellung: Hasso von Henninges

2011-09-07T16:24:00.007+02:00

Heute kam die Einladung zur Vernissage der neuen Ausstellung in den Galerieräumen des Kronacher Kunstvereins. Vom 18.September bis 16.Oktober 2011 werden "Konkrete Kunst" und Farbfeldmalereien von Hasso von Henninges unter dem Motto "... einmal nur etwas Stille und nicht allzu grelles Licht" ausgestellt. Henninges Kunstauffassung liegt die Farbe zu Grunde, welche völlig gegenstandlos, allein für sich auf einem Bildträger existiert und auf den Betrachter wirkt. Seinen streng geometrisch angeordneten Farbflächen setzt der Künstler sanfte Malmaterialien wie Pastellkreide entgegen. Die durch die Bilder erzeugte Ruhe geht sofort auf den Betrachter über.

Ich kann noch nicht genau sagen, ob ich Zeit habe am 18.September um 18:00 Uhr die Vernissage zu besuchen, werde es aber natürlich versuchen. Eingeführt wird durch Dr. Marina von Assel aus dem bayreuther Kunstmuseum. Ich bin ehrlich gesagt schon gespannt auf die Werke, da ich noch nie eine Ausstellung mit "Konkrete Kunst" besucht habe - ich bin sehr neugierig. Finissage ist am 16.Oktober um 15 Uhr, wo Henninges und R.Schmidt aus ihrem Sahara-Reisetagebuch vorlesen - sich auch sehr interessant. Theoretisch bin ich zu dieser Zeit schon in München, aber die Überlegung hierfür doch nochmal nach Hause zu fahren ist es wert. http://kunstverein-kronach.de.tl/

Bildersammlung: Romantik

2011-09-06T13:33:00.015+02:00

Ob man unter "Romantik" eine Stilepoche oder viel mehr eine Weltanschauung verstehen soll, nun darüber streiten sich die Geister. Zeitlich lässt sich die Romantik zwischen Revolution (Ende 18.Jahrhundert) und Restauration (Anfang/Mitte 19.Jahrhundert) ansiedeln. Salopp gesagt handelt es sich bei jener Strömung um eine Reaktion auf die Überbetonung des Rationalen in der Aufklärung des 18.Jahrhunderts. Die (französische) Revolution gegen Ende des 18.Jahrhunderts erfüllte nicht die Erwartungen und so begannen die Menschen sich wieder aus dem (politischen) Zeitgeschehen zurückzuziehen. So kam es beispielsweise auch zum Biedermeier. Die Romantik ist die Gegenströmung zum Rationalismus, der keinen Raum mehr für Wünsche, Geheimnisse, Religion, Märchen etc. gab. Orientierung für den Rückzug suchte man im Mittelalter, welches weit in der Vergangenheit lag, verklärt und von Aufklärung oder Revolution unberührt war. Besonders die Religion und die Mythik waren im Mittelalter sehr geheimnisvoll, sodass beides in der Romantik an Bedeutung gewann. Man glaubte an den Pantheismus, was die Faszination an Landschaftsbildern erklärt. Die Natur als das Ursprüngliche, welches frei ist von aller Politik. Um alle Werke ansehen zu können, klicke nach dem Teaser auf "Ganzen Artikel ansehen". Danke
Caspar David Friedrich, leider habe ich mir keine Notizen zu diesem Bild gemacht.

Joseph Rebell, Meeressturm beim Arco di Miseno bei Miliscola mit Blick nach Nisida, 1819, Öl auf Leinwand, 99 x 137 cm, Belvedere Wien (bis Jan.2012: Alte Nationalgalerie Berlin)

Caspar David Friedrich, Felsenlandschaft im Elbsandsteingebirge, 1822/23, Öl auf Leinwand, 94 x 74 cm, Belvedere Wien

Thomas Ender, Der Großglockner mit der Pasterze, 1832, Öl auf Leinwand, 39 x 54 cm, Belvedere Wien

Caspar David Friedrich, Wanderer über dem Nebelmeer, 1818, Öl auf Leinwand, 74,8 x 94,8 cm, Kunsthalle Hamburg

Caspar David Friedrich, Kreidefelsen auf Rügen, 1818, Öl auf Leinwand, 90,5 x 71 cm, Stiftung Oskar Reinhart Winterthur

Caspar David Friedrich, Eismeer, 1823/24, Öl auf Leinwand, 96,7 x 126,9 cm, Kunsthalle Hamburg

Caspar David Friedrich

2011-09-05T15:48:00.006+02:00

Der wohl berühmteste Vertreter der romantischen Malerei, Caspar David Friedrich, ist 1774 in Greifswald, Vorpommern (damals noch zu Schweden gehörend) geboren worden und studierte von 1794-1798 an der Kunstakademie in Kopenhagen, nachdem er um 1790 Zeichenunterricht erhielt. Seine Faszination für Landschaftsbilder/Landschaftsarchitektur zeigte sich früh. 1798 zog Friedrich nach Dresden, wo er sein Studium abschloss. Ab 1801 begann der Maler zu reisen, um sich der Landschaftsstudie zu widmen. 1810, nachdem der Künstler sein berühmtes Werk "Möch am Meer" malte, wurde er Mitglied bei der Königlichen Kunstakademie in Berlin. Sechs Jahre später tritt er der Dresdner Kunstakademie bei. Im Jahre 1818 heiratete Friedrich Caroline Bommer, die ihm drei Kinder schenkte. 1835 erlitt der Künstler eine Schlaganfall und konnte nicht mehr malen. Fünf Jahre später, am 7.Mai 1840 verstarb Caspar David Friedrich im Alter von 65 Jahren, in Dresden. Friedrichs Bilder zeugen von einer pantheistischen Weltsicht, welche für die Romantik typisch war. Im Gegensatz zur Natur, stellt der Maler Personen nur klein (wenn überhaupt) dar. Meist handelt es sich um einsame Rückenfiguren, die als Identifikationsbrücke für den Betrachter dienen.

Suche: Wohnung in München

2011-09-04T10:48:00.007+02:00

Da ich seit zwei Wochen nur noch Absagen von Vermietern erhalten habe und schon mehrmals umsonst nach München gedüst bin, krieg ich langsam aber sicher Panik keine Unterkunft mehr zu finden. Zumindest keine längerfristige (mind. ein Semester, also bis Ende März 2012). Zwischenmieten hätte ich als Notfallplan. Jedenfalls gehen mir langsam die Angebote aus, deswegen versuch ich's mal über den Blog, wo es zwar eigentlich nicht hin gehört aber wie gesagt, ich krieg langsam Panik. Also ich suche: Gemütliche Ein-Zimmer-Wohnung in München (vorzugsweise Schwabing, aber eigentlich ist der Stadtteil egal). Auch Apartments, Einzelzimmer oder Untermiete wären okay. Dachte so an max. 25m² und max. 400€ pro Monat.
Falls ihr also gute Adressen oder Wohnhäuser etc. kennt, würde ich mich freuen, wenn ihr mir evtl. Kontaktdaten oder ähnliches verraten könntet. Wäre richtig super! Wie gesagt ziehe ich auch vorläufige Zwischenmieten in Betracht, d.h. selbst wenn bis zum Semesterbeginn am 01.10.11 nichts frei wäre, wäre es mir auch recht erst im November einzuziehen. Bis Dezember wäre ich dann allerdings gern untergebracht. Ihr könnt den Artikel auch weiterleiten oder teilen. Zum Teilen (E-mail, Facebook, Twitter, Blogger etc.) benutzt die Buttons unter dem Artikel. Freue mich über jede Hilfe. Danke

Bildbeschreibung: Egon Schiele - Die Umarmung

2011-09-02T16:37:00.013+02:00

Das Gemälde "Die Umarmung (Liebespaar II, Mann und Frau)" vom österreichischen Maler Egon Schiele, aus dem Jahre 1917 (ein Jahr vor Schieles Tod) ist mit Öl auf Leinwand gemalt und misst 100 x 170 cm. Es ist unbezeichnet und befindet sich im Belvedere in Wien.
Das Gemälde zeigt, wie der Name schon sagt, ein insichverschlungenes, nacktes Liebespaar auf einem zerknitterten weißen Tuch, welches diagonal von der rechten oberen Bildecke zur unteren linken Ecke verläuft und auf einem nicht zu definierenden gelb-braunen Untergrund liegt. Eine weißhäutige, auf dem Rücken liegende Frau erwidert die Umarmung eines schwarzhäutigen Mannes, welcher nur in Rückenansicht zu sehen ist. Keine der beiden Personen nimmt Blickkontakt mit dem Betrachter auf. Das Paar ist ganz auf sich konzentriert. Schieles Gemälde wirkt sehr dynamisch, da hauptsächlich diagonale bzw. schräge Linien auszumachen sind. Auch die wilden Pinselspuren und der wirre Faltenwurf der Decke unterstreichen die Dynamik. Besonders der dreckige gelb-braune Hintergrund wirkt sehr unruhig. Die dunklen Haare der Frau bilden einen Hell-Dunkel-Kontrast zum weißen Tuch. Doch auch die beiden Körper in ihren unterschiedlichen Hautfarben stehen im Kontrast zueinander. Das Paar und ihre Unterlage wirken sehr plastisch, da die Körper sehr gut ausgearbeitet sind. Der Hintergrund hingegen wirkt flächig. Durch Überschneidungen, wie beispielsweise im Faltenwurf zu erkennen, wirkt das Bild räumlich (bis auf den Hintergrund). Besonders auffallend in dem Bild ist eben der Kontakt zweier Menschen mit unterschiedlicher Hautfarbe. Dass die beiden Personen zusammen in einer Umarmung dargestellt sind, lässt darauf schließen, dass sich die zwei gegenseitig annehmen und respektieren. Sie werden nicht unterschieden. Auch die Tatsache, dass beide nackt und so auf gewissen Weise schutzlos sind, deutet auf Gleichheit hin. Erwähneswert ist auch, dass das Werk während des ersten Weltkriegs entstand. Doch nicht nur die traurige Kriegsstimmung, sondern auch Schieles persönliche Melancholie sind in das Bild eingeflossen. Vielleicht sind die beiden Protagonisten traurig und umarmen sich deshalb zum Trost - das könnte eine mögliche Deutung sein, da die Personen nicht zum Betrachter blicken. Leidenschaftlich wirkt die Haltung nur bedingt. Eher verkrampft. Auch das unnatürlich stark zerknitterte Tuch mag ein Hinweis auf Schieles innere Bewegtheit sein bzw. auf das durch den Krieg verursachte Chaos. 1910 schrieb Schiele über seine Heimatstadt: "In Wien ist Schatten, die Stadt ist schwarz..."*. Eventuell könnte das weiße Tuch aber auch als Chiffre für Sicherheit stehen, da das Paar mittig platziert ist und zu allen Seiten vom Stoff geschützt ist, vom undefinierbaren gelb-braunen Untergrund geschützt ist (das Paar wirkt weich gebettet). Aufgrund des wilden Pinselrhythmus' und der Dynamik lässt sich das Gemälde in den Expressionismus einordnen. Auch die relativ kantigen Konturen (besonders der Körper) weisen auf diese Epoche hin und steht im Gegensatz zu den sonst geschwungenen, dekorativen Linien des Jugenstils, welcher zur selben Zeit (besonders in Wien) beliebt war. Andere typische Kennzeichen des Expressionismus, wie extreme Farbigkeit, erfüllt das Gemälde jedoch nicht. Von einer "Weltuntergangsstimmung" kann man wiederrum ausgehen.
*Zitat aus PAN 7/86, Artikel von Hans Dichand

Bildersammlung: Salvador Dalí

2011-08-31T15:56:00.013+02:00

Zum Repeatoire des spanischen Künstlers Salvador Dalí gehören seine weichen, zerfließenden Uhren, deren Idee entstand, als der Maler einen verdorbenen Camembert ansah, brennende Giraffen oder in Einzelteile zerlegte Menschen aus fragwürdigen Perspektiven. Dalís Malweise ist dabei gerade zu brilliant realistisch. Doch wie kommt der Spanier zu seinen verrückten Motiven? Er widmete sich der "paranoisch-kritschen Analyse" - seine persönlichen Weltanschauung des Irrationalen. Dabei fantasiert der Künstler, steigert seine Innenbetrachtung bis zum Wahnsinn. Er nutzt Illusionen und Halluzinationen als Muse. Seine Ideen sind jedoch nicht einfach aus der Luft gegriffen, nein, sie sind übersteigerte Realitäten, die nur ihre Logik verlieren. Dalí löst sich so von der rationalen Kontrolle. Diese Vorstellung, welche die Surrealisten ab den 1920er Jahren verbindet, entsteht aus dem Bewusstsein, dass die bisherige Wahrnehmung zu beschränkt sei. Der Mensch darf nicht nur rationelles erfahren, was lediglich zu einer "Scheinordnung" führt. Außerdem glaubten die Surrealisten, dass der Mensch Tabus brechen muss, um sein Bewusstseinsfeld zu erweiteren (also um nicht nur auf logisches zu achten). Der Mensch/Künstler muss die tiefsten Tiefen seiner Psyche nach oben kommen lassen und seine Fantasien leben, um sich von der strengen Kontrolle durch die Ratio zu lösen.
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Die Versuchung des hl.Antonius, 1946, Öl auf Leinwand, 89,7 x 119,5 cm, Musées des Beaux-Arts de Belgique, Brüssel

Der Brotkorb: Lieber Tod als Schande, 1945, Öl auf Holz, 33 x 38 cm, Fundació Gala-Salvador Dalí, Figueras

Frau mit Rosenhaupt, 1935, Öl auf Holz, 35 x 27 cm, Kunsthaus Zürich

Galarina, 1944/45, Öl auf Leinwand, 64,1 x 50,2 cm, Fundació Gala-Salvador Dalí, Figueras

Das Schiff (Kostümentwurf für "Der wahnsinnige Tristan"), 1942/43, Gouache auf Papier, 63 x 46 cm, Salvador Dalí Museum St.Petersburg

Leda Atomica, 1949, Öl auf Leinwand, 61,1 x 45,3 cm, Fundació Gala-Salvador Dalí, Figueras

Schwäne spiegeln Elefanten, 1937, Öl auf Leinwand, 51 x 77 cm, Cavalieri Holding Ca. Inc., Genf

Spinnen am Abend - Hoffnung, 1940, Öl auf Leinwand, 40,5 x 50,8 cm, Salvador Dalí Museum, St.Petersburg

Bilder: Norbert Wolf - Salvador Dalí, Parragon

Jacques-Louis David

2011-08-30T00:05:00.008+02:00

Einer der wohl bekanntesten Historienmaler des Klassizismus, Jacques-Louis David, wurde am 30.August 1748 in Paris geboren. Studiert hat David ab 1766 an der "Académie royale de peinture et de sculpture". Als er 1774 für ein Gemälde den ersten Preis des "Prix de Rome" (Rom-Preis) erhielt, reiste er 1775 für fünf Jahre nach Italien. Dort widmet sich der Künstler der Antike und studiert u.a. auch die Werke von Michelangelo oder Raffael. 1781 kehrte David nach Frankreich zurück, wo er von nun an große Anerkennung genoß, denn seine typisch klassizistischen Historienbilder wurden bewundert. Sein Werk "Schwur der Horatier" wurde im Salon sogar als bestes Gemälde des Jahrhunderts gefeiert. Selbst Hofmaler des französischen Königshaus' wurde David. Als Ironie des Schicksals kann es dann gesehen werden, als der Maler 1789 aktiv an der Französischen Revolution teilnimmt und sich so gegen den König stellt. 1794 kommt er ins Gefängnis. 1805 wird David dann Hofmaler für Napoléon. Als dieser jedoch verbannt wird, muss auch David Frankreich verlassen. 1814 flüchtet er nach Brüssel, wo er am 29.Dezember 1825 stirbt und beerdigt wird. Sein Herz aber wurde wieder nach Paris gebracht.

Danke für 100 Leser!

2011-08-29T00:05:00.006+02:00

Farbwahn bedankt sich hiermit bei den nunmehr 100 Lesern bzw. Mitgliedern (passend dazu auch 10.000 Besucher), die diesen Blog regelmäßig lesen und verfolgen. Ich weiß, dass nicht jeder Mensch offen für den gewöhnlich trockenen Stoff der Kunstgeschichte und Kunsttheorie ist, besonders wenn man schon von Natur aus wenig Interesse an der Kunst zeigt. Deswegen freue ich mich umso mehr, dass nun schon mehr als einhundert Leute Gefallen an der Aufmachung meines Blogs finden und meine Artikel lesen (es werden doch hoffentlich noch mehr?).

Ich versuche wirklich alles, um das Thema Kunst für alle sympathisch zu machen und freue mich natürlich auch über Feedback. Ideen, Verbesserungsvorschläge etc. nehme ich daher gerne und dankend an. Seid doch bitte kooperativ! In der Sidebar findet ihr nun außerdem regelmäßig Umfragen, durch die ihr mir indirekt die Meinung geigen könnt. Das hilft nicht nur mir, sondern auch euch.
Wie ihr vielleicht außerdem schon gemerkt habt, arbeite ich sehr gerne mit Künstlern zusammen (In Form von Interviews etc.). Das würde ich gerne noch vertiefen und bin daher ständig auf der Suche nach netten Kunstschöpfern. Sollte jemand jemanden kennen, oder sollte jemand selbst Kunst schaffen (Fotografie, Malerei usw.) würde ich mich natürlich sehr freuen, wenn ihr auch von euch aus auf mich zukommen und mir so die Suche erleichtern würdet. Wer also Lust auf Kooperation hat - ich bin gerne dazu bereit. Es müssen ja nicht unbedingt Interviews sein. Auch Artikel in Form von Projektvorstellungen, Bildersammlungen oder auch Ausstellungen fände ich sehr interessant... contact me via e-mail: farbwahn@ymail.com

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»Nichts ist so vielfältig wie Menschen« - Interview: Liz Ke

2011-08-28T14:19:00.013+02:00

Liz Ke - Elizabeth Kellerer (Facebook / Website / Blog) - wurde am 06.Januar 1994 geboren und fotografiert seit 2009. In einem kleinen Interview erzählt sie uns etwas über sich & ihre Bilder. Die Art und Weise wie sie ihr Lieblingsmotiv "Mensch" in ihren Foto in Szene setzt ist faszinierend.

Seit wann beschäftigst Du Dich mit Photographie? Was war der Auslöser?
Im Jahr 2009 hab' ich angefangen, viel mit meiner Handykamera zu fotografieren. Landschaften, Menschen, kreative Fotos. Irgendwann waren mir die sehr geringen Fähigkeiten meines Handys zu wenig und ich hab' mir zu Weihnachten eine DSLR gewünscht. Richtig damit fotografiert hab' ich allerdings erst ab etwa März 2010. Einen richtigen Auslöser dafür gibt’s leider nicht; keine Kindheitserfahrungen und keine großen Fotografiebegeisterten in meiner Familie. Es kam einfach.

Wer oder was motiviert und inspiriert Dich?
Mich motiviert und inspiriert vor allem die Vielfalt der Menschen. Ich hab' einen starken Drang, mich selbst weiter zu entwickeln und zu verbessern. Ich bin sehr kritisch gegenüber meinen Fotos, aber ich glaube, das ist gut, denn wenn man zu überzeugt von dem, was man tut, ist, bleibt man stehen und das möchte ich auf gar keinen Fall. Inspiriert werde ich von Menschen, von ganz alltäglichen Situationen oder auch eben von einer Straße auf der die Abendsonne in einem bestimmten Licht scheint. Ich glaube, ein gewisser Teil meines Kopfes ist immer auf Inspiration fokussiert, weswegen ich in wirklich vielen Dingen Inspiration finde. Aber auch andere Fotografen und Blogs tragen dazu natürlich ihren Teil bei.

Was/wo ist Deine Lieblingslocation?
Die Natur. Wiesen, Wälder, Flüsse, Seen, Felsen. Aber auch Städte mit ihren versteckten Gassen und bunten Lichtern. Meine absolute Lieblingslocation ist eine kleine Straße zwischen zwei genauso kleinen Dörfern, die durch den Wald führt (und der Wald dort außenrum), auch wenn ich dort jetzt nicht mehr wohne, würde ich da gern noch einmal shooten.

Was ist Dein Lieblingsmotiv? Und was macht es für Dich interessant?
Menschen. Nichts ist so vielfältig, wie Menschen. Und ich habe es mir zur Aufgabe gemacht, die Persönlichkeiten meiner Models im Vordergrund zu behalten, ohne mich selbst in den Fotos zu verlieren. Menschen sind so verschieden, jeder hat eine andere Ausstrahlung oder Art sich zu bewegen. Das finde ich sehr interessant.

Welches Deiner Photos ist Dein persönlicher Favorit? Und warum?
Das ist mein persönlicher Favorit, seit ich es auf der Kamera gesehen habe:

Ich mag, wie das Licht durch die Federn scheint. Das Foto wurde bei Minusgraden im Ried in dem Dorf, in dem ich 17 Jahre lang gelebt habe, aufgenommen; auch wenn es sehr, sehr sommerlich aussieht. Kaum war es hochgeladen, kamen viele Kommentare, in denen stand, dass es an das Lied "We Are The People" von Empire Of The Sun erinnert; oder zumindest an das Video. Aber im Text zum Lied wird vom Sommer geredet und davon, dass eine Person geht und die andere nicht weiß, wie sie damit umgehen soll, dass aber beide alles über die jeweils andere Person wissen. Und das passt noch mehr als das Video. Das Mädchen auf dem Foto ist meine beste Freundin. Und ich bin vor drei Wochen 50km von ihr weggezogen, alleine. Wir sehen uns jetzt nicht mehr jeden Tag und das ist wirklich schwer. Das Foto erinnert mich an die Zeit, in der wir zusammen waren.

Wie und mit was bearbeitest Du Deine Bilder am liebsten?
Ich bearbeite meine Fotos mit Photoshop CS3, bin mir aber sicher, dass ich noch nicht mal 5% von Photoshop verstanden habe. Außerdem bin ich Fan von natürlichen Fotos und mag's nicht, wenn sie zu sehr bearbeitet sind (auch wenn meine zu wenig bearbeitet sind). Ich kann gar nicht genau sagen, WIE ich sie bearbeite, ich drück' einfach auf irgendwas bei Photoshop und warte, was passiert.

Analog oder Digital?
Meistens Digital, aber auch gerne analog. Auf Festivals oder im Wasser bevorzugt mit Einmalkameras.

Ohne welchen Ausrüstungsgegenstand könntest Du nicht leben? Warum?
Im Grunde vor allem nicht ohne mein Canon EF 50mm f/1.8 Objektiv, weil es so klein und leicht ist, man aber so wunderbare Fotos damit machen kann. Festbrennweiten find' ich sowieso sehr cool.

Was bedeutet Kunst für Dich?
Kunst bedeutet für mich vor allem, mich selbst auszudrücken. Meine Gefühle und meine Gedanken, meine Ideen und meine Kreativität in meine Fotos zu stecken und durch meine Fotografie zum Ausdruck zu bringen.

Hast Du ein Vorbild? Wenn ja – wen?
Ein direktes Vorbild hab' ich nicht, es gibt einfach zu viele, gute Fotografen. Allerdings sind es vor allem die, die nur wenige Jahre älter sind als ich und fotografisch schon unglaublich viel erreicht haben. Das finde ich so unglaublich bewundernswert und ich wünsche mir, das auch mal zu schaffen.

Welche Pläne/Wünsche/Ziele hast Du in nächster Zeit was Deine Photographie angeht?
Ich wünsche mir, dass ich noch viele Leute mit meinen Fotos begeistern kann, dass ich mich weiterbilde und von Shooting zu Shooting besser werde. Ich will durchstarten und was erreichen, ohne mich selbst zu verlieren und mir dabei immer treu zu bleiben. In nächster Zeit sind viele vielversprechende Shootings geplant, auch größere – aber da lasst ihr euch am besten überraschen. :)

Bilder: © Liz Ke

Bildbeschreibung: Edward Hopper - Morgensonne ( Morning Sun)

2011-08-27T10:09:00.006+02:00

Edward Hoppers Gemälde "Morning Sun" (Morgensonne) wurde 1952 mit Öl auf eine 71,4 x 101,9 cm große Leinwand gemalt und befindet sich im Columbus Museum of Art in Ohio.
Das Werk zeigt eine mittgplatzierte Frau, die mit angewinkelten Beinen auf einem leeren Bett vor einem Fenster sitzt und sich von der Sonne bescheinen lässt. Draußen vor dem Fenster wird ein Gebäudekomplex angeschnitten - vielleicht eine Fabrik? Das Zimmer, in welchem sich die Frau mit ausdruckslosem Gesicht befindet, ist schmucklos und wirkt kahl. Nichts lenkt von der Mittelpunktfigur ab. Die harten Schatten verleihen dem Bild Spannung, da ein extremer Hell-Dunkel-Kontrast entsteht (z.B an der Wand, auf dem Bettlaken, auf der Haut oder dem Kleid der Frau). Die Farben erfüllen in dem Gemälde eine lokale Farbfunktion, d.h. die Farbgebung ist realitätsnah. In der Tat ist das Bild durch Schattierung, Plastizität und Räumlichkeit sehr realistisch gemalt. Die Lichtquelle liegt außerhalb des Bildes und scheint von rechts wie ein gestelltes Licht durch das Fenster, obwohl man meinen könnte, dass es sich bei der "Morgensonne" um Streulicht handelt. Edward Hopper ist bekannt dafür, dass er einsame, melancholische Menschen darstellt. Auch die Frau in "Morning Sun - Morgensonne" wirkt gedankenverloren und schließt so den Betrachter aus dem Bildraum aus, distanziert sich vom Publikum. Mit diesem Bild mag der Künstler auch auf die "Einsamkeit des modernen Menschen" hinweisen. Ein Phänomen, dass es ca. seit dem 20.Jahrhundert gibt. Heute z.B. gibt es doppelt soviele Singlehaushalte wie noch vor 50 Jahren. Auch Erich Käster zum Beispiel behandelt die "Einsamkeit des modernen Menschen" in seinem in den 1920er / 30er Jahren erschienenen Buch "Fabian - Die Geschichte eines Moralisten". Er gibt als Grund u.a. die wirtschaftliche Situation an und die Arbeitslosigkeit. In (finanziellen) Krisenzeiten sind die Menschen egoistisch - also einsam. Auch Edward Hopper behandelt gerne das Thema Einsamkeit. In seinem Bild "Morning Sun - Morgensonne" weist nichts auf eine andere Person hin. Durch das Behandeln dieses auch heute aktuellen Themas dokumentiert Hopper indirekt den Wandel der Menschen. Allerdings macht der Künstler das sehr neutral. Es ist keine eigene Meinung oder Kritik zu erkennen, sondern lediglich eine nüchterne Darstellung der Wirklichkeit. Das Gemälde lässt sich in den Hyperralismus, auch Superrealismus, einordnen. Eine Stilrichtung, die ab ca. 1960 bekannt wurde und sich mit einer "verschärften" (überbetonten) Abbildung der Wirklichkeit beschäftigt. Typisch für die Stilrichtung ist eben auch der Verzicht auf eine subjektive Meinung des Malers, wie auch hier in dem Werk "Morning Sun - Morgensonne". Man kann die Hyperrealisten gewiss auch der Oberflächigkeit beschuldigen, da sie Dinge nur kühl und nüchtern darstellen, ohne jegliche Fantasie und Interpretation. Ihre Werke sollen zunächst einfach nur schön sein und erst nach dem zweiten Blick zum nachdenken anregen.

Bildersammlung: Gustav Klimt's Skizzen

2011-08-25T11:27:00.016+02:00

Viele Kunsthistoriker sind der Meinung, dass Klimts Zeichnungen das Beste in seinem Schaffen sind. Dabei sind diese den meisten unbekannt und auch zu Klimts Zeiten wurden die Kreide- oder Bleistiftzeichnungen kaum veröffentlicht, da sie für gewöhnlich nur als Skizzen oder Vorlagen dienen sollten. Geschätzt wird das zeichnerische Œuvre Gustav Klimts auf ca. 5000 - 6000 Blätter. Ebenso wie sein Zeitgenosse Egon Schiele (hier Bildersammlung dazu ansehen) fertigte Klimt gerne erotische Zeichnungen an. Heute ist es kaum noch nachvollziehbar, dass die Öffentlichkeit maßlos schockiert war über Klimts Werke - genauso wie heute keiner mehr an der Emanzipation oder den Rechten der Frau zweifelt. Doch versetzen wir uns gut einhundert Jahre in die Vergangenheit, als z.B. auch noch kaum jemand Interesse an der Psychoanalyse zeigte Heute ist es mehr oder weniger unumstritten, dass der Mensch trotz allem immernoch triebgesteuert ist (siehe Freuds Instanzen-Modell hier) und dass das unterdrücken bestimmter Bedürfnisse (z.B. in der Zeit Gustav Klimts die Unterdrückung sexueller Begierden - besonders bei Frauen) zu Entwicklungsschäden, oder psychischen Störungen (z.B. Hysterie) führen kann.
Doch natürlich fertigte Klimt nicht ausschließlich erotische Zeichnungen an. Wie bereits erwähnt waren viele seiner Zeichnungen nur als Skizzen gedacht - einige davon sind hier u.a. dabei. Erkennt ihr für welches Werk sie vielleicht gedient haben könnten?
Um alle Werke ansehen zu können klicke nach dem Teaser auf "ganzen Artikel ansehen". Danke

Studienblatt zu einer Allegorie des Theaters - Tragödie, 1895, Tuschefeder, aquarelliert, weiß gehöht, 39 x 26 cm, Historisches Museum Wien

Stehender Akt nach links (Kompositionsentwurf) - Medizin, 1897/98, Bleistift, 38 x 28 cm, Albertina Wien

Stehendes nacktes Liebespaar, 1908, Bleistift, 55 x 35 cm, Historisches Museum Wien

Stehende nackte Schwangere im Profil nach links - Hoffnung II, 1907/08, Kreide auf Packpapier, 49 x 31 cm, Historisches Museum Wien

Freundinnen in Umarmung, 1905/06, Bleistift, 38 x 57 cm, unbekannter Besitzer

Zwei auf dem Rücken liegende Akte, 1905/06, Roter Farbstift, 37 x 56 cm, Neue Galerie am Landesmuseum Joanneum Graz

Liebespaar nach rechts liegend, 1908, Kreide, 35 x 55 cm, Historisches Museum Wien

Oberkörper eines Liebespaares, 1908, Bleistift, 55 x 35 cm, Historisches Museum Wien

VERZEIHT DIE TEILWEISE WIRKLICH SCHLECHTE BILDQUALITÄT
Bilder: Gottfried Fliedl - Gustav Klimt, TASCHEN, 1991

Bildersammlung: Egon Schieles Aktzeichnungen

2011-08-24T10:05:00.005+02:00

Egon Schiele ist nicht nur für seine Darstellung von Häuserfassaden oder Selbstbildnissen bekannt, sondern vorallem auch für seine Aktzeichnungen, die meist Frauen oder Mädchen zeigen. Gezeichnet hat der Künstler bevorzugt mit Blei- oder Tintenstift, Aquarell und Deckfarben oder Gouache auf Papier. Am liebsten im Sitzen, mit dem Bildträger auf dem Schoss. Seine Modelle räkelten sich in erotischen, provokativen Posen, was dem Künstler zu seiner Zeit den Ruf eines Pornographen einbrachte - was ihm natürlich nicht gerecht wurde. Heute hat man das eingesehen. Schiele sah in Allem den Untergang, was die groteske Stimmung seiner Bilder erklärt. Seine erotischen Zeichnungen, besonders jene von jungen Frauen und Kindern, trafen bei der konservativen Bevölkerung gewiss auf Unverständnis, was dem Maler so einige Male Ärger einbrachte. Sogar in Haft verbrachte Schiele einige Tage. Auch entstanden seine Akte oft nach seinem eigenen Vorbild: große, hochgewachsene Menschen, äußerst dünn, mit langen Armen und Fingern, knochig und mit schmalen Schultern - so wie der Körper des Künstlers selbst. Konnte Schiele den Untergang durch den ersten (später vielleicht auch durch den zweiten) Weltkrieg und die Grippe-Epidemie (Spanische Grippe), an welcher auch er und seine Frau starben, vorausahnen?
Um alle Bilder ansehen zu können, klicke nach dem Teaser auf "ganzen Artikel ansehen". Danke!

"Stehendes, nacktes Mädchen mit orangefarbenen Strümpfen" 1914, Bleistift, Aquarell und Deckfarben auf Papier, 48,3 x 32,3 cm Leopold Museum Wien

"Sich umarmende Mädchen" 1914, Bleistift und Gouache auf Papier, 40 x 31,2 cm, Leopold Museum Wien

"Nach vorn gebeugter Akt mit blauen Strümpfen" 1912, Bleistift und Gouache auf Papier, 37,5 x 28,9 cm, Leopold Museum Wien

"Knieendes Mädchen auf beide Ellenbogen gestützt" 1917, Schwarze Kreide und Deckfarben auf Papier, 28,7 x 44,3 cm, Leopold Museum Wien

"Kauerndes Mädchen mit gesenktem Kopf" 1918, Schwarze Kreide, Aquarell und Deckfarben auf Papier, 29,7 x 46,2 cm, Leopold Museum Wien

"Kauernde mit grünem Kopftuch" 1914, Bleistift und Gouache auf Papier, 47 x 31 cm, Leopold Museum Wien

Bilder: aus dem Katalog des Leopold Museums

Künstler: Bernd Zimmer

2011-08-23T09:36:00.009+02:00

Der 1948 bei München geborene Bernd Zimmer kennzeichnet sich durch äußerst farbenfrohe, großformatige Ölmalereien, welche mit Dispersionsfarben grundiert sind. Seine Motive sind figurativ, jedoch nicht naturgetreu. Was den Künstler außerdem noch von anderen abhebt ist die Ansicht "Wenn jeder seine Gefühle malt, interessiert das keinen"*. Sprich: der Maler will nichts persönliches, privates von sich in seinen Bildern haben.

Bernd Zimmer mit 38 Jahren in seinem Atelier (1986)*
Während viele Künstler wie beispielsweise Van Gogh in ihren Gemälde eigene Gefühle einfließen lassen, sodass das fertige Werk eine Art Seelenspiegel ist, will Bernd Zimmer nichts aus seinem (Innen)Leben durch die Malerei preisgeben. Des Weiteren ist Zimmer bekannt für seine etlichen Reisen (u.a Marokko, Spanien, Malaysia, Thailand, Hongkong) und Umzüge. Von München nach Berlin, von Berlin nach Rom und von Rom wieder zurück. Auf seine Malerei hat das Großstadtleben einen eher ungewöhnlichen Einfluss: wie der Künstler selbst sagt, könne er in der Stadt keine Stadtszenen malen, sondern ländliche Motive. Erst seit er die Städte verlassen hat, könne er sie wieder darstellen*. Da Zimmer also gerne umherreist ist es natürlich auch nicht verwunderlich, dass er großes Interesse an Gauguin zeigt. Bernd Zimmer kann zur Strömung der Neuen Wilden oder auch Neue Heftige (auch Neoexpressionismus) gezählt werden, da er wie bereits erwähnt auf sehr großen Formaten malt, nicht naturgetreu, aber auch nicht abstrakt, leuchtende Farben verwendet und einen heftig bewegten und dynamischen Pinselduktus aufweist. Das Stilmerkmal der Neuen Wilden persönliche Gefühle in die Bilder einzubinden erfüllt Bernd Zimmer allerdings nicht.

*Bilder + einige Infos: aus PAN 7/86, Artikel von Eva-Gesine Baur

100. Jahrestag des Mona Lisa-Raubs.

2011-08-22T00:05:00.003+02:00

Vor genau 100 Jahren stockte der (pariser) Kunstwelt der Atem und Alle befanden sich in hellem Aufruhr, denn am 22.August 1911 wurde das heute berühmteste Gemälde der Welt aus dem "Louvre" entwendet: Die Mona Lisa. Das nur 76 x 53 cm große Ölgemälde Leonardo DaVincis auf dünnem Pappelholz wurde von dem Anstreicher Vincenzo Peruggia übernacht aus dem Rahmen genommen und unter dem Mantel des Diebs aus dem Gebäude geschmuggelt. Zwei Jahre lang fehlte von dem Bild jede Spur. Der Räuber versteckte es die ganze Zeit über in einem Loch in der Wand seines Schlafzimmers. Als Peruggia "Die Mona Lisa" 1913 in Florenz zu verkaufen versuchte, wurde er entdeckt und von der italienischen Polizei festgenommen. Am 01.Januar 1914 kehrte DaVincis Malerei unbeschadet nach Paris zurück, nachdem sie noch für kurze Zeit in Florenz, Mailand und Rom zu sehen war. Durch den Diebstahl gewann das ohnehin schon berühmte Werk noch mehr an Bekanntheit, da der Raub weltweit für Schlagzeilen sorgte.

Hundertwasser und seine fünf Häute

2011-08-20T12:28:00.009+02:00

Der Künstler und Architekt Friedensreich Hundertwasser entwickelte während seiner künstlerischen Schaffensphase eine Theorie der fünf Häute des Menschen. Diese Überlegung möchte ich euch heute im Groben nahebringen / erklären.

Die erste Haut: Die natürliche Haut (Epidermis). Zunächst erklärt sich das von selbst. Hundertwasser selbst hatte auch keine Probleme damit, seine natürliche Haut zu zeigen. Bestes Beispiel hierfür ist seine sog. Nacktrede in der Galerie Hartmann in München 1967, in welcher er sich deutlich gegen den Rationalismus und dem Funktionalismus in der Architektur ausspricht. Besonders durch das Bauhaus oder die Idee von Le Corbusier (hier Artikel lesen) wurde der funktionale Baustil beliebt, der sich gegen Dekoration ausspricht und von Schlichtheit und rechten Winkeln geprägt ist. Hundertwasser sagt: "die gerade Linie führt zum Untergang der Menschheit", denn der Mensch muss in Einklang mit der Natur leben um glücklich zu sein und die gerade Linie kommt in der Natur nicht vor, also macht sie den Menschen unglücklich.
Die zweite Haut: Die Kleidung. Man sagt ja bekanntlich "Kleider machen Leute". Hundertwasser drehte das herum und machte seine Kleidung selbst. Er bastelte sich seine eigenen Schuhe, die vollkommen ungleich waren, trug verschieden farbige Socken, flickte sich seine eigenen Patchwork-Mützen und nähte sich Kleidung, die man wenden konnte. Damit kehrte der Künstler wie so oft zur Ursprünglichkeit zurück. Hundertwasser lehnte die Vorurteile, die sich die moderne Welt auf Grund der Äußerlichkeit von einem Menschen machte, ab . In diesem Zusammenhang spricht der Künstler auch von der "Tyrannei der Mode".
Die dritte Haut: Das Haus / die Architektur. Der Name Hundertwasser wird heute meist mit Architektur verbunden. Ebendiese spielte im Schaffen des österreichischen Künstlers auch eine bedeutende Rolle: Er sprach z.B. vom "Fensterrecht", welches besagt, dass jeder Bewohner das Recht hat, die Umgebung um sein Fenster herum (also an der Außenfassade) so zu gestalten wie er es gerne möchte, so weit, wie die Arme eben reichen. Außerdem spricht Hundertwasser von "Baummietern", also dass Bewohner in ihr Haus Bäume planzen, die aus den Fenstern oder vom Balkon wachsen und "Miete" zahlen, indem sie z.B. die Luft reinigen. Auch Dachterrassen und -Gärten gehören zu Hundertwassers Repeatoire. Um auch die sanitäre Einrichtung "typisch" zu gestalten, entwickelte der Künstler die sog. "Humus-Toilette" (Bild unten links), in welcher sich die Fäkalien zu fruchtbarem Humus umwandeln, welchen man dann wieder den Pfanzen gibt.
Die vierte Haut: Das soziale Umfeld. Zunächst gehörten zu Hundertwassers Theorie nur die bereits genannten drei Häute. Die vierte und fünfte Haut kamen erst später dazu. Der Vater des Künstlers starb früh. Als auch die Mutter 1972 starb, hatte Hundertwasser keine direkte Familie mehr. Der Mensch bildet sich sein soziales Umfeld selbst, da er sich seine Freunde aussucht. Hundertwasser spricht bei Freunden von "Wahlverwandtschaft". Sein engster Freund war der französische Künstler Rene Brô, mit welchem er seinen Motvischatz tauschte. Die klassischen Mandelaugen aus Hundertwassers Bildern sind z.B. von Brô übernommen. Dieser hingegen übernahm Friedensreichs kugelähnliche Darstellung von Bäumen.
Die fünfte Haut: Ökologie. Jeder einzelne Mensch ist Teil eines Ganzen: Der Welt. Und deshalb soll nach Hundertwasser der Mensch in Einklang mit der Umwelt leben. Er spricht hierbei vom "Homo Humanus Humanitas". Daher unternimmt der Künstler viel um für sich und durch seine Architektur auch für andere den Kreislauf der Natur zu unterstützen. Durch verschiedene Plakate, die beispielsweise zum Gebrauch von öffentlichen Verkehrsmitteln aufrufen, sich gegen Atomkraft aussprechen oder "Mehr Grün" in Städten fordern, verdeutlicht er diese Einstellung. Hundertwassers Interessen sind dabei jedoch keine politischen. Er möchte einfach durch die Kunst - durch seine Kunst - die Welt bewegen, verändern, verbessern. Sie schöner machen. Alles Schöne wird von der Natur gegeben und soll genauso zu ihr zurück.
Quelle: Pierre Restany - Die Macht der Kunst, Hundertwasser, der Maler-König mit den fünf Häuten, TASCHEN GmbH, 2003

FarbwahnTV: Alte Nationalgalerie Berlin

2011-08-19T12:17:00.002+02:00

Ein kleines Video über meinen Besuch in der Alten Nationalgalerie in Berlin (hier und hier Artikel dazu ansehen). Viel Spaß. Hier geht's zum FarbwahnTV Channel.

p.s suche hübsche kleine Wohnung in oder um München, die vielleicht in der Nähe einer U-/S-Bahn liegt und in der ich ca. ein Semester lang wohnen könnte, da ich mein Studium der Kunstgeschichte in München beginnen möchte. Will jemand zufällig um- oder ausziehen und mir die Wohnung vermachen? Oder kennt jemand jemanden? Kann & will mir vielleicht wer helfen? Wär lieb.

Künstler: Romero Britto

2011-08-17T18:12:00.003+02:00

Seit ich in der Mensing Galerie (hier Post lesen) Unter den Linden in Berlin die farbenfrohen Werke des brasilianischen Künstlers Romero Britto kennengelernt habe, bin ich ein großer Fan von ihm. Geboren wurde Britto am 06.Oktober 1963 in Recife in Brasilien. Betrachtet man seine Skulpturen oder Gemälde, erkennt man sofort, dass es sich bei Romero Britto um einen nicht kleinzukriegenden Optimisten handelt, der immer versucht das Beste in Allem zu sehen und aus Allem zu machen. Und diese Einstellung machte den Künstler erfolgreich: er reiste viel, lernte viele Stile kennen (unteranderem auch die Pop-Art welche besonders in Amerika in den 1980er Jahren noch sehr beliebt war) und erregte mit seinen Werken sowohl bei Museen, als auch bei (privaten) Kunstsammlern eine Menge Aufmerksamkeit. Sein erstes Atelier eröffnete Britto in Miami Beach. Wie bereits erwähnt sind die Arbeiten des brasilianischen Künstlers sehr farbenfroh, da sie an die Pop-Art angelehnt sind (man spricht von Neo-Pop-Art). Außerdem finden sich auch Elemente des Kubismus und der Graffiti-Kunst in Brittos Werken.

http://www.britto.com/

Bücherflut: Franz MARC, LEONARDO DaVinci und du-Magazin

2011-08-16T15:59:00.009+02:00

In mein Bücherregal haben in den letzten zwei Wochen wieder einige Bücher und auch ein Magazin Einzug gehalten: zum Ersten eine nette kleine Buch-Box über Leonardo DaVinci, bestehend aus drei Bänden - "Der Künstler" (ISBN: 3-7630-1778-X), "Der Erfinder" und "Der Forscher" - in welchen jeweils ein Mix aus verschiedenen Essays und unheimlich viele Fotos oder Vergrößerungen das Leben und Schaffen des Universalmenschen DaVinci beschreiben. Erschienen ist die Buchreihe erstmals 1980 in der McGraw-Hill Book Company UK, die zweite unveränderte Auflage erschien 1985 im Belser Verlag in Stuttgart / Zürich. Und genau von da kommen die guten Stücke: aus der Schweiz - Vielen Dank an dieser Stelle an meine dortige Gönnerin, von welcher ich auch eine Ausgabe des du-Magazins - der Zeitschrift für Kultur (Heft Nummer drei, im März 1992), mit Sammlerwert bekommen habe.

Aus Berlin habe ich mir zum Zweiten ein neues TASCHEN-Buch mitgebracht: Dieses mal kaufte ich die Franz MARC Ausgabe von der Autorin Susanna Partsch (ISBN: 978-3-8228-5585-0). Ich habe den Band bereits mehrmals gelesen, weil der Künstler meiner Meinung nach wirklich ein sehr interessantes Leben und einen faszinierenden Weg zu seinem eigenen Stil, welcher dann doch irgendwie kein wirklicher, durchgängiger Sil war, hatte. Und ich wurde wie immer nicht enttäuscht vom TASCHEN-Verlag - (zur Zeit) mein absoluter Favorit unter den Herausgebern von Kunstbüchern, die mein momentan noch autodidaktisches Studium der Kunstgeschichte vorantreiben. Einfach tolle Bücher!

Berlin - Galerie Mensing

2011-08-14T12:00:00.004+02:00

Ich konnte es mir in Berlin natürlich auch nicht nehmen lassen in einer Galerie des berühmten Mensing Kunsthaus' vorbeizuschauen. In Berlin gibt es zwei davon. Ich besuchte jene in der Friedrichstraße, an der Ecke Unten den Linden, die es dort seit 2010 gibt. Eine schöne Galerie mit spannenden Werken aus dem 20. und 21.Jahrhundert, wo besonders Fans der Pop-Art auf ihre Kosten kommen. Auf unzähligen Bildern lachte einem die Stilikone Marilyn Monroe entgegen. Am besten gefallen haben mir aber die Arbeiten (Bilder und Skulpturen) von ROMERO BRITTO, dem kontemporären Pop-Art-Künstler aus Brasilien.

Berlin - Neue Nationalgalerie: Meine Lieblinge

2011-08-13T11:45:00.001+02:00

Und hier auch meine Lieblinge aus der Neuen Nationalgalerie in Berlin. Ich liebe farbenfrohe Bilder. Um alle Werke ansehen zu können klicke unter dem Teaser auf "Ganzen Artikel ansehen". Danke

Der absolute Favorit: Max Pechstein - Sitzendes Mädchen (Moritzburg), 1910

Die schönsten Kontraste: Alexej von Jawlensky - Frauenkopf, 1912

Das schönste Bildthema: August Macke - Spaziergang in Blumen, 1912

Der krasseste Ausdruck: Emil Nolde - Papua Jünglinge, 1914

Die interessanteste Perspektive & Räumlichkeit bzw. Nicht-Räumlichkeit, der schönste Gelbton: Erich Heckel - Landschaft bei Dresden, 1910

Der schönste Duktus & Farbauftrag: aus der Sammlung der Familie Adalbert Trillhase

Die schönsten Farben, die beste Stimmung: DieGiorgio DeChirico - Der große Metaphysiker, 1924-26 und 1935

Die faszinierendste Aussage: Max Beckmann - Geburt, 1937 und Tod, 1938

Der originellste Betrachterstandpunkt: Robert Delaunay - Eiffelturm, 1928

Berlin - Neue Nationalgalerie "Moderne Zeiten"

2011-08-12T16:16:00.005+02:00

Folgt man in Berlin vom Potsdamerplatz aus der Potsdamerstraße, gelangt man zum wunderschönen Flach- und Glasbau nach Ludwig Mies van der Rohe: Der Neuen Nationalgalerie, welche momentan Kunst der ersten Hälfte des 20.Jahrhunderts präsentiert. Sprich: Expressionismus, Kubismus, Surrealismus, Konstruktivismus. Besonders Werke vom Expressionisten par excellence Ernst Ludwig Kirchner haben eine enorme Dichte in der Neuen Nationalgalerie. Aber auch andere Künstler, wie Mitglieder des Blauen Reiter (Kandinsky, Marc, Macke, Delaunay, Jawlensky) sind zu sehen. Die Pittura Metafisica bzw. der Surrealismus werden u.a von Giorgio deChirico, Hannah Höch oder Salvadore Dalí - dem "Chef" persönlich - vertreten. Rodin begeistert mit Skulpturen.
Die Ausstellung "Moderne Zeiten" wird noch bis November 2011 zu sehen sein. Alles in allem handelt es sich bei der Neuen Nationalgalerie im wahrsten Sinne des Wortes um ein "kunterbuntes Haus" - denn die Farbenfröhlichkeit der modernen Kunst kennt, wie wir alle wissen, keinerlei Grenzen.

Berlin - Alte Nationalgalerie: Meine Lieblinge

2011-08-11T21:10:00.022+02:00

Ich habe beschlossen Euch meine Lieblingsstücke aus der Alten Nationalgalerie in Berlin zu zeigen. Um alle Werke ansehen zu können klicke unter dem Teaser auf "Ganzen Artikel ansehen". Danke

Das Schönste von Allen: Pierre-August Renoir - Nachmittag der Kinder in Wargemont, 1884
Ende des Teasers

Die schönste Stimmung: Pierre-August Renoir - Im Sommer, 1868

Die schönste Personenanordnung und -darstellung + Gestik:Edourad Manet - Im Wintergarten, 1879

Das hübscheste Mädchen und interessanteste Komposition: Ludwig von Hofmann - Träumerei, 1898

Die schönsten Farben: Curt Herrmann - Schloss Belvedere bei Weimar, 1912

Der Klassiker: Adolph Menzel - Balkonzimmer, 1845

Das schon-immer-geliebte: Adolph Menzel - Flötenkonzert, 1850 - 52

Die schönste Landschaft: Joseph Rebell - Der Areo di Miseno bei Miliseola mit Blick nach Misida, 1828

Der originellste Betrachterstandpunkt: Karl Friedrich Schinkel - Felsentor, 1818

Die schönste Perspektive: Karl Wilhelm Kolbe d.J - Altdeutsche Straße 1821

Die schönsten Skulpturen, Faltenwürfe und Körperhaltungen:
links: Christian Daniel Rauch - Kranzwerfende Viktoria, 1838
rechts: Prometheus... leider habe ich mir weder Schöpfer, noch Titel notiert. Verzeiht.

Farbwahn - Das Kunst Journal

100 Jahre Jackson Pollock

Cindy Sherman

Paul Cézanne

Bildersammlung: Cindy Sherman "Untitled Film Stills" (1977 - 1980)

Kupferstichkabinett: Zeichenkunst in Hollands Goldenem Jahrhundert

Wissenswertes: Raumgestaltung im Museum + "Shaped Canvas"

Andy Warhol - Mao (1973)

August Macke

Henri Matisse

Weihnachten, Bibel und alte Meister - Teil 5: Kindermord in Betlehem / Rubens

Jahresvorschau 2012

Jahresrückblick 2011

Weihnachten, Bibel und alte Meister - Teil 4: Flucht nach Ägypten / Meister von Mondsee

100 Jahre "Blauer Reiter" Ausstellung

Weihnachten, Bibel und alte Meister - Teil 3: Die Drei Könige / Meister des Schottenaltars

Friedensreich Hundertwasser

Edvard Munch

Weihnachten, Bibel und alte Meister - Teil 2: Geburt Jesu / Dürer

Adolph Menzel in der Alten Nationalgalerie

Adolph Menzel

Tomás Saraceno's CLOUD CITIES im "Hamburger Bahnhof"

Wassily Kandinsky

Photography: White Rabbit

Weihnachten, Bibel und alte Meister - Teil 1: Verkündigung / DaVinci

Impressionen "Schätze des Glaubens" im Bode-Museum

Georges Seurat

Impressionen der Jahresausstellung des Kronacher Kunstvereins 2011

Agnes Martin - Schriften, Kunstmuseum Winterthur 1992

Wissenswertes: Entwicklung der Tafelmalerei zum autonomen Bild

Wissenswertes: Wandmalerei - Secco und Fresko

Blogroll

"Der Geteilte Himmel" in der Neuen Nationalgalerie

"Gute Aussichten - Junge deutsche Fotografie" und Berliner Photographie 1921 im Museum für Fotografie

2. Todestag der Jeanne-Claude

Bildbeschreibung: Caravaggio - Amor als Sieger

Claude Monet

Paul Signac

Ausstellung: Taryn Simon in der Neuen Nationalgalerie Berlin

Kunstgeschichte: Bilderkult und Bildersturm

Berlin: Impressionen Alte Nationalgalerie & Kunstmarkt an der Museumsinsel

Bildbeschreibung: Franz Marc - Der Turm der blauen Pferde

Berlin: Gemäldegalerie am Kulturforum

Todestag Egon Schiele - Bildersammlung.

Helmut Newton Stiftung: Museum für Fotografie - Private Property & Polaroids

Roy Lichtenstein

Pablo Picasso

Bode-Museum & die "Gesichter der Renaissance"

Berlin: Festival of Lights

DaVincis »Dame mit dem Hermelin« im Bode-Museum

Anton Romako

175 Jahre Alte Pinakothek München

Noch bis 31.10.: Hokusai im Martin-Gropius-Bau Berlin.

DalíBerlin - Die Ausstellung am Postdamer Platz

C/O Berlin: Talents25 Vernissage "In Broad Day" mit Mirko Martin & Melanie Martin

Berlin: Tacheles Kunsthaus

C/O Berlin: Bilder vom Terror

Bildersammlung: Romero Brittos Neo-Pop-Art

Bildersammlung: Annie Leibovitz - Disney Dream Portrait Series

Interview: NanaPhotography über die Ausstellung "YOUNG ARTS" im Jugendforum Mozarthof, Klagenfurt

Kunst in der ehemaligen DDR - Sozialistischer Realismus

FarbwahnTV: Vernissage Hasso von Henninges

FarbwahnTV: Neue Nationalgalerie Berlin

10 Jahre Leopold Museum

Happy Birthday Farbwahn - Seit 2 Jahren wahnsinnig

Ateliertage des BBK Oberfranken / Andrea Partheymüller-Gerber

Berlin: Kunst- u. Antiquitätenmesse / Wien: 10 Jahre Leopold-Museum

Vernissage: Hasso von Henninges

Bildersammlung: Sonja Sekula

Katalog: Sonja Sekula

Gemälde: Wassily Kandinsky - Improvisation 19

München: Lange Nacht der Museen am 15.Oktober 2011

Dave Beckerman und das World Trade Center

Ausstellung: Hasso von Henninges

Bildersammlung: Romantik

Caspar David Friedrich

Suche: Wohnung in München

Bildbeschreibung: Egon Schiele - Die Umarmung

Bildersammlung: Salvador Dalí

Jacques-Louis David